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从黄土地到
美术馆钟楼
李磊1965年出生在上海,出生不久就随父母到了甘肃一个叫海石湾的地方。海石湾地处兰州和西宁两大城市中间,相传那里曾是大海,海水退去独留岩石,故名海石湾。在他儿时的记忆中,海石湾的黄土是别样的,没有高坡和土堆,只有随风而起的粉状散泥。风一吹,每个毛孔都与黄土来了个拥抱,李磊说那时的自己是“带着土味的人”,也正是这种土味让他多了江南族群中较为少见的一份豪爽。
1978年,13岁的李磊回到了上海,寄居在姑妈家。由于“文革”时爷爷和姑妈的房子先后被充了公,仅剩下姑妈家的一套,所以全家人都挤在里面。初到上海的他借读在长沙中学,那是一所街道学校,与上海美术馆的钟楼遥遥相对。如今学校已不复存在,但那旧楼上的小阁层和着嘎吱作响的木地板却承载着他最初的记忆。
爱因斯坦说:“对于一切来讲,只有热爱才是最好的老师,它远远超过责任感。”但凡成功者,对他所涉及的领域一定有异于常人的喜爱和热情,李磊也不例外。
他自幼喜爱绘画,在六七岁时就将纸板剪成圆状描摹连环画。十几岁随父母到了青海民和县,因颇有天赋被选送到县城的文化馆里参加学习班,之后间或到上海,母亲就带着他四处拜师。但正式拜师学习还是在他13岁回到上海后。
李磊的第一位老师叫周竹湘,是位儒雅的老先生,曾师从徐悲鸿。他经常让自己的学生写生,李磊还记得他的第一堂课就是在静安公园里画树。“那时有的年纪已经很大了,我是小孩子,大家就一起去公园的角落里写生,或分开画风景,或围在一起画人物速写。”这种训练至今让他受益匪浅。而现在的人们学画基本选用照片和石膏像,不再去实地描物,这让李磊颇感遗憾。
时间很快到了70年代末,一些人出国,一些人考大学,李磊也在周竹湘老师的介绍下读了艺术夜校。当时夜校有许多,勤奋的他不仅挨个去读,还一有空就跑去看展,临摹他喜欢的作品。不久后,他以第二名的成绩考入了华山美术职业学校,学习装潢设计,是美院的第一届学生。三年的学习让李磊遇见了不少好老师,大家宜师宜友,惺惺相惜。
天下无不散的宴席,很快李磊就面临毕业后工作还是继续读书的选择,最终他迫于生活压力选择了工作,但这丝毫没有挡住他寻梦的脚步。那段日子,他白天上班,晚上去华美夜大学读美术,周末则相邀朋友听讲座、看展览,生活充实而有味。
他在上海美术设计公司工作了八年,之后到了文化局,2002年落户油雕院,但仅三年便扎根在了上海美术馆,直到去年上海中华艺术宫开馆,李磊又有了新家。
从太阳鸟到云水间
李磊的创作起于版画,他早期的作品《我,扮演太阳鸟》、《太阳鸟》、《地狱变》都属于丝网版画。画面中黑与白的视觉碰撞,将“纠结”与“抗争”衬托得淋漓尽致。油画作为最重要和常见的绘画方式,李磊接触颇早,但开始形成系列还是在90年代。那时,“85 新潮美术”的春风沐浴艺坛,原有的艺术格局受到极大冲击,艺术家们重新思考如何以新的方式重建与现实的关系。1992年邓小平南巡,启动了经济的改革,这也使中国当代油画的创作活了起来。
李磊从《太阳鸟》到《我爱小小鸟》,再到《月亮蛇》,不仅媒介发生了变化,同样的题材也由“不伦不类”变得浪漫温情。那时他的作品或符号明显或充满想象,欢愉之情跃然纸上。
2000年是一个转折,他开始从寻找个体生命特质的形式走向更为抽象的表达。画面上具象的描述逐渐消失,取而代之的是富有感情内涵的抽象形式,但这种变化不是一蹴而就,而是摸索与契合的过程。李磊最初的抽象画有着明显的“水墨”精神,黑与白的戏谑由版画转到了墨色与留白,这个圈犹如太极,可黑可白,可好可坏。《禅花》系列的诞生似乎可以看作李磊的破圈而出,他随意的涂抹加以十字架和线条,将禅味的“少即是多”演绎得淋漓尽致。
之后的《忆江南》、《海上花》,语言形式越来越明确,意象也越发固定,“鸟”、“花”、“水”是艺术家所偏爱的,它们随着画面结构、色彩、用笔的变化而变化,有时能看出具体形状,有时只剩线条和色块的组合。同是“花”,《海上花》的“花”则比“禅花”的花来得繁华喧闹,李磊用色大胆,笔触更为恣意,将原本靓丽的形象甩得老远,用心造出了“反规律”的他的花花世界。
水这个意象很有意思,古有“仁者乐山,智者乐水”之说,亦有“水到渠成”、“水滴石穿”之喻,水的灵性与它的韧劲一样值得玩味。李磊的“水”与“花”有着密切联系,从《忆江南》到《醉湖》,花中有水,水中藏花。其自然流淌的肌理,或直或弯的线条,大小不一的墨点,无处不彰显着水这个符号的存在。
艺术家2000年以后的作品在各方面的表达都更为大胆和直接。但无论怎么变化,每个时期的作品总归对应着他那一阶段的思考和生命体验。
本次“心与识-李磊的抽象艺术”个展呈现了李磊完成于2012年以“云水间”系列、“风满云头花满天”等作品为主轴的10幅新作与12件粉彩纸上素描作品,也同时回顾性地精选了10幅李磊创作于2006至2011年间的代表作品如“水调歌头”、“乱花飞”、“吉祥九重天”等,具体而微地展现了他这几年来汲汲专注经营的抽象艺术创作成果。
抽象艺术发展到现在已近百年,此概念源自西方,回望西方的抽象大师们,从神秘莫测的康定斯基到童心未泯的米罗、克利,再到理性与感性并存的蒙德里安,他们占据了不同的“坑位”,并将各自的特色发挥到了极致,所谓极致就是美。再看中国的抽象艺术,本是先天所长,却实在后天不足。八大山人寥寥数笔,简略精练,石涛枯湿相宜,奇肆超逸,传统绘画的“欲言又止”和“玄之又玄”没有给当代抽象艺术提供润土,反倒成了禁锢,这是个有趣的问题。
如此尴尬情境之下,中国“抽象艺术”概念下的艺术创作直到近二三十年才有。其不甚纯粹而又丰富多彩的面貌很快引发人们的关注。李磊的创作有其自己的格调,从大量的留白、枯笔、疏密有致的中国式虚实关系到概念模糊的线条、色彩狂欢,他的变化可看作是由小异入大同的升华。如前所述,艺术家没有与大多数人一样陷入中国传统绘画的“某个圈套”,而是加以借鉴后果断跳出,以中国文化的哲学思考和更大气的表达方式,抒写内心。 在李磊看来,抽象艺术,甚至艺术根本没有东西方之分,就像好的艺术家不论男女。艺术与灵魂相通,直指人类,何论其他?当人们站在一幅画前,有人看图案,有人赏技巧,也有人发呆,但吸引人驻足的首先是作品本身,而不是那些标签。
从“心”到画
身为中国美术家协会理事、中华艺术宫执行馆长,李磊坦言,自己的创作与身上所肩负的工作并无关联,绘画工作室永远是他精神上的香格里拉,他说他的作品只关乎:写心。
“有怎样的‘心’就有怎样的画。‘心’即‘识’,是综合了各种知识和感受的潜意识和显意识。‘心’和画之间是同构的,‘心’是画的本源,画是‘心’的物质化呈现。画把‘心’储存起来,等待着有天被观者读取。”李磊如此阐述了他的创作心念。
谢赫在《画品》中讲到,“六法者何?一气韵生动是也,二骨法用笔是也,三应物象形是也,四随类赋彩是也,五经营位置是也,六传移模写是也。”谢赫六法作为中国古代重要的美学原则,将“气韵生动”居于首位不无道理。
“气韵生动”,即流动的气息,只要可以使气息流动,什么材料和工具都可以用来表达,水墨也好,油画也罢。但如何“流动”,又怎么“生动”呢?这就是它被排在第一背后的原因,只两字,写心。只有由心而出,由感而发的作品才可能“气韵生动”,也唯有“气韵生动”,才有意义再论技法如何。
李磊深谙此道,他说他的作品虽带有宗教思想,也有人生回想,但最初的冲动还是自己的感觉和生命体验。画画本身没有意义的,画面背后的东西在传达给人们什么?
李磊一直笑称自己没有进过正规的美术院校,但与之交谈后发现尽管如此,他却有着极好的美术修养。他说自己的绘画讲究诗意,“诗有诗眼,绘画也有眼。绘画的眼在哪里?一幅画中很可能几个很小的色点和线条就是作品的眼。因为这几个小小的色点和线条的提示和串连,这张画就有生气了。如果把这几个点和线遮掉,这是一张什么画?就是一张普通的写生而已。这个生气就是诗意。”
作为一个有态度的艺术家,李磊说:“一个真正的艺术家不只是一家,他可能是思想家、音乐家或者诗人。总之他有自己的想法、感受和态度,并通过适当的方法将这些表达出来。画家,是掌握了绘画技巧后的一种表达。”
与此相对的另一种功力是善于从其他的艺术样式中汲取营养,无论诗歌、文学、音乐还是民间文化,李磊正是这样一位杂家:从未停下追寻,总在纷繁的世间寻得契合的东西让自己进行更新的思考。
美术馆钟楼
李磊1965年出生在上海,出生不久就随父母到了甘肃一个叫海石湾的地方。海石湾地处兰州和西宁两大城市中间,相传那里曾是大海,海水退去独留岩石,故名海石湾。在他儿时的记忆中,海石湾的黄土是别样的,没有高坡和土堆,只有随风而起的粉状散泥。风一吹,每个毛孔都与黄土来了个拥抱,李磊说那时的自己是“带着土味的人”,也正是这种土味让他多了江南族群中较为少见的一份豪爽。
1978年,13岁的李磊回到了上海,寄居在姑妈家。由于“文革”时爷爷和姑妈的房子先后被充了公,仅剩下姑妈家的一套,所以全家人都挤在里面。初到上海的他借读在长沙中学,那是一所街道学校,与上海美术馆的钟楼遥遥相对。如今学校已不复存在,但那旧楼上的小阁层和着嘎吱作响的木地板却承载着他最初的记忆。
爱因斯坦说:“对于一切来讲,只有热爱才是最好的老师,它远远超过责任感。”但凡成功者,对他所涉及的领域一定有异于常人的喜爱和热情,李磊也不例外。
他自幼喜爱绘画,在六七岁时就将纸板剪成圆状描摹连环画。十几岁随父母到了青海民和县,因颇有天赋被选送到县城的文化馆里参加学习班,之后间或到上海,母亲就带着他四处拜师。但正式拜师学习还是在他13岁回到上海后。
李磊的第一位老师叫周竹湘,是位儒雅的老先生,曾师从徐悲鸿。他经常让自己的学生写生,李磊还记得他的第一堂课就是在静安公园里画树。“那时有的年纪已经很大了,我是小孩子,大家就一起去公园的角落里写生,或分开画风景,或围在一起画人物速写。”这种训练至今让他受益匪浅。而现在的人们学画基本选用照片和石膏像,不再去实地描物,这让李磊颇感遗憾。
时间很快到了70年代末,一些人出国,一些人考大学,李磊也在周竹湘老师的介绍下读了艺术夜校。当时夜校有许多,勤奋的他不仅挨个去读,还一有空就跑去看展,临摹他喜欢的作品。不久后,他以第二名的成绩考入了华山美术职业学校,学习装潢设计,是美院的第一届学生。三年的学习让李磊遇见了不少好老师,大家宜师宜友,惺惺相惜。
天下无不散的宴席,很快李磊就面临毕业后工作还是继续读书的选择,最终他迫于生活压力选择了工作,但这丝毫没有挡住他寻梦的脚步。那段日子,他白天上班,晚上去华美夜大学读美术,周末则相邀朋友听讲座、看展览,生活充实而有味。
他在上海美术设计公司工作了八年,之后到了文化局,2002年落户油雕院,但仅三年便扎根在了上海美术馆,直到去年上海中华艺术宫开馆,李磊又有了新家。
从太阳鸟到云水间
李磊的创作起于版画,他早期的作品《我,扮演太阳鸟》、《太阳鸟》、《地狱变》都属于丝网版画。画面中黑与白的视觉碰撞,将“纠结”与“抗争”衬托得淋漓尽致。油画作为最重要和常见的绘画方式,李磊接触颇早,但开始形成系列还是在90年代。那时,“85 新潮美术”的春风沐浴艺坛,原有的艺术格局受到极大冲击,艺术家们重新思考如何以新的方式重建与现实的关系。1992年邓小平南巡,启动了经济的改革,这也使中国当代油画的创作活了起来。
李磊从《太阳鸟》到《我爱小小鸟》,再到《月亮蛇》,不仅媒介发生了变化,同样的题材也由“不伦不类”变得浪漫温情。那时他的作品或符号明显或充满想象,欢愉之情跃然纸上。
2000年是一个转折,他开始从寻找个体生命特质的形式走向更为抽象的表达。画面上具象的描述逐渐消失,取而代之的是富有感情内涵的抽象形式,但这种变化不是一蹴而就,而是摸索与契合的过程。李磊最初的抽象画有着明显的“水墨”精神,黑与白的戏谑由版画转到了墨色与留白,这个圈犹如太极,可黑可白,可好可坏。《禅花》系列的诞生似乎可以看作李磊的破圈而出,他随意的涂抹加以十字架和线条,将禅味的“少即是多”演绎得淋漓尽致。
之后的《忆江南》、《海上花》,语言形式越来越明确,意象也越发固定,“鸟”、“花”、“水”是艺术家所偏爱的,它们随着画面结构、色彩、用笔的变化而变化,有时能看出具体形状,有时只剩线条和色块的组合。同是“花”,《海上花》的“花”则比“禅花”的花来得繁华喧闹,李磊用色大胆,笔触更为恣意,将原本靓丽的形象甩得老远,用心造出了“反规律”的他的花花世界。
水这个意象很有意思,古有“仁者乐山,智者乐水”之说,亦有“水到渠成”、“水滴石穿”之喻,水的灵性与它的韧劲一样值得玩味。李磊的“水”与“花”有着密切联系,从《忆江南》到《醉湖》,花中有水,水中藏花。其自然流淌的肌理,或直或弯的线条,大小不一的墨点,无处不彰显着水这个符号的存在。
艺术家2000年以后的作品在各方面的表达都更为大胆和直接。但无论怎么变化,每个时期的作品总归对应着他那一阶段的思考和生命体验。
本次“心与识-李磊的抽象艺术”个展呈现了李磊完成于2012年以“云水间”系列、“风满云头花满天”等作品为主轴的10幅新作与12件粉彩纸上素描作品,也同时回顾性地精选了10幅李磊创作于2006至2011年间的代表作品如“水调歌头”、“乱花飞”、“吉祥九重天”等,具体而微地展现了他这几年来汲汲专注经营的抽象艺术创作成果。
抽象艺术发展到现在已近百年,此概念源自西方,回望西方的抽象大师们,从神秘莫测的康定斯基到童心未泯的米罗、克利,再到理性与感性并存的蒙德里安,他们占据了不同的“坑位”,并将各自的特色发挥到了极致,所谓极致就是美。再看中国的抽象艺术,本是先天所长,却实在后天不足。八大山人寥寥数笔,简略精练,石涛枯湿相宜,奇肆超逸,传统绘画的“欲言又止”和“玄之又玄”没有给当代抽象艺术提供润土,反倒成了禁锢,这是个有趣的问题。
如此尴尬情境之下,中国“抽象艺术”概念下的艺术创作直到近二三十年才有。其不甚纯粹而又丰富多彩的面貌很快引发人们的关注。李磊的创作有其自己的格调,从大量的留白、枯笔、疏密有致的中国式虚实关系到概念模糊的线条、色彩狂欢,他的变化可看作是由小异入大同的升华。如前所述,艺术家没有与大多数人一样陷入中国传统绘画的“某个圈套”,而是加以借鉴后果断跳出,以中国文化的哲学思考和更大气的表达方式,抒写内心。 在李磊看来,抽象艺术,甚至艺术根本没有东西方之分,就像好的艺术家不论男女。艺术与灵魂相通,直指人类,何论其他?当人们站在一幅画前,有人看图案,有人赏技巧,也有人发呆,但吸引人驻足的首先是作品本身,而不是那些标签。
从“心”到画
身为中国美术家协会理事、中华艺术宫执行馆长,李磊坦言,自己的创作与身上所肩负的工作并无关联,绘画工作室永远是他精神上的香格里拉,他说他的作品只关乎:写心。
“有怎样的‘心’就有怎样的画。‘心’即‘识’,是综合了各种知识和感受的潜意识和显意识。‘心’和画之间是同构的,‘心’是画的本源,画是‘心’的物质化呈现。画把‘心’储存起来,等待着有天被观者读取。”李磊如此阐述了他的创作心念。
谢赫在《画品》中讲到,“六法者何?一气韵生动是也,二骨法用笔是也,三应物象形是也,四随类赋彩是也,五经营位置是也,六传移模写是也。”谢赫六法作为中国古代重要的美学原则,将“气韵生动”居于首位不无道理。
“气韵生动”,即流动的气息,只要可以使气息流动,什么材料和工具都可以用来表达,水墨也好,油画也罢。但如何“流动”,又怎么“生动”呢?这就是它被排在第一背后的原因,只两字,写心。只有由心而出,由感而发的作品才可能“气韵生动”,也唯有“气韵生动”,才有意义再论技法如何。
李磊深谙此道,他说他的作品虽带有宗教思想,也有人生回想,但最初的冲动还是自己的感觉和生命体验。画画本身没有意义的,画面背后的东西在传达给人们什么?
李磊一直笑称自己没有进过正规的美术院校,但与之交谈后发现尽管如此,他却有着极好的美术修养。他说自己的绘画讲究诗意,“诗有诗眼,绘画也有眼。绘画的眼在哪里?一幅画中很可能几个很小的色点和线条就是作品的眼。因为这几个小小的色点和线条的提示和串连,这张画就有生气了。如果把这几个点和线遮掉,这是一张什么画?就是一张普通的写生而已。这个生气就是诗意。”
作为一个有态度的艺术家,李磊说:“一个真正的艺术家不只是一家,他可能是思想家、音乐家或者诗人。总之他有自己的想法、感受和态度,并通过适当的方法将这些表达出来。画家,是掌握了绘画技巧后的一种表达。”
与此相对的另一种功力是善于从其他的艺术样式中汲取营养,无论诗歌、文学、音乐还是民间文化,李磊正是这样一位杂家:从未停下追寻,总在纷繁的世间寻得契合的东西让自己进行更新的思考。