还记得伦敦的2020年12月初第二次封城结束后，人们蜂拥进入泰特英国美术馆，观赏Lynette Yiadom-Boakye个展，那时很难会想到十几天后即将到来的是第三次也是最长最严格的四级（Tier 4）封城，所有的艺术场馆再次关闭。伦敦的艺术圈，在2020年就是这样飘摇和停滞着。疫情的政治化通过网络的声浪获得了能量，也让所有的从业者们看到了比当代艺术更具批判性意义的社会现状，让人意识到艺术在危机时并不是生活的必需品，由此产生了更多的反思和自我怀疑。疫情下，监控网络科技更加广泛的应用也让生命政治系统对社会的管控进一步加强，哲学家如阿甘本对防疫的质疑声被广泛的认为与民粹化的反智主义等同起来。疫情使得人们对网络数字技术的崇拜无以复加，艺术家们也曾试图用网络来勉强维持艺术生活的常态。比视觉艺术面临更加严峻困境的是表演艺术领域。音乐家与戏剧家们在伦敦的舞台于疫情期间已经完全消失，社会舆论所探讨的是视觉和表演艺术的未来如何向虚拟“平台”转移，文化产品的平台化转变也承载着其政治、经济、文化层面的意义。不利的新闻还在继续，伦敦皇家歌剧院为了维持生计而拍售了其机构珍藏的David Hockney画作“The Portrait of Sir David Webste”；原本筹建中的伦敦新音乐厅计划也宣布搁浅。

　　英国的文化产业在2020年呈现惨淡的数据。在音乐产业领域，由于从2020年3月份英国第一次全国封城至今，所有的剧场与音乐厅都几乎处于封闭状态，根据独立音乐节协会的数据，疫情导致音乐节的整体收入在2020年下降了90.2%，可能有多达50%的从业者遭到裁员。当现场音乐遭受打击时，支撑音乐产业的基石也被动摇。 整个行业中都可以感受到明显的影响。 2020年间，英国的音乐创作者的收入损失高达80%； 根据英国音乐家联盟的一项调查，多达71%的音乐家在考虑退出该领域，或者不确定是否会继续下去。Music Venue Trust估计，Covid-19的传播使得基层音乐场所的数量减少了75%，交易时间减少了50%至75%，同时限制了表演者的演出机会，并在场地上增加了沉重的额外成本。在视觉艺术领域，除了如泰特现代美术馆的安迪·沃霍尔个展、皇家艺术学院的特雷西·艾米（Tracy Emmy）個展等依稀几个重要展览得以在支离破碎的时间缝隙中进行之外，大量的艺术活动都经受了被取消或转移至网络平台展览。

艺术机构的虚拟“平台化”

　　展览空间的平台化是伦敦的各大艺术机构所不得不采取的应急措施，所谓平台化也不仅仅就是将作品展示搬到网络上那样简单。在线“平台化”，作为一种网络空间在视觉效果和功能性方面的建构过程，本身也与人们的观展习惯和艺术体验方式以及策展人对线上策展概念的重新认识有着密切联系。“平台化”可以定义为将实体艺术机构的经济、文化和设施建筑扩展渗透到网络和应用生态系统中，从而从根本上转变文化机构的传统运营理念。虚拟化展览空间虽然早已在疫情之前出现，但一直处于非成熟的阶段。疫情使得虚拟化的在线平台展览成为机构应变危机的重要方式，尽管网络展览质量也是良莠不齐。2020年为数不多几次现场线下的优秀展览目前也仍然在以线上展览的方式在进行着，如大英博物馆、萨默瑟特公爵府最近的重要展览和致力于跨学科艺术探讨的Artangel所策划的“思考时间”项目：
　　大英博物馆（British Museum）密宗：革命的启示Tantra： enlightment to revolution
　　英国所举办的首个主要讲述密宗历史的展览，将密宗阐述为一种改变了印度及其他地区的宗教，文化和政治格局的激进哲学。该展览描绘了密宗的兴起和传播过程-即一系列在公元500年左右首次出现在印度的信仰和仪式。该展览将探讨印度教和佛教在中世纪的早期转型，以及其与印度争取独立和崛起的斗争和1960年代西方反文化运动的相联系。展览展出超过100件物品，包括雕塑、绘画、版画和仪式物品，其中包含世界上尚存的最早的四件密宗物件，物品大多借自剑桥大学图书馆。
　　该展览也特别探讨密宗对性别规范的挑战，尤其是对女神和密宗女性修炼者的描绘如何超越了传统的女性形象。还展出了许多女性艺术家的当代作品，包括Sutapa Biswas 在1985年创作的混合媒体作品《主妇与牛排刀》（Housewives with Steak-Knives），以现代女性主义的形式召唤印度教女神时母（Kali）。

　　在1960年代和1970年代，密宗的思想和意象启发了全球反文化运动。展览将展示迷幻风格的海报、绘画、照片和雕塑，展示密宗在艺术和大众文化中的持久影响。密宗思想与自由爵士等音乐活动的联系在展览中也得到探讨。
　　该展览目前可在线浏览，策展人将在线引导观众看展，以探索展出的复杂性主题和作品，尤其着重于有关描绘密宗女神的作品。除此之外，还会展出一批探索密宗的文章以及观看在线访问和浏览与展览相关的过去事件。
　　赛默瑟特公爵府（Somerset House）：蘑菇-真菌的艺术，设计与未来Mushrooms - the art， design and future of fungi 　　本展通过40多位著名艺术家、设计师、音乐家的作品来庆祝由“蘑菇”所衍生的一切灵感。“蘑菇：真菌的艺术，设计和未来”着眼于真菌这一物种所衍生的文化遗产，在人类学家罗安清（Anna Tsing）著作《末日松茸：资本主义废墟下的可能性》（The Mushroom at the End of the World： On the Possibility of Life in Capitalist Ruins）影响下， 本展观察到蘑菇作为一种文化遗产所引起的艺术家的各种反响。其中一些亮点包括Beatrix Potter的水彩画、John Cage的食谱和插图书（1972）以及美国艺术家Cy Twombly的拼贴画。展览还探索了创新的设计、纺织品和建筑实验领域；这些实验以开创性的新方式使用蘑菇，从用真菌提取的纤维制成的可持续服装以及可再利用的农业废料。观众可以通过催眠视频观看迷幻表演的内部景况，完美地传达了表演过程中的迷幻药作用的本质。该催眠视频也可以使观众近距离观看村上隆，Haroon Mirza，Hannah Collins和Adham Faramawy等艺术家的作品。

　　Artangel：思考时间Thinking Time
　　时间性是疫情期间广泛探讨的主题，被流行病毒限制了自由的人类，改变着日常行为方式，而时间性也被符号化为不同层次的结构存在于不同的语境和空间之中。位于东伦敦的非盈利艺术组织Artangel一直在致力于探究不同艺术的边界。疫情封锁了艺术家的行动自由，却也聚合更多的思考时间，这样的思考往往会伴随着巨大的精神危机，但精神危机也触发了独具反思性作品的出现。这种停工状态虽然导致世界各地的艺术机构被迫关闭，但也使人们想起了那些永远不停止的事情：想象力。将在三月份开始举办的主题为《思考时间》（Thinking Time）的系列讲座和展览活动，选择了不同领域的一共二十位艺术家来呈现他们在疫情期间的创作，由此阐发他们的“思考时间”。这些艺术家及其作品呈现着跨学科的特征， 他们都是在英国生活和工作的艺术家，在表演，诗歌，编舞，音乐，视频和装置等各种媒介中进行创作。在此期间Artangel会组织一系列的讲座与艺术家工作坊，但所有的活动将在网络平台呈现。

后疫情：线下展览与现场音乐

　　第三次隔离期让伦敦人开始滋生了广泛的厌倦心理，无休止的等待和隔离生活的枯燥也使得各类艺术从业者们开始思考和规划者艺术在伦敦的未来。英国财政大臣里希·苏纳克 （Rishi Sunak）在2021年三月份的新一批财政计划中宣布，为遭受疫情严重打击的文化部门提供逾4亿英镑（约合人民币36亿）的额外支持。苏纳克表示这些资金会被用于帮助英国的博物馆、剧院和画廊在新冠疫情限制措施放缓后重新开放。英国国家博物馆和文化机构也将获得9000万英镑（约合人民币8.1亿）的资助，以帮助它们维持正常运营，直至最早预计的5月17日恢复正常营业。此外，还将有1880万英镑（约合人民币1.7亿）投入到社区文化项目。2021年4月随着第三次隔离期的放松，以及6月份全民第一针疫苗注射结束之后，英国的艺术界也会进行再次开放的尝试。虽然前景还未明确，但人际之间的真实交流以及线下观展的欲望也会驱使大众逐渐回归到开始复苏的艺术生活之中。英国一些重要的艺术机构也在运筹帷幄，公布了将在今年年中开始的展览与演出计划。

　　英国国家歌剧院（English National Opera）：《尼伯龙根的指环》Der Ring des Nibelungen
　　伦敦有多久未上演真正的现场音乐演出了？第一次全国封城解除后虽然有过一些音乐机构（如伦敦皇家歌剧院）举办过零星的允许少数观众进场的演出，但绝大多数音乐演出场所仍然处于线上音乐表演状态。英国国家歌剧院（ENO）最近在各个社交媒体上公布了其即将制作的瓦格纳歌剧《尼伯龙根的指环》系列，整部歌剧共4套剧目将在未来五年相继上演，今年六月将会在伦敦演出系列歌剧的第三部《女武神》，由英国歌剧导演理查德·琼斯执导。另外将在2022-2023乐季上演《莱茵的黄金》，在2024乐季上演《齐格弗里德》，在2025乐季演出《众神的黄昏》。这次最新的“指环”系列由ENO与美国纽约大都会歌剧院合作委约制作完成。大都会和ENO实际上早已建立起长期的合作伙伴关系，其他共同参与制作的歌剧项目也包括了约翰·亚当斯（John Adams）的《原子医生》 （"Doctor Atomic"），《克林霍夫之死》（“The Death of Klinghoffer”）和《尼克松在中國》 （“Nixon in China”），贝尔格的《露露》（“Lulu”），比才的《珍珠渔民》（Les Pêcheursde Perles），菲利普·格拉斯的“ Akhnaten”和“ Satyagraha”等。
　　皇家艺术学院（Royal Academy of Art）：大卫·霍克尼：春至的诺曼底David Hockney： The Arrival of Spring， Normandy
　　2020年伦敦的都市生活几乎销声匿迹，虽然几次短暂的解封也曾让人有机会获得再次进入公共空间的机会，但防疫规则对人与人之间距离的要求以及繁琐的关于口罩与消毒状况的规定也使得任何都市情境中活动都难以像疫前那样自由通畅了，英国艺术家大卫·霍克尼就在疫情期间选择了离开都市，去自己居住的诺曼底乡间作画。新展将在5月23日开幕，共包括了116副艺术家最新在ipad上创作的作品，作品也会以版画的形式呈现。

　　设计美术馆 （Design Museum）：球鞋开箱：从工作室到街头Sneaker Unboxed： Studio to Street
　　近年来在Virgil Abloh等潮流品牌设计师的推动下，街头服饰文化开始破圈并跨足于其他的文化领域，横跨精品时尚领域和大众消费视野。复兴的Hip -Hop、电声音乐文化和社交媒体的推广，以及在迈克尔·乔丹、坎爷、法瑞尔·威廉姆斯等文化偶像的推动下，也让球鞋成为相关文化喜爱者的一种身份认同方式。球鞋文化的兴盛以及在各类其他文化圈的扩散，也使得球鞋本身的设计所承载的美学和科技价值受到更多人的关注。球鞋文化也被赋予了更深层次的社会群体意义。球鞋文化的经济价值甚至被如 StockX或“毒”这样的转售平台塑造成了一种金融理财产品，其价值会随着市场走向而起伏，并经常通过Travis Scott这样的当红巨星炒作之后成为天价的收藏品，完全跳脱出其原本的为运动设计的初衷，其文化符号价值已经远远超越运动功能性本身。伦敦设计美术馆将在今年5月17号开幕的新展“Sneaker Unboxed： Studio to Street”（球鞋开箱：从设计室到街头） 将会展示如Converse Chuck Taylor All Star，Puma Disc，Nike Alpha fly Next%， Reebok Instapump Fury， Vans Half Cab， Asics Gel Lyte III 等经典鞋型的科技创新和设计理念，也会看到在如MIT Design Lab和Biorealize为Puma设计的全世界首款生物技术球鞋等实验性设计。