《礼记·乐记》中记载：“凡音之起，由人心生也。人心之动，物使之然也，感於物而动，故形於声。声相应，故生变，变成方，谓之音。比音而乐之，及干戚、羽旄，谓之乐。”音来自人的内心，是感性的体现，它还需要通过一定的方式和规律组织起来，这就是理性的思维，两者结合方能形成音乐。
　　在音乐实践中感性与理性的对立统一是永恒的不变的主题。比如音乐创作必须依靠调试调性体系、严密的曲式结构作为载体才能呈现出来，但过分的理性就会创作拘泥于某种现有的形式使音乐失去其活力和创新，音乐的发展也会停滞不前。人们常说演奏是对乐曲的二度创作，一个演奏者在演奏时必须保有感性的内心状态，但为了将内心音乐完美的展示出来的练习过程却又必须是十分的严谨，每一个音都要放在放大镜下审视。音乐追求变化，但教师授课却必须要求学生固定乐曲处理方式，每一个弓法每一个指法都要固定，什么地方强，什么地方弱，就连什么时候揉弦，揉几下都有明确要求。这样做的好处是在统一的标准下提高演奏水平，增强了上台演奏的准确性，但同时也减弱了学生的创造性。
　　一名合格的教师除了要教授学生学习音乐外，还要引导其建立自己的演奏风格。音乐是个性的艺术，没有人能说自己的处理是唯一标准答案，因此向学生教授自己对音乐的理解处理的同时需把握好度，留给给学生发挥的余地。并且在讲授自己对音乐理解的同时要结合乐曲的创作背景、时代特征、音乐风格和内容等等，要做到让学生知其然还要知其所以然。
　　过去，音乐传授的方式是“口传心授”，老师只教你旋律的骨干和他的装饰手法，并且就算是同一人演奏同一乐曲下一边的演奏也可不同，一代代艺人就是在这种传承方式中融合自身对音乐的解读及时代精神、特征，逐渐形成了众多的流派和丰富多样的音乐文化。中国的传统音乐之所以有着灿烂辉煌的历史，其根源就在于变化。
　　“唯乐不可以为伪”，音乐中的情感是不可作假的，一个演奏者在演奏时如果不能先感动自己又如何感动观众。任何音乐的演奏如果不是出于真情实感就会沦为“手指的体育活动”。拉赫玛尼诺夫曾说，“优美的演奏要求键盘之外的许多深思。做学生的不应觉得，那些音符已经弹完了他的任务就完成了。事实上，这仅仅是开始。”
　　如果说感性是音乐的灵魂，那理性就是音乐实现的载体，就如同想当厨师就要先从学习切菜开始，要学雕刻先要磨几年的刻刀，要成为画家首先要识别颜色学习临摹的技巧。作为一名演奏者拥有扎实的基本功和娴熟的演奏技巧是成为演奏家的前提条件，理性的科学的技术训练过程必不可少。美国茱莉亚音乐学院流行着这样一句口号：第一是技巧，第二是技巧，第三还是技巧。没有好的技术如何能够将心中的音乐准确的呈现出来？“艺术上的自由需要充分运用技巧的能力”。
　　理性与感性是演奏者在学习过程中所经历的不同阶段，音乐处理中的“变”来自于对乐曲深刻的分析和了解上。就像是认识一个人，开始只是停留在其外貌特征上，随着相处的加深他的性格、喜好就会越清楚，也就越来越知道如何相处。我常跟学生讲练琴有三种状态：第一种，心不指导手，手不知如何将心里的音乐演奏出来。第二种，知道要表达什么，也知道如何通过技术展示出来。第三种，也是最好的状态，拥有娴熟的技巧，能独立处理乐曲，有自己的演奏风格。这三个状态也是学习的三个阶段，总而言之感性是生命，没有生命的理性练习是无意义的，而理性则如同翅膀，有了翅膀感性才能高高飞翔，两者中缺一不可。