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1989年，章光和从纽约PRATT艺术学院学成回台湾，1994年就以“没有相机”的观念来创作另类的摄影作品。当时的数字摄影还在启蒙阶段，章光和用计算机数字扫描仪来创作，并提出了“暗房终结者”的观念，预言未来个人计算机的功能将会很强大、很普及，而计算机图像处理的技术会很普遍，数字影像将会主宰未来的摄影。章光和认为使用传统底片的摄影技术必将势微，暗房技术必将无用，而手工的摄影“灵光”也即将消失。如今，十几年过去了，章光和的预言得到了证实，当时反对他的人如今也都改用数字摄影技术创作了。
记者：《植物志二》系列是您最近的力作，当初是如何想到拍这个系列的？
章光和：其实这个系列做得很早，差不多有17年了，当时我刚从纽约回来，就想到用电脑创作影像。那时候苹果电脑刚刚问世，于是我利用身边的一些物品，借助电脑科技等手段创造影像。至于为何选择植物作为素材，则是因为当时我的家在台大里，平日经常去花园里散步，看到不少植物，就捡了不少回家，在电脑前摆弄一番，即兴配出一个感觉，然后再去一点点延伸和发展。
记者：这个系列被称为《植物志二》，和之前的《植物志一》相比，有什么区别？
章光和：《植物志一》做得比较早，从1994年开始。当时刚刚有Photoshop1.0，因此我在《植物志一》中的图像中，加入了不同颜色的背景，用Photoshop进行了后期的加工，模拟光线效果，使画面看起来像是在工作室中拍摄的；而从《植物志二》开始，我更注重描写植物的造型，应该说《植物志二》是我17年来的一个反省，也是我近年来最投入的一个创作。作品使用了更高阶的影像技术，企图找回摄影的“灵光”。这一系列的东西就像是摄影刚刚发明时的作品，每次显影一张玻璃版照片都是一个新的作品，每一次创作都充满手工的趣味与挑战，仿佛摄影的灵光就隐藏在那里，所以本杰明才会说只有摄影刚发明的前数十年，摄影才有灵光。
记者：除了颜色、背景上的变化，《植物志一》和《植物志二》的视觉感觉也完全不同，这又是如何考虑的呢？
章光和：《植物志二》中的视觉空间不同于一般的单点透视，黑色幽暗的背景让人有一种密闭的窒息感，增添了一些西洋古典人物画的艺术气息，简单的背景衬托出特写的主体，而不同植物混搭组合更产生出变异的植物。相较于《植物志一》时期所使用的扫描仪，我使用了更为先进的计算机扫描技术，更高分辨率的扫描仪让我发现了一些以前不曾观察到的细节，使得物种的肌理细节精密地呈现在观者眼前，似乎是打开了认识植物的另一道门。
记者：我发现虽然名字叫做“植物志”，但是作品中却鲜有花朵的出现，这是刻意而为之的吗？
章光和：在这一系列中，我刻意避开美丽的花朵，而选择了植物的根茎和果实，是因为我觉得漂亮的花太普通、太常见了，不足以展现艺术的特殊性。我更想表现的是日常生活里路边墙角被忽视的植物，将它呈现为苏珊·桑塔格所说的“一种英雄式的观看”，让人看了之后会惊叹作者的眼力。我所拍摄的所有植物都是我在世新大学与台湾大学校园找到的，先查访这些植物的名称，然后才进行的扫描创作。创作这一系列的过程，让我体会到平凡植物先天优美的本质。
记者：这些画面的拍摄没有通过照相机，而全部用扫描仪制作完成，能否介绍一下具体的操作过程？
章光和：这些画面的前期拍摄全部由扫描仪完成，扫描仪有很多种类型和尺寸，但只有高分辨率的扫描仪才可以完成全过程。由于扫描仪的分辨率很高，因此扫描非常耗时，扫描一个长度在20公分左右的植物差不多需要1个小时的时间，如果植物短一些的话，扫描就会快一些。这些植物被我分为几组，有单独的，有两三个在一起的，如果是几个东西放在一起扫描，需要的时间就会更久。
记者：在扫描以前会对这些植物进行清洗和加工么？
章光和：不会，我觉得太完美的话反而不真实，在我眼中“残枝败柳”更有感觉，我在创作过程中甚至忠实地呈现出那些被认为难以控制的瑕疵，例如灰尘、脏点、指印、刮伤等等。因为我力求进行影像的探索，所以全部选用了黑色的背景，创造出古典油画的感觉，更精致地将植物的表相、纹理质感显现出来。我觉得不经过加工的植物也很美，只不过和唯美有一定的区别罢了。
记者：我看到部分画面是虚实相结合的，这是因为植物本身形状的缘故吗？
章光和：是的，在一般人看来，通过扫描仪扫描的东西是平面的，但其实它的中间有5-10公分的景深和高度，所以把植物放进去扫描，就会有一些立体感和空间感。当然，我也会在后期通过软件对光影进行一定的加工和调整。
记者：有没有统计过一共拍过多少种植物？会不会出现制作出来没有想象中好的情况？
章光和：我一共拍过100多种植物，但由于他们的颜色、形状、质感不同，不是每种植物拍出来的效果都很好，因此制作出来的照片也只有100多张。遇到效果不好的时候，我会进行一些A+B+C式的拼凑，把他们重新组合成新的样式，也可能对他们单独进行简单的修剪或者加工处理，或者干脆直接放弃制作。
记者：除了进行植物之间的排列组合，是否有进行影像和影像之间的拼凑？
章光和：目前还没有，只是就材质做一个简单的调整。
记者：除了《植物志》系列，早期的《博物馆》系列也是您的重要代表作，是您对影像的创新尝试，能简单谈谈它的创作想法吗？
章光和：《博物馆》系列是对时间观念的挑战，是我的毕业摄影展。我一直觉得摄影和时间有着密不可分的关系，它记录时间，令时间存在。但是时间在照片上存在是片面的，它只是某时某刻的记录切片，那个片段既遥远又真实，既模糊又难以否认，时间就那么莫名其妙地被框在照片里。我的作品是向另一种时间挑战、向摄影的本质挑战、向摄影的存在挑战。人们不太注意眼前的东西，以为摄影可以替代一切、制造一切，摄影就像是自然的替身一般，备受人们信服，但其实摄影在本质上是有弱点的。为了令观众正视此点，我的觀念性作品故意不将摄影作品完全定影，如此随着时间的变化，作品会越来越昏暗。
我认为作品有如人的生命一般，会随着时光而消失。人是不会珍惜自己的生命的，除非是生命即将消失时。因此，人也是不会去正视摄影的本质问题，如果只有存在而没有消失，又有谁会去买一件几年后即将消逝的作品呢？因此，一件作品的存在是一个观念，而不是这件作品本身。百年相纸的观念是一个有趣的迷思，大家都希望记录的影像可以长传久远，可以在时间与空间上源远流长，让记忆永不磨灭。但是，复印件本身所记录的影像事实与回忆有相当大的差距。本质上，摄影是创造了另一个真实，而不是复制了事实。摄影的记录是否贴近个人的记忆？是否需要百年不坏？都是值得质疑与颠覆的。经过时间的洗练而褪色的照片有一种时光久远的回忆感，是不是更加有一种贴切感呢？
博物馆系列作品的创作方式最戏剧性的变化是在冲印的那一段时间里。我把显影与定影的药水当颜料，用海绵当彩笔在相纸上渲染洗涤，并在显现影像的短暂时刻中即兴地涂涂改改。因此同一张底片每一次冲印的结果都不一样。如此冲印方法使得画面常出现如抽象表现主义的笔触与泼点，或是水墨的渲染效果，增加了摄影的戏剧性与绘画性。其实不管是《博物馆》系列也好，还是《植物志》也好，在我的作品中皆留下了很多可以与时空之外的观众对谈的空间，作品中充满了太多的偶然，是和其环境里做各式各样的接触与变化。因此，作品上可以常见的有针孔(钉在墙上观看)，颜料、胶带的贴痕，笔的记录，甚至是自动的继续曝光变黑，我希望观众可以自然地在他们的时空与之对话，例如：论判我的观念与做法、或是任其销毁。
记者：你认为科技带给影像的变化是什么呢？
章光和：其实不光是摄影，我们的生活已经日渐数字化，网络影像图片、版面美术设计、杂志与报纸的出版，这些领域都已经必须要以数码材料、数码工作流程来完成。在此同时，家庭照与一些生活纪念的影像也渐渐地因数码相机的崛起而产生了改变。可以说，数码化的摄影已经是现代生活中工作与消费不可或缺的需求。而摄影，可以说是现代艺术创作最为热门的媒介，很多艺术家的创作直接采用摄影甚至是数码影像技术，但也脱离了原来传统摄影的局限与操作价值体系，新一代的摄影艺术从创作到意义的诠释，都已经完全和传统摄影大相径庭了。我认为数码化之后的摄影显然表现出另一种更为超越现实的可能，摄影变得更为非人性、更为艺术性了。
章光和简历
纽约Pratt艺术学院、私立纽约大学艺术硕士，世新大学图文传播暨数字出版学系系主任兼所长，台湾艺术大学图文传播艺术系兼任副教授 。
展览：
1989年，纽约，Washington Square East Gallery。
1992年，韩国，汉城市立美术馆 韩国摄影的水平展。
1993年，日本，福井县第五届双年展。
1994年，香港，两岸三地“内地、港、台、当代摄影”联展。
1994年，台北，阿普艺廊“真假摄影”联展。
1995年，日本，“冲绳国际摄影研讨会”联展。
2000年，台北，2000台北国际摄影节(从传统摄影到数字影像)展出。
2004年，台北，台湾国际视觉艺术中心“数字人体美学”个展。
著作：
《暗房终结者》（电脑影像专书）、《Painter 3 BIBLE》（电脑绘图专书）、《Live Picture 光速合成》（电脑影像专书）、《绘画终结者 Painter 4.0》（电脑绘图专书）、《虚拟天堂 Bryce 3D》（电脑影像专书）、《数字人体造像 Virtual Nude Photography》（电脑影像专书）、《复制真实：后现代摄影创作构思系统论述与实践》（摄影理论专书）、《住在巴特、桑塔格、本雅明的照片里》（摄影旅游）、《摄影不是艺术》（摄影理论专书）。
记者：《植物志二》系列是您最近的力作，当初是如何想到拍这个系列的？
章光和：其实这个系列做得很早，差不多有17年了，当时我刚从纽约回来，就想到用电脑创作影像。那时候苹果电脑刚刚问世，于是我利用身边的一些物品，借助电脑科技等手段创造影像。至于为何选择植物作为素材，则是因为当时我的家在台大里，平日经常去花园里散步，看到不少植物，就捡了不少回家，在电脑前摆弄一番，即兴配出一个感觉，然后再去一点点延伸和发展。
记者：这个系列被称为《植物志二》，和之前的《植物志一》相比，有什么区别？
章光和：《植物志一》做得比较早，从1994年开始。当时刚刚有Photoshop1.0，因此我在《植物志一》中的图像中，加入了不同颜色的背景，用Photoshop进行了后期的加工，模拟光线效果，使画面看起来像是在工作室中拍摄的；而从《植物志二》开始，我更注重描写植物的造型，应该说《植物志二》是我17年来的一个反省，也是我近年来最投入的一个创作。作品使用了更高阶的影像技术，企图找回摄影的“灵光”。这一系列的东西就像是摄影刚刚发明时的作品，每次显影一张玻璃版照片都是一个新的作品，每一次创作都充满手工的趣味与挑战，仿佛摄影的灵光就隐藏在那里，所以本杰明才会说只有摄影刚发明的前数十年，摄影才有灵光。
记者：除了颜色、背景上的变化，《植物志一》和《植物志二》的视觉感觉也完全不同，这又是如何考虑的呢？
章光和：《植物志二》中的视觉空间不同于一般的单点透视，黑色幽暗的背景让人有一种密闭的窒息感，增添了一些西洋古典人物画的艺术气息，简单的背景衬托出特写的主体，而不同植物混搭组合更产生出变异的植物。相较于《植物志一》时期所使用的扫描仪，我使用了更为先进的计算机扫描技术，更高分辨率的扫描仪让我发现了一些以前不曾观察到的细节，使得物种的肌理细节精密地呈现在观者眼前，似乎是打开了认识植物的另一道门。
记者：我发现虽然名字叫做“植物志”，但是作品中却鲜有花朵的出现，这是刻意而为之的吗？
章光和：在这一系列中，我刻意避开美丽的花朵，而选择了植物的根茎和果实，是因为我觉得漂亮的花太普通、太常见了，不足以展现艺术的特殊性。我更想表现的是日常生活里路边墙角被忽视的植物，将它呈现为苏珊·桑塔格所说的“一种英雄式的观看”，让人看了之后会惊叹作者的眼力。我所拍摄的所有植物都是我在世新大学与台湾大学校园找到的，先查访这些植物的名称，然后才进行的扫描创作。创作这一系列的过程，让我体会到平凡植物先天优美的本质。
记者：这些画面的拍摄没有通过照相机，而全部用扫描仪制作完成，能否介绍一下具体的操作过程？
章光和：这些画面的前期拍摄全部由扫描仪完成，扫描仪有很多种类型和尺寸，但只有高分辨率的扫描仪才可以完成全过程。由于扫描仪的分辨率很高，因此扫描非常耗时，扫描一个长度在20公分左右的植物差不多需要1个小时的时间，如果植物短一些的话，扫描就会快一些。这些植物被我分为几组，有单独的，有两三个在一起的，如果是几个东西放在一起扫描，需要的时间就会更久。
记者：在扫描以前会对这些植物进行清洗和加工么？
章光和：不会，我觉得太完美的话反而不真实，在我眼中“残枝败柳”更有感觉，我在创作过程中甚至忠实地呈现出那些被认为难以控制的瑕疵，例如灰尘、脏点、指印、刮伤等等。因为我力求进行影像的探索，所以全部选用了黑色的背景，创造出古典油画的感觉，更精致地将植物的表相、纹理质感显现出来。我觉得不经过加工的植物也很美，只不过和唯美有一定的区别罢了。
记者：我看到部分画面是虚实相结合的，这是因为植物本身形状的缘故吗？
章光和：是的，在一般人看来，通过扫描仪扫描的东西是平面的，但其实它的中间有5-10公分的景深和高度，所以把植物放进去扫描，就会有一些立体感和空间感。当然，我也会在后期通过软件对光影进行一定的加工和调整。
记者：有没有统计过一共拍过多少种植物？会不会出现制作出来没有想象中好的情况？
章光和：我一共拍过100多种植物，但由于他们的颜色、形状、质感不同，不是每种植物拍出来的效果都很好，因此制作出来的照片也只有100多张。遇到效果不好的时候，我会进行一些A+B+C式的拼凑，把他们重新组合成新的样式，也可能对他们单独进行简单的修剪或者加工处理，或者干脆直接放弃制作。
记者：除了进行植物之间的排列组合，是否有进行影像和影像之间的拼凑？
章光和：目前还没有，只是就材质做一个简单的调整。
记者：除了《植物志》系列，早期的《博物馆》系列也是您的重要代表作，是您对影像的创新尝试，能简单谈谈它的创作想法吗？
章光和：《博物馆》系列是对时间观念的挑战，是我的毕业摄影展。我一直觉得摄影和时间有着密不可分的关系，它记录时间，令时间存在。但是时间在照片上存在是片面的，它只是某时某刻的记录切片，那个片段既遥远又真实，既模糊又难以否认，时间就那么莫名其妙地被框在照片里。我的作品是向另一种时间挑战、向摄影的本质挑战、向摄影的存在挑战。人们不太注意眼前的东西，以为摄影可以替代一切、制造一切，摄影就像是自然的替身一般，备受人们信服，但其实摄影在本质上是有弱点的。为了令观众正视此点，我的觀念性作品故意不将摄影作品完全定影，如此随着时间的变化，作品会越来越昏暗。
我认为作品有如人的生命一般，会随着时光而消失。人是不会珍惜自己的生命的，除非是生命即将消失时。因此，人也是不会去正视摄影的本质问题，如果只有存在而没有消失，又有谁会去买一件几年后即将消逝的作品呢？因此，一件作品的存在是一个观念，而不是这件作品本身。百年相纸的观念是一个有趣的迷思，大家都希望记录的影像可以长传久远，可以在时间与空间上源远流长，让记忆永不磨灭。但是，复印件本身所记录的影像事实与回忆有相当大的差距。本质上，摄影是创造了另一个真实，而不是复制了事实。摄影的记录是否贴近个人的记忆？是否需要百年不坏？都是值得质疑与颠覆的。经过时间的洗练而褪色的照片有一种时光久远的回忆感，是不是更加有一种贴切感呢？
博物馆系列作品的创作方式最戏剧性的变化是在冲印的那一段时间里。我把显影与定影的药水当颜料，用海绵当彩笔在相纸上渲染洗涤，并在显现影像的短暂时刻中即兴地涂涂改改。因此同一张底片每一次冲印的结果都不一样。如此冲印方法使得画面常出现如抽象表现主义的笔触与泼点，或是水墨的渲染效果，增加了摄影的戏剧性与绘画性。其实不管是《博物馆》系列也好，还是《植物志》也好，在我的作品中皆留下了很多可以与时空之外的观众对谈的空间，作品中充满了太多的偶然，是和其环境里做各式各样的接触与变化。因此，作品上可以常见的有针孔(钉在墙上观看)，颜料、胶带的贴痕，笔的记录，甚至是自动的继续曝光变黑，我希望观众可以自然地在他们的时空与之对话，例如：论判我的观念与做法、或是任其销毁。
记者：你认为科技带给影像的变化是什么呢？
章光和：其实不光是摄影，我们的生活已经日渐数字化，网络影像图片、版面美术设计、杂志与报纸的出版，这些领域都已经必须要以数码材料、数码工作流程来完成。在此同时，家庭照与一些生活纪念的影像也渐渐地因数码相机的崛起而产生了改变。可以说，数码化的摄影已经是现代生活中工作与消费不可或缺的需求。而摄影，可以说是现代艺术创作最为热门的媒介，很多艺术家的创作直接采用摄影甚至是数码影像技术，但也脱离了原来传统摄影的局限与操作价值体系，新一代的摄影艺术从创作到意义的诠释，都已经完全和传统摄影大相径庭了。我认为数码化之后的摄影显然表现出另一种更为超越现实的可能，摄影变得更为非人性、更为艺术性了。
章光和简历
纽约Pratt艺术学院、私立纽约大学艺术硕士，世新大学图文传播暨数字出版学系系主任兼所长，台湾艺术大学图文传播艺术系兼任副教授 。
展览：
1989年，纽约，Washington Square East Gallery。
1992年，韩国，汉城市立美术馆 韩国摄影的水平展。
1993年，日本，福井县第五届双年展。
1994年，香港，两岸三地“内地、港、台、当代摄影”联展。
1994年，台北，阿普艺廊“真假摄影”联展。
1995年，日本，“冲绳国际摄影研讨会”联展。
2000年，台北，2000台北国际摄影节(从传统摄影到数字影像)展出。
2004年，台北，台湾国际视觉艺术中心“数字人体美学”个展。
著作：
《暗房终结者》（电脑影像专书）、《Painter 3 BIBLE》（电脑绘图专书）、《Live Picture 光速合成》（电脑影像专书）、《绘画终结者 Painter 4.0》（电脑绘图专书）、《虚拟天堂 Bryce 3D》（电脑影像专书）、《数字人体造像 Virtual Nude Photography》（电脑影像专书）、《复制真实：后现代摄影创作构思系统论述与实践》（摄影理论专书）、《住在巴特、桑塔格、本雅明的照片里》（摄影旅游）、《摄影不是艺术》（摄影理论专书）。