论文部分内容阅读
摘 要：一花一世界，一草木一秋，世间万物皆有性情。自古文人画就以花草、鸟虫作为绘画题材，经过一代又一代的传承发扬，现在的中国画不仅仅是画家个人表现大美景色、抒发性情，它还体现了中华民族整体的思想观念、审美理想、精神气质、人文品格。笔者主要运用中国传统花鸟画的创作技法——“没骨法”进行花鸟画创作，从自身的实践创作中体会中国传统花鸟画的绘画形式美，探究“没骨法”绘画语言的特征，更有利于自己在中国画创作上的进一步发展。
关键词：花鸟画 心性 “没骨法”
艺术创作贵在有生命力，在进行绘画创作时要做到能收能放，能工能写。收，是为了做足功夫;放，是为了养气性。收放之间，在规矩内锤炼、磨砺自己，要做到胸有成竹，笔墨有方，章法有序，情韵有致，并于收放中摸索出独具个性的艺术创作语言。艺术来源于生活，又高于生活。在进行中国传统花鸟画创作过程中，一般都是画家寓情于物，通过对自然生物的描绘来抒发自己的情感，往往这些作品都会反映了当时的时代特色、体现当代精神，又间接地反映了社会生活。
一、 创作来源
万物皆有其存在的意义，物有其物性，人则有心性。绘画创作不仅来源于生活、取之生活，更主要的是源于心性。大家常说，人如其画，我们往往可以通过读画而知会画家的本心。以心会意，一方面是画家本人在自己的主观意识下，借助笔墨把自己本心所感悟到的自然道理和人生哲理表达出来，强调绘画创作是画家心性的表达，创作来源于画家的本心;另一方面则是指看画的人用心去感受画家的创作本意，读画的过程似乎是与画家一起进行创作的过程，从而寻知画家创作的心源，以己之心会其意。
中国传统花鸟画有着“写意”、“工笔”、“兼工带写”三种画法，笔者选择“兼工带写”的绘画方式，在写生的过程中深入体会生活、感悟生活，将心中所感所想寄托在每一花朵、每一鸟虫之上，把握客观对象的内在气质与生命规律，通过笔墨语言将之展现出来。在笔者的创作中以“没骨法”为主要绘画技法，从中体会学习没骨小写意花鸟的传统绘画技法。一幅作品的完成不仅需要成熟的绘画技法，还要有艺术思想的支撑。画家将本心灌溉到画作中去，画作才有了“画魂”，有了精气神。当然，要想达到谢赫所提倡的“气韵生动”，还需加以画家自身的文化知识修养和笔墨用法的熟练积累，并注入源于内心深处的哲思与情感，但也不仅仅是长期实践经验的积累就可以做到的，还要依靠心性的感悟和慧敏。
在中国传统花鸟画的学习过程中，笔者在研习传统的基础上，试图通过自身的绘画创作加强对传统花鸟画的学习体验，一方面锻炼自己的创作能力，提高传统花鸟画的绘画技法;另一方面是通过绘画来表达自己的心性。笔者主要以紫藤、牡丹花、凌霄花、牵牛花、山茶花和海棠花为主要绘画对象，通过景物观察、对景写生及多遍的小稿绘制，最终以花卉和鸟虫的合理搭配完成六幅“兼工带写”的小品画。
二、画面的构图营造
“经营位置”是中国传统画的一个重要步骤，一幅好的作品必须是在一个好的构图的前提下进行创作的。在进行创作前可以通过对景写生，在写生过程中观察大树的枝干走向、叶子的交叠交错、花朵的花瓣形状等，以及绘画对象的位置摆放。在对照实物描绘的同时，可以根据画面的需要进行景物取舍，把实景中有利于画面表现的对象留下来，在进行构图时可以在照顾整体局势的前提下进行缩减变化。一幅完整的花鸟画需要绘画对象的主宾分明，要突出主体物，且其他的绘画对象的位置要围绕主体物来处理。笔墨的虚實、浓淡、疏密的变化也影响画面的位置经营。
画面的构图营造还少不了点、线、面这三种关系的变化，由点到线，再由线到面，面面俱到，画面才会变得完整。画面中线的位置安排也是非常重要的，写意花鸟画中的线，忌两线平行、忌多线“米”字交叉、忌“井”字交叉。画面中既要有主线、辅线，也要有破线，线的长短、粗细都因绘画对象的不同而不一。小品花鸟画中的线几乎没有过长的，长线主要是用于枝干的描绘，线条的长短粗细依花木的品种有所不同。
三、画面中的细节塑造
画面的细节由画家细微的心意慢慢堆砌而成，小细节不仅可以展现画家的绘画功底，彰显画面的独特之处，又能让读画的人体会画家的心意。大写意花鸟画，笔墨洒脱，画风野逸又不失细节，而小写意花鸟画，笔墨内敛不失生机，画风清新、淡雅，细节形象中也充满意象。细节可以是一花一虫的塑造，也可指笔墨语言的述写，一笔一划皆可决定画面的整体效果。笔者于创作过程中认为画面的细节主要是“没骨法”的运用和工笔鸟虫的塑造，用心深入体会两者的“要领”，最后的题款钦印也可看作“点睛之笔”。
1.“没骨法”的运用
沈括曾在《梦溪笔谈》中对徐熙的花卉描述到：“不用墨笔，直接以彩色图之，谓‘没骨画’。”谈及发起于南朝时期的“没骨画”，就会想到清初画家恽寿平，他的没骨花鸟画，设色淡雅，笔法俊逸，花的姿态婀娜，花与花之间似乎相伴起舞，是没骨花鸟画的绝佳典范。没骨花鸟画是直接用颜色将物象绘制出来，褪去了墨色的笔迹，以形写神，神韵自在笔中，是写意花鸟画最常用的一种绘画方式。“兼工带写”的“没骨”花鸟画既包含了小写意的恣意洒脱，又有着工笔花鸟画的精细雅致，画面的细节塑造是其中最为关键的。
“没骨法”起先是“墨骨”，始于五代徐熙，立于北宋徐崇嗣，从此中国花鸟画有了“没骨”设色的画法，即直接用色彩描绘花朵、叶子等，与当时的勾勒染色有很大不同，使得平涂染色的对象变得立体起来，是中国传统花鸟画中重要的绘画技法。清代的恽寿平是没骨花鸟画派的“代言人”，恽寿平的没骨花鸟，画面清秀隽逸，设色淡雅，用笔清逸却有骨法。笔者的花鸟画创作学习“没骨法”的绘画技法，主要运用在进行花瓣和树叶的塑造上。以笔蘸墨，直接用色彩进行绘制，如画紫藤花的时候， “没骨”笔法绘制出的线条流畅而不轻浮，圆浑厚重，将紫藤枝蔓蜿蜒曲折、相互交错的变化较好地表现出来。紫藤的用色变化也是通过“没骨法”才能表现出来，笔尖蘸胭脂后调和花青，让色彩在笔毛之间充分自由互染，将紫藤花的摇曳身姿生动形象的描绘出来。 再比如《春满色》里红肥绿瘦，山茶花的花瓣以没骨淡胭脂写出，以浓朱点缀花蕊，花蕊周围的叶子用浓郁的绿色，同样以“没骨法”染色绘制，显得叶子更加饱满厚重，营造出一种花色轻淡、花瓣莹薄的感觉。山茶花的枝干则用淡墨以没骨画法苍劲有力地写出，画中浓淡、虚实、枯润、点面等对比，共同营造出自由逸气、文雅闲情之势。而花芯、叶茎最好是用勾线笔染墨或着色直接勾勒出，要求线短而精致，笔触干净而富有内涵。
2.“兼工带写”的鸟虫画法
“兼工带写”的花鸟画，画面中既包含了俊逸的写意花鸟，也有清秀工整的工笔画，在一幅画面上融入了两种花鸟的绘画方法。五代是花鸟画的鼎盛时期，“黄荃富贵，徐熙野逸”就很好地诠释了五代时期花鸟画的工笔、写意的画法，两者相互影响，到后来创新出“兼工带写”的画法，“兼工带写”的画法在工笔和写意两种画法之间起到了中合的作用。
在这次的小品花鸟画实践中，笔者多选择花朵、树叶、枝干以写意的方式，部分鸟虫则选用小工笔进行绘制，两种绘画方式相协调、统一于同一画面中。不管是写意画还是工笔画，对用笔的要求都是一致的，即“骨法用笔”，工笔画的用笔讲究起承关系的衔接，其用笔的过程与书法无不一致。而“没骨法”的用笔主要在颜色，笔锋的运转都是为了花瓣、树叶的“形”，用笔的干湿、浓淡对用笔有了更大的要求，用笔既要柔润有度又能不失骨力。
笔者的小品花鸟画中的鸟虫均采用工笔的画法。比如撕毛小鸟的绘制，先用勾线笔或小楷笔着淡墨，笔要稍干些，从鸟的头部、翅膀、腹部等按鸟的姿势和形状绘制成型，然后依次用稍浓的墨进行反复描绘，以达到羽毛是一层一层覆盖在鸟身上的毛绒感，鸟的头部、翅膀和尾巴要以浓墨着重加深。通过不断地实践练习，笔者发现工笔画需要极大的细心和耐心，就如一只撕毛小鸟的绘制要通过几次的笔墨反复叠加，绘制出的线条不仅细练还要有力，富有层次感，近于真实小鸟的羽毛质感。最重要的是工笔画的创作离不开写生，恽南田也在《南田画跋》中提到写生之于花鸟画创作的重要性：“写生之技，即以古人为师，犹未能臻至妙，必因而师移造化，庶几极妍尽态而为大雅之宗。”只师古人，缺乏对现实花鸟的观察，是尽不到花鸟极致的。通过写生明察万物，知晓鸟虫的生活习性，在作画时抓住其中的小细节，接近于真实，追求相似、近似，最终作品能够达到以假乱真的境界为绝。
3.题款钦印
绘画自唐宋就有“诗、书、画三绝”之说。后来到了元代，文人画家有把“治印”加入其中，并称为“四全”，主张绘画要做到“诗、书、画、印”四位一体。写字、刻印须讲求本真，不能做作，金石之气不能少，尽实之力不嫌多。题款钦印在画面构图中起到了调节、补充的作用，同时也能做到点拨主题、突出主题的作用。题款时的字体最好依据绘画尺寸大小、画面内容、绘画风格进行选择，要与画面内容呼应，选择印章时也是同理。而笔者绘制的小品花鸟画，笔墨含蓄又不失力度，画面清逸，所以选择以小楷题款，用较小的印章捺印，这样不仅使画面更加完整，補充物象与情感之间的关系，更好地体会绘画主题。
四、创作体会
创作的过程就是“心”与“意”相结合的过程。中国的传统文化讲究的是充满“人性”的文化，“一花一世界，一木一浮生，人生一世，草木一秋”，人生万物，皆有生命，皆有性情。在文人画中，“人”是第一位的，任何创作都是由人的“看见”到“心见”，由心而发、有感而发，然后寓情于画，情景交融，最后作出一幅幅充满“人性”的作品。“仁者见仁，智者见智”，中国花鸟画的创作离不开画家的笔墨修养、文化修养和人格修养。在绘画创作中，随着画家的用笔技法的水平的日益提高，笔墨运用日益熟练，所绘作品体现出来的艺术品格的地位也肯定在提升。
创作的过程也是回归本心、学习传统的过程，以“现代之心”会“传统之意”的过程。一幅画的完成就像建筑一样，根基要垫好，构图要想好，然后用笔、造型、设色一步一步把建筑搭建成型。对传统的学习，不仅仅需要大量的临摹练习，更重要的是要学会在传统中求新，推陈出新又不失传统，在不断学习和探索的过程中逐渐找到适合自己的绘画形式。中国传统文化极其重视人的修养，尤其是品德的修养，要想做到修养好、人品高，需要做到勤于读书、多见多闻、开怀胸襟、苦于练习，杨象宪老师曾说过“实实在在做人，轻轻松松作画”，看似简单的一句，做起来则需要持之以恒的信念，和坚持不懈的绘画精神。
参考文献：
[1]安良发.写意花鸟画教程[M].合肥：安徽美术出版社，1992.
[2]孙景波.国画花鸟技法画例[M].黑龙江：黑龙江美术出版社，1998.
[3]刘保申.写意花鸟画技法100问[M].西安：陕西人民美术出版社，1993.
[4]恽寿平，朱季海，施力华.南田画跋[M].上海：上海人民美术出版社，1987.
[5]金纳.花鸟画技法[M].云南：西南师范大学出版社，2000.
[6]沈光伟.中国花鸟画教学[M].辽宁：辽宁美术出版社，2001.
[7]陈半丁.现代著名画家——陈半丁[J]. 吉林：吉林广播电视大学学报，2014.
关键词：花鸟画 心性 “没骨法”
艺术创作贵在有生命力，在进行绘画创作时要做到能收能放，能工能写。收，是为了做足功夫;放，是为了养气性。收放之间，在规矩内锤炼、磨砺自己，要做到胸有成竹，笔墨有方，章法有序，情韵有致，并于收放中摸索出独具个性的艺术创作语言。艺术来源于生活，又高于生活。在进行中国传统花鸟画创作过程中，一般都是画家寓情于物，通过对自然生物的描绘来抒发自己的情感，往往这些作品都会反映了当时的时代特色、体现当代精神，又间接地反映了社会生活。
一、 创作来源
万物皆有其存在的意义，物有其物性，人则有心性。绘画创作不仅来源于生活、取之生活，更主要的是源于心性。大家常说，人如其画，我们往往可以通过读画而知会画家的本心。以心会意，一方面是画家本人在自己的主观意识下，借助笔墨把自己本心所感悟到的自然道理和人生哲理表达出来，强调绘画创作是画家心性的表达，创作来源于画家的本心;另一方面则是指看画的人用心去感受画家的创作本意，读画的过程似乎是与画家一起进行创作的过程，从而寻知画家创作的心源，以己之心会其意。
中国传统花鸟画有着“写意”、“工笔”、“兼工带写”三种画法，笔者选择“兼工带写”的绘画方式，在写生的过程中深入体会生活、感悟生活，将心中所感所想寄托在每一花朵、每一鸟虫之上，把握客观对象的内在气质与生命规律，通过笔墨语言将之展现出来。在笔者的创作中以“没骨法”为主要绘画技法，从中体会学习没骨小写意花鸟的传统绘画技法。一幅作品的完成不仅需要成熟的绘画技法，还要有艺术思想的支撑。画家将本心灌溉到画作中去，画作才有了“画魂”，有了精气神。当然，要想达到谢赫所提倡的“气韵生动”，还需加以画家自身的文化知识修养和笔墨用法的熟练积累，并注入源于内心深处的哲思与情感，但也不仅仅是长期实践经验的积累就可以做到的，还要依靠心性的感悟和慧敏。
在中国传统花鸟画的学习过程中，笔者在研习传统的基础上，试图通过自身的绘画创作加强对传统花鸟画的学习体验，一方面锻炼自己的创作能力，提高传统花鸟画的绘画技法;另一方面是通过绘画来表达自己的心性。笔者主要以紫藤、牡丹花、凌霄花、牵牛花、山茶花和海棠花为主要绘画对象，通过景物观察、对景写生及多遍的小稿绘制，最终以花卉和鸟虫的合理搭配完成六幅“兼工带写”的小品画。
二、画面的构图营造
“经营位置”是中国传统画的一个重要步骤，一幅好的作品必须是在一个好的构图的前提下进行创作的。在进行创作前可以通过对景写生，在写生过程中观察大树的枝干走向、叶子的交叠交错、花朵的花瓣形状等，以及绘画对象的位置摆放。在对照实物描绘的同时，可以根据画面的需要进行景物取舍，把实景中有利于画面表现的对象留下来，在进行构图时可以在照顾整体局势的前提下进行缩减变化。一幅完整的花鸟画需要绘画对象的主宾分明，要突出主体物，且其他的绘画对象的位置要围绕主体物来处理。笔墨的虚實、浓淡、疏密的变化也影响画面的位置经营。
画面的构图营造还少不了点、线、面这三种关系的变化，由点到线，再由线到面，面面俱到，画面才会变得完整。画面中线的位置安排也是非常重要的，写意花鸟画中的线，忌两线平行、忌多线“米”字交叉、忌“井”字交叉。画面中既要有主线、辅线，也要有破线，线的长短、粗细都因绘画对象的不同而不一。小品花鸟画中的线几乎没有过长的，长线主要是用于枝干的描绘，线条的长短粗细依花木的品种有所不同。
三、画面中的细节塑造
画面的细节由画家细微的心意慢慢堆砌而成，小细节不仅可以展现画家的绘画功底，彰显画面的独特之处，又能让读画的人体会画家的心意。大写意花鸟画，笔墨洒脱，画风野逸又不失细节，而小写意花鸟画，笔墨内敛不失生机，画风清新、淡雅，细节形象中也充满意象。细节可以是一花一虫的塑造，也可指笔墨语言的述写，一笔一划皆可决定画面的整体效果。笔者于创作过程中认为画面的细节主要是“没骨法”的运用和工笔鸟虫的塑造，用心深入体会两者的“要领”，最后的题款钦印也可看作“点睛之笔”。
1.“没骨法”的运用
沈括曾在《梦溪笔谈》中对徐熙的花卉描述到：“不用墨笔，直接以彩色图之，谓‘没骨画’。”谈及发起于南朝时期的“没骨画”，就会想到清初画家恽寿平，他的没骨花鸟画，设色淡雅，笔法俊逸，花的姿态婀娜，花与花之间似乎相伴起舞，是没骨花鸟画的绝佳典范。没骨花鸟画是直接用颜色将物象绘制出来，褪去了墨色的笔迹，以形写神，神韵自在笔中，是写意花鸟画最常用的一种绘画方式。“兼工带写”的“没骨”花鸟画既包含了小写意的恣意洒脱，又有着工笔花鸟画的精细雅致，画面的细节塑造是其中最为关键的。
“没骨法”起先是“墨骨”，始于五代徐熙，立于北宋徐崇嗣，从此中国花鸟画有了“没骨”设色的画法，即直接用色彩描绘花朵、叶子等，与当时的勾勒染色有很大不同，使得平涂染色的对象变得立体起来，是中国传统花鸟画中重要的绘画技法。清代的恽寿平是没骨花鸟画派的“代言人”，恽寿平的没骨花鸟，画面清秀隽逸，设色淡雅，用笔清逸却有骨法。笔者的花鸟画创作学习“没骨法”的绘画技法，主要运用在进行花瓣和树叶的塑造上。以笔蘸墨，直接用色彩进行绘制，如画紫藤花的时候， “没骨”笔法绘制出的线条流畅而不轻浮，圆浑厚重，将紫藤枝蔓蜿蜒曲折、相互交错的变化较好地表现出来。紫藤的用色变化也是通过“没骨法”才能表现出来，笔尖蘸胭脂后调和花青，让色彩在笔毛之间充分自由互染，将紫藤花的摇曳身姿生动形象的描绘出来。 再比如《春满色》里红肥绿瘦，山茶花的花瓣以没骨淡胭脂写出，以浓朱点缀花蕊，花蕊周围的叶子用浓郁的绿色，同样以“没骨法”染色绘制，显得叶子更加饱满厚重，营造出一种花色轻淡、花瓣莹薄的感觉。山茶花的枝干则用淡墨以没骨画法苍劲有力地写出，画中浓淡、虚实、枯润、点面等对比，共同营造出自由逸气、文雅闲情之势。而花芯、叶茎最好是用勾线笔染墨或着色直接勾勒出，要求线短而精致，笔触干净而富有内涵。
2.“兼工带写”的鸟虫画法
“兼工带写”的花鸟画，画面中既包含了俊逸的写意花鸟，也有清秀工整的工笔画，在一幅画面上融入了两种花鸟的绘画方法。五代是花鸟画的鼎盛时期，“黄荃富贵，徐熙野逸”就很好地诠释了五代时期花鸟画的工笔、写意的画法，两者相互影响，到后来创新出“兼工带写”的画法，“兼工带写”的画法在工笔和写意两种画法之间起到了中合的作用。
在这次的小品花鸟画实践中，笔者多选择花朵、树叶、枝干以写意的方式，部分鸟虫则选用小工笔进行绘制，两种绘画方式相协调、统一于同一画面中。不管是写意画还是工笔画，对用笔的要求都是一致的，即“骨法用笔”，工笔画的用笔讲究起承关系的衔接，其用笔的过程与书法无不一致。而“没骨法”的用笔主要在颜色，笔锋的运转都是为了花瓣、树叶的“形”，用笔的干湿、浓淡对用笔有了更大的要求，用笔既要柔润有度又能不失骨力。
笔者的小品花鸟画中的鸟虫均采用工笔的画法。比如撕毛小鸟的绘制，先用勾线笔或小楷笔着淡墨，笔要稍干些，从鸟的头部、翅膀、腹部等按鸟的姿势和形状绘制成型，然后依次用稍浓的墨进行反复描绘，以达到羽毛是一层一层覆盖在鸟身上的毛绒感，鸟的头部、翅膀和尾巴要以浓墨着重加深。通过不断地实践练习，笔者发现工笔画需要极大的细心和耐心，就如一只撕毛小鸟的绘制要通过几次的笔墨反复叠加，绘制出的线条不仅细练还要有力，富有层次感，近于真实小鸟的羽毛质感。最重要的是工笔画的创作离不开写生，恽南田也在《南田画跋》中提到写生之于花鸟画创作的重要性：“写生之技，即以古人为师，犹未能臻至妙，必因而师移造化，庶几极妍尽态而为大雅之宗。”只师古人，缺乏对现实花鸟的观察，是尽不到花鸟极致的。通过写生明察万物，知晓鸟虫的生活习性，在作画时抓住其中的小细节，接近于真实，追求相似、近似，最终作品能够达到以假乱真的境界为绝。
3.题款钦印
绘画自唐宋就有“诗、书、画三绝”之说。后来到了元代，文人画家有把“治印”加入其中，并称为“四全”，主张绘画要做到“诗、书、画、印”四位一体。写字、刻印须讲求本真，不能做作，金石之气不能少，尽实之力不嫌多。题款钦印在画面构图中起到了调节、补充的作用，同时也能做到点拨主题、突出主题的作用。题款时的字体最好依据绘画尺寸大小、画面内容、绘画风格进行选择，要与画面内容呼应，选择印章时也是同理。而笔者绘制的小品花鸟画，笔墨含蓄又不失力度，画面清逸，所以选择以小楷题款，用较小的印章捺印，这样不仅使画面更加完整，補充物象与情感之间的关系，更好地体会绘画主题。
四、创作体会
创作的过程就是“心”与“意”相结合的过程。中国的传统文化讲究的是充满“人性”的文化，“一花一世界，一木一浮生，人生一世，草木一秋”，人生万物，皆有生命，皆有性情。在文人画中，“人”是第一位的，任何创作都是由人的“看见”到“心见”，由心而发、有感而发，然后寓情于画，情景交融，最后作出一幅幅充满“人性”的作品。“仁者见仁，智者见智”，中国花鸟画的创作离不开画家的笔墨修养、文化修养和人格修养。在绘画创作中，随着画家的用笔技法的水平的日益提高，笔墨运用日益熟练，所绘作品体现出来的艺术品格的地位也肯定在提升。
创作的过程也是回归本心、学习传统的过程，以“现代之心”会“传统之意”的过程。一幅画的完成就像建筑一样，根基要垫好，构图要想好，然后用笔、造型、设色一步一步把建筑搭建成型。对传统的学习，不仅仅需要大量的临摹练习，更重要的是要学会在传统中求新，推陈出新又不失传统，在不断学习和探索的过程中逐渐找到适合自己的绘画形式。中国传统文化极其重视人的修养，尤其是品德的修养，要想做到修养好、人品高，需要做到勤于读书、多见多闻、开怀胸襟、苦于练习，杨象宪老师曾说过“实实在在做人，轻轻松松作画”，看似简单的一句，做起来则需要持之以恒的信念，和坚持不懈的绘画精神。
参考文献：
[1]安良发.写意花鸟画教程[M].合肥：安徽美术出版社，1992.
[2]孙景波.国画花鸟技法画例[M].黑龙江：黑龙江美术出版社，1998.
[3]刘保申.写意花鸟画技法100问[M].西安：陕西人民美术出版社，1993.
[4]恽寿平，朱季海，施力华.南田画跋[M].上海：上海人民美术出版社，1987.
[5]金纳.花鸟画技法[M].云南：西南师范大学出版社，2000.
[6]沈光伟.中国花鸟画教学[M].辽宁：辽宁美术出版社，2001.
[7]陈半丁.现代著名画家——陈半丁[J]. 吉林：吉林广播电视大学学报，2014.