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展览是艺术生存与发展不可或缺的环节，艺术缺少展览，就无法面向公众传播，也无法同观众之间相互交流，因此，展览在艺术传播中起着不可估量的作用。但是，我国的非盈利性艺术机构，由于种种制度因素的限制，导致艺术策划与展览需要考虑艺术为政府服务，所以其展厅经常以主题性展览为主；盈利性艺术机构则更多为经济利益所迷惑，使得艺术创作形式与展览形式不断丰富，艺术机构的功能不仅仅局限于审美，而是提高到社会层面的范畴。这一转变促进艺术与群众的紧密联系，群众也参与艺术的生产与创作；而艺术策展人则在艺术创作与艺术策划、艺术展览中扮演着重要角色，这一角色是促进艺术与群众形成大融合的重要手段。
一、盈利与非盈利艺术空间
美术馆与博物馆作为艺术大类非盈利性机构，其运营经费一般由国家艺术基金会扶植，其展览常以主题性的艺术作品为主，展览周期一般为3个月，甚至更长。这就在一定程度上为广泛传播精英艺术奠定基础，其主要服务对象为上层社会知识分子和为艺术教育机构服务。但是作为盈利性的艺术机构（画廊、拍卖行和艺博会等），其生存方式主要依据民间出资方的兴趣进行投资，也就是说其主要以盈利为主，展览周期一般为1周，也有展览时间为3天。这两者之间的盈利与非盈利之间的文化差异构成了艺术必然朝着多元化的方向发展。
无论是何种艺术机构，策展人职业是不可缺少。在西方艺术史中，curator最早指16世纪私人博物馆内负责收藏藏品研究、保管和陈列的专职人员。尔后，私人博物馆藏品逐渐增多，藏品开始由个人欣赏逐渐转向公众开放，博物馆经常组织具有一定的主题性或者相关时代的作品，这个时候开始出现“策展人”的概念。到了18世纪，欧美出现了众多的国家博物馆，如英国大英博物馆、法国卢浮宫博物馆等。而负责研究、策划、组织以及布置等职员就被称为“策展人”，当然与之相对应还有独立策展人，即independent curator，他们不隶属于任何机构、任何组织，而是以自己独特的思想观念和思维方式去进行艺术策划以及艺术布置，从而传递出策划人的艺术思想和学术倾向。
20世纪80年代，由于受到西方当代艺术的影响，不少艺术家纷纷跟随国外艺术风气，在国内推行西方现当代艺术展览方式、策划理念、艺术思维以及学术氛围，由于缺少对国内现当代艺术的把握，使得多数展馆的作品缺乏新颖性。更有甚者，一些从事艺术创作的艺术家也纷纷踏上“策展人“的征程，为了谋取利益，纷纷与盈利机构合作，导致艺术成为了金钱的附属品。依笔者以为，对于非盈利机构，策展人需要最大化利用艺术基金会的资助，策划出有条理性的组织展览，让观众一目了然，促使艺术产生于大众，服务于大众。当然，非盈利艺术机构也需要突破传统博物馆与美术馆仅仅作为收藏高端古典艺术作品的场域，避免出现忽视现当代艺术发展的趋势。作为盈利艺术机构，除了私人收藏作品需要对外拍卖以外，也需要关注此种艺术机构的学术性与规范性。最为简单是拍卖行，它作为一种艺术机构其实是一件好事情，但是一味为了艺术拍卖，寻求利益而进行的艺术展览是不是值得我们新一代艺术学人思考呢？博罗那上海当代艺术展中，不乏有一些艺术作品属于炒作类型。比如其中有几张作品是直接将毕加索的作品重新装裱挂在墙上，并且明码标价，这种商业行为明显让艺术作品的商业性质大于其艺术欣赏的程度，导致陈旧的展览模式，这种展览类型仅局限于墙壁，较少将展览与研究的对象转向当代艺术，由于其生存环境与方式，决定了艺术必然朝着商业景气之处发展，形成较为浓厚的商业氛围。
二、多元化的创作方式促进展览形式的多样化
不同的创作形式将会承载不同的展览方式，这造就了展览的多样性。艺术创造形式究竟有哪些？蔡元培先生在《美术的进化》一文中说：“美术有静与动两类：静的美术，如建筑、雕刻、图画等。占空间的位置，是用目视的。动的美术如诗歌、音乐等，有时间的连续，是用耳朵听的，介乎两者之间，是跳舞，他占空间的位置，与图画相似；又有时间的连续，与音乐相类。”[1]动静艺术的结合，包含了人世间的万事万物。博物馆与美术馆在一定程度上承载了绘画的本质属性，间断性地向观众呈现国画、油画、建筑、影视以及音乐等艺术类型，这些具有一定历史范畴的文物大多数是以实物展出，主要是由于非印刷资料具有一维性，展现的是对于历史资料的呈现；而一些盈利性的艺术机构，除了以上的展览方式，还会借用一些行为艺术，公共艺术作品与具有当代艺术性质的展览，吸引更多的观众与读者。比如行为艺术家何成瑶的半裸体艺术作品，其中《向妈妈致敬》、《广播体操》和《见证》等，都表现出艺术家真实想法。虽然当时遭到一些人的不理解，但是何成瑶坚持使用每一个行为展现自己内心的所思所想，每一幅作品都是反映艺术家对往事的回忆。盈利性艺术机构将现实生活中具有突出表现艺术家的作品展示出来，一方面是向公众推荐艺术家，让广大群众了解艺术家；另一方面利用艺术家新颖的艺术观点，强烈的视觉冲击力吸引观众，从而达到艺术家与艺术机构双赢的模式。
博罗那上海展览中心从不同的艺术特征出发，网罗我国具有一定水平的画廊参与活动，并将各自具有特色的艺术作品以图像或影像作品陈列出来，扩大艺术展览的规模，凸显现当代艺术的发展潜能。现当代艺术家们迎合大数据时代的信息资源，不断尝试新的创作模式，进而表达主体的艺术理想，并且赋予艺术作品新的含义。比如张大力的《硅橡胶》系列作品，刻画的是几个不同姿态的老年人活动于广场，有的站着，有的坐着，有的戴着帽子等，他们与周围的鸽子发生了一系列的活动，富有热情的鸽子三两个地依偎在老人们的身上，对老人们的表现手法却不尽相同，这也展示作者对于社会生活的仔细观察与反复修正。奥赛美术馆展出《挫折》系列作品，画面使用了综合材料的表现手法，形成不同的凹凸感，似乎在告诫人们，现实生活中的困难犹如画面高低起伏的短线凸凹。
当代艺术机构在发展过程中，呈现出多样化的发展情形，这主要与艺术家的艺术素养是分不开的。艺术家根据自身专业的特性与展览的属性，以及对专业自身的不断反思，营造了当代艺术“海纳百川”的包容性，才使得当代艺术的展览呈现百花齐放的面貌，彰显出当代艺术的独特性。为何当代艺术如此受艺术家欢迎？古根海姆美术馆总馆长克伦斯谈及21世纪的美术博物馆发展时表示，艺术延伸创作的范畴，将不再局限于传统的绘画或雕刻领域，而是涵盖录像、表演艺术与建筑等。[2]他巧妙回答了非盈利艺术机构的发展方向，需要不断创新，不断吸收现实生活中优秀作品，使得博物馆陈列作品不断更新，不断与观众之间相互交流，这样才能更好地促进多元化的展览策略。
三、策展人促进艺术与群众的融合
策展人这一职业的兴起源于西方，是许多艺术家向往并且尊敬的职业。一些优秀的策展人一般由批评家、艺术撰稿人或者高校教师、杂志编辑担任。他们活跃于艺术较为发达的城市，并参与艺术策划展览的行列，成为艺术向外发展不可或缺的成员之一。因此，他们采用各自的学术理念，艺术规则与潜在的展览意识，将具有不同特征的艺术作品按照一定的秩序陈列展示于博物馆、美术馆、画廊或者艺术中心等机构，形成对外传播艺术的手段。
2014年9月在上海展览中心展出的艺术作品，不仅艺术作品的种类多样，艺术的表现形式丰富，而且其中部分艺术作品较好实现了艺术与观众之间的互动，让观众参与艺术创作中，实现两者之间零距离的交流。杨梅红艺术学校采用废旧的报纸创作出大小不同的马，里面结合钢管坚固的材料，这种创作模式打破传统借用画布、宣纸、水彩纸等媒介的创作，进而转向装置艺术的创作模式，具有强有力的视觉效果。另外一幅作品《一起来玩视幻穿越》，更像一个迷宫，该作品主要由黑白不同的布条组成，然后连接起来成一个网状结构。读者可以从宽大的入口进去，穿梭于其间。倘若读者没有一定的观察能力与想象能力的话，恐怕难以从该作品中逃离出来。
该展览作品中还有实验水墨艺术、蒋志的视频作品《0.7%的盐》，还有雕塑与绘画相结合的作品等，这些作品都不同程度阐释了艺术家的深入思考，也从侧面激发了策展人对当代艺术展览形式新的认知与思考。作为艺术创作者与艺术策划人，他们从文化层面不断完善艺术家与展览之间的联系，因为艺术总是向前发展，艺术的实验与思考也是不断处于摸索与探索的阶段，因此，艺术策展人也需要不断思考，不断创新，才能使自己策展水平与不断更新的艺术文化体系相吻合。
总而言之，艺术策展需要与艺术创作时刻保持创新意识，才能创作具有新颖的意味的形式，才能策划出具有形式多样化的艺术展览，才能传递更多具有文化气息的内容展示给观众，才能繁荣我国的艺术文化事业。参考文献：
[1]蔡元培.美术的进化[N].北京大学日刊，1921-02-15.
[2]刘惠媛.博物馆的美学经济[M].北京：生活.读书.新知三联书店，2008：79.
一、盈利与非盈利艺术空间
美术馆与博物馆作为艺术大类非盈利性机构，其运营经费一般由国家艺术基金会扶植，其展览常以主题性的艺术作品为主，展览周期一般为3个月，甚至更长。这就在一定程度上为广泛传播精英艺术奠定基础，其主要服务对象为上层社会知识分子和为艺术教育机构服务。但是作为盈利性的艺术机构（画廊、拍卖行和艺博会等），其生存方式主要依据民间出资方的兴趣进行投资，也就是说其主要以盈利为主，展览周期一般为1周，也有展览时间为3天。这两者之间的盈利与非盈利之间的文化差异构成了艺术必然朝着多元化的方向发展。
无论是何种艺术机构，策展人职业是不可缺少。在西方艺术史中，curator最早指16世纪私人博物馆内负责收藏藏品研究、保管和陈列的专职人员。尔后，私人博物馆藏品逐渐增多，藏品开始由个人欣赏逐渐转向公众开放，博物馆经常组织具有一定的主题性或者相关时代的作品，这个时候开始出现“策展人”的概念。到了18世纪，欧美出现了众多的国家博物馆，如英国大英博物馆、法国卢浮宫博物馆等。而负责研究、策划、组织以及布置等职员就被称为“策展人”，当然与之相对应还有独立策展人，即independent curator，他们不隶属于任何机构、任何组织，而是以自己独特的思想观念和思维方式去进行艺术策划以及艺术布置，从而传递出策划人的艺术思想和学术倾向。
20世纪80年代，由于受到西方当代艺术的影响，不少艺术家纷纷跟随国外艺术风气，在国内推行西方现当代艺术展览方式、策划理念、艺术思维以及学术氛围，由于缺少对国内现当代艺术的把握，使得多数展馆的作品缺乏新颖性。更有甚者，一些从事艺术创作的艺术家也纷纷踏上“策展人“的征程，为了谋取利益，纷纷与盈利机构合作，导致艺术成为了金钱的附属品。依笔者以为，对于非盈利机构，策展人需要最大化利用艺术基金会的资助，策划出有条理性的组织展览，让观众一目了然，促使艺术产生于大众，服务于大众。当然，非盈利艺术机构也需要突破传统博物馆与美术馆仅仅作为收藏高端古典艺术作品的场域，避免出现忽视现当代艺术发展的趋势。作为盈利艺术机构，除了私人收藏作品需要对外拍卖以外，也需要关注此种艺术机构的学术性与规范性。最为简单是拍卖行，它作为一种艺术机构其实是一件好事情，但是一味为了艺术拍卖，寻求利益而进行的艺术展览是不是值得我们新一代艺术学人思考呢？博罗那上海当代艺术展中，不乏有一些艺术作品属于炒作类型。比如其中有几张作品是直接将毕加索的作品重新装裱挂在墙上，并且明码标价，这种商业行为明显让艺术作品的商业性质大于其艺术欣赏的程度，导致陈旧的展览模式，这种展览类型仅局限于墙壁，较少将展览与研究的对象转向当代艺术，由于其生存环境与方式，决定了艺术必然朝着商业景气之处发展，形成较为浓厚的商业氛围。
二、多元化的创作方式促进展览形式的多样化
不同的创作形式将会承载不同的展览方式，这造就了展览的多样性。艺术创造形式究竟有哪些？蔡元培先生在《美术的进化》一文中说：“美术有静与动两类：静的美术，如建筑、雕刻、图画等。占空间的位置，是用目视的。动的美术如诗歌、音乐等，有时间的连续，是用耳朵听的，介乎两者之间，是跳舞，他占空间的位置，与图画相似；又有时间的连续，与音乐相类。”[1]动静艺术的结合，包含了人世间的万事万物。博物馆与美术馆在一定程度上承载了绘画的本质属性，间断性地向观众呈现国画、油画、建筑、影视以及音乐等艺术类型，这些具有一定历史范畴的文物大多数是以实物展出，主要是由于非印刷资料具有一维性，展现的是对于历史资料的呈现；而一些盈利性的艺术机构，除了以上的展览方式，还会借用一些行为艺术，公共艺术作品与具有当代艺术性质的展览，吸引更多的观众与读者。比如行为艺术家何成瑶的半裸体艺术作品，其中《向妈妈致敬》、《广播体操》和《见证》等，都表现出艺术家真实想法。虽然当时遭到一些人的不理解，但是何成瑶坚持使用每一个行为展现自己内心的所思所想，每一幅作品都是反映艺术家对往事的回忆。盈利性艺术机构将现实生活中具有突出表现艺术家的作品展示出来，一方面是向公众推荐艺术家，让广大群众了解艺术家；另一方面利用艺术家新颖的艺术观点，强烈的视觉冲击力吸引观众，从而达到艺术家与艺术机构双赢的模式。
博罗那上海展览中心从不同的艺术特征出发，网罗我国具有一定水平的画廊参与活动，并将各自具有特色的艺术作品以图像或影像作品陈列出来，扩大艺术展览的规模，凸显现当代艺术的发展潜能。现当代艺术家们迎合大数据时代的信息资源，不断尝试新的创作模式，进而表达主体的艺术理想，并且赋予艺术作品新的含义。比如张大力的《硅橡胶》系列作品，刻画的是几个不同姿态的老年人活动于广场，有的站着，有的坐着，有的戴着帽子等，他们与周围的鸽子发生了一系列的活动，富有热情的鸽子三两个地依偎在老人们的身上，对老人们的表现手法却不尽相同，这也展示作者对于社会生活的仔细观察与反复修正。奥赛美术馆展出《挫折》系列作品，画面使用了综合材料的表现手法，形成不同的凹凸感，似乎在告诫人们，现实生活中的困难犹如画面高低起伏的短线凸凹。
当代艺术机构在发展过程中，呈现出多样化的发展情形，这主要与艺术家的艺术素养是分不开的。艺术家根据自身专业的特性与展览的属性，以及对专业自身的不断反思，营造了当代艺术“海纳百川”的包容性，才使得当代艺术的展览呈现百花齐放的面貌，彰显出当代艺术的独特性。为何当代艺术如此受艺术家欢迎？古根海姆美术馆总馆长克伦斯谈及21世纪的美术博物馆发展时表示，艺术延伸创作的范畴，将不再局限于传统的绘画或雕刻领域，而是涵盖录像、表演艺术与建筑等。[2]他巧妙回答了非盈利艺术机构的发展方向，需要不断创新，不断吸收现实生活中优秀作品，使得博物馆陈列作品不断更新，不断与观众之间相互交流，这样才能更好地促进多元化的展览策略。
三、策展人促进艺术与群众的融合
策展人这一职业的兴起源于西方，是许多艺术家向往并且尊敬的职业。一些优秀的策展人一般由批评家、艺术撰稿人或者高校教师、杂志编辑担任。他们活跃于艺术较为发达的城市，并参与艺术策划展览的行列，成为艺术向外发展不可或缺的成员之一。因此，他们采用各自的学术理念，艺术规则与潜在的展览意识，将具有不同特征的艺术作品按照一定的秩序陈列展示于博物馆、美术馆、画廊或者艺术中心等机构，形成对外传播艺术的手段。
2014年9月在上海展览中心展出的艺术作品，不仅艺术作品的种类多样，艺术的表现形式丰富，而且其中部分艺术作品较好实现了艺术与观众之间的互动，让观众参与艺术创作中，实现两者之间零距离的交流。杨梅红艺术学校采用废旧的报纸创作出大小不同的马，里面结合钢管坚固的材料，这种创作模式打破传统借用画布、宣纸、水彩纸等媒介的创作，进而转向装置艺术的创作模式，具有强有力的视觉效果。另外一幅作品《一起来玩视幻穿越》，更像一个迷宫，该作品主要由黑白不同的布条组成，然后连接起来成一个网状结构。读者可以从宽大的入口进去，穿梭于其间。倘若读者没有一定的观察能力与想象能力的话，恐怕难以从该作品中逃离出来。
该展览作品中还有实验水墨艺术、蒋志的视频作品《0.7%的盐》，还有雕塑与绘画相结合的作品等，这些作品都不同程度阐释了艺术家的深入思考，也从侧面激发了策展人对当代艺术展览形式新的认知与思考。作为艺术创作者与艺术策划人，他们从文化层面不断完善艺术家与展览之间的联系，因为艺术总是向前发展，艺术的实验与思考也是不断处于摸索与探索的阶段，因此，艺术策展人也需要不断思考，不断创新，才能使自己策展水平与不断更新的艺术文化体系相吻合。
总而言之，艺术策展需要与艺术创作时刻保持创新意识，才能创作具有新颖的意味的形式，才能策划出具有形式多样化的艺术展览，才能传递更多具有文化气息的内容展示给观众，才能繁荣我国的艺术文化事业。参考文献：
[1]蔡元培.美术的进化[N].北京大学日刊，1921-02-15.
[2]刘惠媛.博物馆的美学经济[M].北京：生活.读书.新知三联书店，2008：79.