当这个题目出现在你面前时，有美术常识或接受过简单美术训练的人都会提出异意：色彩何以能“脱离素描”？这里是我在实际写生中总结的一种训练色彩的个人方法和认识，以供交流。
　　色彩与素描存在本质的区别。“素描”定义是单色画。传统素描重视造形，结构，规律，画面关系，以单一色为主。现代素描重视表现，有些加入少许颜色。但总的来说无论哪种素描都“重形轻色”。是一种能独立存在的艺术形式，也是一切绘画的基础。体现着人类对世界的认识，也体现着艺术家个人的综合能力。
　　“色彩”的魅力却全在颜色，有些写实色彩绘画虽先画素描，再在此基础之上着色，是将绘画的“根”和“叶”分开来表述，是分解动作的完成，不影响艺术的表达。但近现代彩色大师们（例如莫奈：“好的绘画是一个个不同形状的色斑组成的。”）认为好的写实作品是以色彩为主，要说有素描关系，也是在色彩中反映出的自然造型规律。色彩是独立在一切理性的规律关系（素描的理性认识）之外的纯感性的认识，是情感的东西。（虽然不可能有无规律的纯色彩，但色彩与人的生理感受更为贴近。）
　　我认为“素描”和“色彩”本质上是有明显的区别。但两者的关系又丰富密切。首先，素描对色彩的影响极为重要。素描是色彩的基础，素描内在知识往往决定着完整色彩作品的成败。一些画家依靠先画素描造型再添色，创造了伟大的作品。但一些更伟大的画家将素描中所包含的技巧、知识吃透消化，在色彩的表现上达到新的高度。后者对绘画领悟更深，操作更高级。常言道：“融会贯通”。大概讲的就是后者。
　　其次，色彩绝不能依附素描。色彩本就是美的，是人类眼睛看到最高级的东西，只要搭配恰当世界上就没有丑的色彩。素描中却缺乏色之美，尤其是传统素描只有人类苦苦追索研究出的形、结构、关系等等，甚至有些素描是理性的科学而缺少感性的艺术。（但不能否认优秀素描是兼顾情感的作品）人们可以利用科学但绝不能放弃天性。人们更喜欢色彩斑斓而不是黑乎乎的功夫。素描在色彩中最多只是明度和构成的一部分体现，并非色彩之本体。
　　第三，历史上有很多绘画前辈在这个问题上已做过很多认真的思考和探索。西方绘画家自从摄影术的产生就将素描加色的古老方法放弃了。从印象派开始直至今天。从主张室外写生开始，画家们就已意识到自然色彩的魅力，在自然中寻找新的颜色，使画面活起来，脱离了形的强大束缚，让色成为了画面的主体。色相的区分越来越细，画面也越来越具有生命力。画家的抒情也就越来越淋漓尽致。在现代绘画中画面平面化的开始为色在油画作品中的作用给了更大的空间。极简主义让形和色简单到极至，素描的“形”和“各种关系”减弱了，但色彩的作用却加大了。“点彩”和“野兽”虽然一个是静一个是闹但都用色彩的力量去突破一切。抽象绘画更多的是抽取形象却突显了色彩。“创新，创新，创新”的现代口号中色彩具有了更重要的地位。
　　接下来说说“集中精力画色彩”的重要性，只有集中所有精力去做一件事才能做好。这是做人的道理，也是做事的道理。可谓术有专功。绘画之理也一样，如果提倡色彩素描兼顾全部绘画因素都在一幅作品中完美结合起来，这种想法几乎不可能，求完求全的想法在艺术中本身就是愚蠢的。过分的追求完美反而会减弱作品的表现力度。想在一个人的一生中把绘画的一切做完，在一张作品中运用人类总结的所有绘画技能和知识是“天方夜谭”。尤其是在小幅风景油画此类随性小作中想要太多，我认为是不聪明的。我们可以了解掌握一切绘画知识，但只能专注一点，运用一点，表达一点。“每画只说一句话！”才能有好成效。所以我提出画小风景油画写生专练色彩是十分有益之举。
　　最后，小风景油画写生自身独到的特点适合脱离素描独立练习色彩。小风景油画写生面对瞬息万变、色彩斑斓的自然需要专注于色彩。如果理性地描画素描经验，寻找绘画规律，分析总结自然关系，往往会分散画者对色彩的敏锐力，降低色感，影响写生色彩效果。这种绘画作品最终将是十分可悲的。我们会有这样的共识：在小风景油画写生中抓紧时间就是成功的基本保障，想的太多，犹豫不决往往注定失败。面对自然，时间有限，最能打动我们的不是科学的理性的规律，而是活生生的自然色彩。此时我们最应该付出真情，用自己的眼睛去感受色彩在光影下的无穷变化，接受自然的灵性表白。