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中国画是个与西方绘画区别甚大的绘画体系，中国画是那种“释”、“道”、“儒”相统一的文人画，更是中国文化的一部分。很长一段时间，关于中国画的讨论一直没有间断，有人认为“中国画已不适合时代潮流”，而应抛弃传统笔墨和诗书题款形式，将其“送进博物馆”；也有人指出中国画要想有所发展，可只保留其意境要求或白当黑的布局特色，甚至只剩宣纸水墨的材料，再嫁接西方现代绘画的造型、色彩、构图等绘画元素。现实中的中国画画展何尝不是如此，去掉那些像油画、像版画、像水彩、像水粉、像素描的，真正的中国画已所剩无几。更不用说，即使那十分之一像中国画的，也仅仅是外表“像”而已，十之八九已没有了中国画的神韵。
中国画是具有悠久历史和优良传统的中国民族绘画。纵观中国历代名家的经典之作，无论是人物、山水，抑或是花鸟走兽，我们无不为他们笔墨精到、气韵生动、意境深远的作品所陶醉、感动和倾倒。笔者认为，以上列举观点与现状的长期存在必将影响中国画的健康生存，危及其前途。中国畫切不可成为西洋画的附庸。
一、中国绘画是线条体系，“以线造型”，西洋绘画是光影组合
需要指出的是中国画的线条，并不是塑造形体为满足，线条还得有骨力，古代叫“骨法用笔”，作品的成功与否是“线条”气运是否生动。线条不只是对事物的具体描绘，而成为一种有独立审美意义的抽象性艺术语言，并由此包含了更多的情感和文化含义。画家画出的线条就如音乐家随手奏出的一排排音符。从而使观众的眼睛沉浸在美妙的美景中。甚至在中国画中线条画能成一个独立的画种，那就是白描。
二、中国画带有文人的特点，不同于西画的视觉或表现历史事件的样式
1、诗是中国画的神。
希腊诗人西蒙尼德说：“诗是有声的画，画是无声的“诗”。在诗画合作上，中国人处理得最好。许多作品往往是诗心与画心的结合，诗与画的意境、情调和审美趣味上几乎一致。如在浩荡的水边画一小舟，配诗“野渡无人舟自横”，这样寥寥数笔，就把行在异乡那种空旷、寂寞、疲备之心情表现出来，使看画之人能迅速得到一种共鸣，不仅是视觉上的观赏，更是心境更高层次的它乡遇故人的感觉。到这一步，书画作品不单是纯技术产品，而是精神产品了。有些作品，诗还是必不可缺少的部分，如李青莲《静夜思》诗：“举头望明月，低头思故乡”有何可画？很显然，由于“思故乡”属于一种内心感受，所以是“很难画出”的。而诗却可以直接描述这种感受，读者在欣赏中通过联想仿佛自己就是诗人，与诗人一起共同感受欢乐与痛苦，豪迈和奔放。很快使画面的意境表达出来，由此构成了整个作品的情趣和意境，单凭绘画却无法做到这一点，毕竟它对心中感受还不能直接描绘。即使你画了一个人站在窗口低头或抬头，也很难将其中的情趣和意境表达出来。
2、中国画离不开中国书法艺术。
书法艺术渗入中国画以后，中国画的线条吸取了书法艺术的营养，全面提升了中国画的表现手法。中国画发展到唐朝之后就离不开笔法了，而强调画树、画石都要求用写字法一样，追求“笔笔有力，不可草率”。吴昌硕早年练习书法，三十多岁才开始拜任佰年为师学绘画，任要求吴昌硕画一幅画。吴昌硕说：“我还没学过，不会画”。任说：“你随便画几笔看看”。于是，吴昌硕随手画了几笔，任佰年看他落笔厚重挺拔，不同凡响，不禁说：“你将来一定会成名。”这是因为吴昌硕的书法底子很深，运笔流转自然，将书法用笔融进了绘画，因而他学起绘画，将达到事半功倍的效果。
三、自南宋受禅宗思想影响，中国画大多寄托作者对人生的感悟和追求
如画人物画《陶渊明采菊图》这不单纯是一幅人物画，而是作者对陶渊明那种藐视权贵，回归田园，远离尘嚣，悠悠自得的心态的肯定，表现陶渊明这个人物时也寄托作者自己的情思。
四、中国画的用色。中国画的用色
从来不是对自然的纯客观的模拟，而是由主观设定并赋予客体的象征性色彩，超越西画写实的局限，甚至有些作品完全摒弃了自然色彩的多样性，而抽象为单纯的“黑白”。色彩语言的抽象简化，反而能给人想象的广阔天地。
总之，西洋视觉艺术源于它们作为一种作用于人的视觉的物质这么一个最本质的存在，它们被要求主要满足或刺激人的视觉。而中国文化博大精深，让中国画走视觉道路，则抛弃了中国画最主要的精神。所以中国画是不能西化的，特别是不能全盘视觉化的。特别需要指出的是，中国早已过了男耕女织的农业文明社会，现在是一个国门大开，万舫争流的时代。中国文化在历史上也有几次大的融合期，如五代的“释”的传入，近代海派艺术风格的形成等等，都使中国文化有了一个巨大的发展。二十世纪八十年代以来的中国现代美术思潮就是借他山之石来重建中国艺术精神。这就告诉我们中国画要想发展，我们还需不断学习、借鉴与吸收。但利用西方现代审美观念，来选择、调整中国画还须谨慎。因为中国画本身就经过几千年的融合，已成一体。如果现在人们拿不出一整套，摆脱西方权势话语的观念和价值体系，我们就会自觉不自觉地接受西方审美意识的指向来进行思维和操作，导致了自我的虚无，从而完全成为西方画的附庸。对于中国画今后的发展倾向，每一位艺术工作者应充分热爱中国画这一国粹，积极发挥自己的聪明才智，通过中国画独特的抒情方式和超群的艺术魅力，展示中华民族美丽、善良、智慧的形象，让世界更好地了解东方这一个伟大而神圣的民族！
【作者单位：射阳县洋马小学 江苏】
中国画是具有悠久历史和优良传统的中国民族绘画。纵观中国历代名家的经典之作，无论是人物、山水，抑或是花鸟走兽，我们无不为他们笔墨精到、气韵生动、意境深远的作品所陶醉、感动和倾倒。笔者认为，以上列举观点与现状的长期存在必将影响中国画的健康生存，危及其前途。中国畫切不可成为西洋画的附庸。
一、中国绘画是线条体系，“以线造型”，西洋绘画是光影组合
需要指出的是中国画的线条，并不是塑造形体为满足，线条还得有骨力，古代叫“骨法用笔”，作品的成功与否是“线条”气运是否生动。线条不只是对事物的具体描绘，而成为一种有独立审美意义的抽象性艺术语言，并由此包含了更多的情感和文化含义。画家画出的线条就如音乐家随手奏出的一排排音符。从而使观众的眼睛沉浸在美妙的美景中。甚至在中国画中线条画能成一个独立的画种，那就是白描。
二、中国画带有文人的特点，不同于西画的视觉或表现历史事件的样式
1、诗是中国画的神。
希腊诗人西蒙尼德说：“诗是有声的画，画是无声的“诗”。在诗画合作上，中国人处理得最好。许多作品往往是诗心与画心的结合，诗与画的意境、情调和审美趣味上几乎一致。如在浩荡的水边画一小舟，配诗“野渡无人舟自横”，这样寥寥数笔，就把行在异乡那种空旷、寂寞、疲备之心情表现出来，使看画之人能迅速得到一种共鸣，不仅是视觉上的观赏，更是心境更高层次的它乡遇故人的感觉。到这一步，书画作品不单是纯技术产品，而是精神产品了。有些作品，诗还是必不可缺少的部分，如李青莲《静夜思》诗：“举头望明月，低头思故乡”有何可画？很显然，由于“思故乡”属于一种内心感受，所以是“很难画出”的。而诗却可以直接描述这种感受，读者在欣赏中通过联想仿佛自己就是诗人，与诗人一起共同感受欢乐与痛苦，豪迈和奔放。很快使画面的意境表达出来，由此构成了整个作品的情趣和意境，单凭绘画却无法做到这一点，毕竟它对心中感受还不能直接描绘。即使你画了一个人站在窗口低头或抬头，也很难将其中的情趣和意境表达出来。
2、中国画离不开中国书法艺术。
书法艺术渗入中国画以后，中国画的线条吸取了书法艺术的营养，全面提升了中国画的表现手法。中国画发展到唐朝之后就离不开笔法了，而强调画树、画石都要求用写字法一样，追求“笔笔有力，不可草率”。吴昌硕早年练习书法，三十多岁才开始拜任佰年为师学绘画，任要求吴昌硕画一幅画。吴昌硕说：“我还没学过，不会画”。任说：“你随便画几笔看看”。于是，吴昌硕随手画了几笔，任佰年看他落笔厚重挺拔，不同凡响，不禁说：“你将来一定会成名。”这是因为吴昌硕的书法底子很深，运笔流转自然，将书法用笔融进了绘画，因而他学起绘画，将达到事半功倍的效果。
三、自南宋受禅宗思想影响，中国画大多寄托作者对人生的感悟和追求
如画人物画《陶渊明采菊图》这不单纯是一幅人物画，而是作者对陶渊明那种藐视权贵，回归田园，远离尘嚣，悠悠自得的心态的肯定，表现陶渊明这个人物时也寄托作者自己的情思。
四、中国画的用色。中国画的用色
从来不是对自然的纯客观的模拟，而是由主观设定并赋予客体的象征性色彩，超越西画写实的局限，甚至有些作品完全摒弃了自然色彩的多样性，而抽象为单纯的“黑白”。色彩语言的抽象简化，反而能给人想象的广阔天地。
总之，西洋视觉艺术源于它们作为一种作用于人的视觉的物质这么一个最本质的存在，它们被要求主要满足或刺激人的视觉。而中国文化博大精深，让中国画走视觉道路，则抛弃了中国画最主要的精神。所以中国画是不能西化的，特别是不能全盘视觉化的。特别需要指出的是，中国早已过了男耕女织的农业文明社会，现在是一个国门大开，万舫争流的时代。中国文化在历史上也有几次大的融合期，如五代的“释”的传入，近代海派艺术风格的形成等等，都使中国文化有了一个巨大的发展。二十世纪八十年代以来的中国现代美术思潮就是借他山之石来重建中国艺术精神。这就告诉我们中国画要想发展，我们还需不断学习、借鉴与吸收。但利用西方现代审美观念，来选择、调整中国画还须谨慎。因为中国画本身就经过几千年的融合，已成一体。如果现在人们拿不出一整套，摆脱西方权势话语的观念和价值体系，我们就会自觉不自觉地接受西方审美意识的指向来进行思维和操作，导致了自我的虚无，从而完全成为西方画的附庸。对于中国画今后的发展倾向，每一位艺术工作者应充分热爱中国画这一国粹，积极发挥自己的聪明才智，通过中国画独特的抒情方式和超群的艺术魅力，展示中华民族美丽、善良、智慧的形象，让世界更好地了解东方这一个伟大而神圣的民族！
【作者单位：射阳县洋马小学 江苏】