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【摘要】：《从毛泽东到莫扎特》拍摄于1979年，影片纪录了中国的改革开放之初，美国小提琴大师艾萨克·斯特恩受中国外交部邀请，携家人和他的团队在1979年来华访问交流及演出活动。他们的行程包括北京、桂林、上海，分别在中央音乐学院、上海音乐学院进行了教学指导及音乐会演出。
【关键词】：音乐纪录片；视听语言；斯特恩
影片由美国著名音乐纪录片导演艾伦·米勒制作，和许多西方人一样，艾伦米勒对1979年的中国印象是模糊的，充满了新奇、想象和疑惑，而他却试图在有限的影像资料中，展现出他所理解的中国。这部纪录片是一个典型的“西方”对“东方”的表述文本，从影片精心的材料剪辑和凸现的画面对比，可以感受到影片背后观察者的良苦用心。应该能够想象，对这一次音乐的交流活动，导演艾伦米勒除了力求真实的再现历史，对如何以新颖的主题和独特的视角来展现当时的中国社会，也颇费了一番心思。这一点说法并不为过，正像导演自己说过的，单纯录制音乐会的过程并不能达到一定的深度，而他之所以关注音乐纪录片，其动力正在于“每一部纪录片总是会有一个人性的故事在里面。”正是对这样一个主旨的把握，尽管整部电影加入了很多外景的拍摄和中国文化的展示，也非常真实的纪录了本次音乐交流活动的行程，但在“客观纪录”的同时，却总使观众感觉到摄影机背后一双探寻的目光，这双眼睛虽然在幕后，但对影片的目的指向却非常的明确，而影像资料的筛选也很好的切入了主题。
在影片中，一方面是欢迎酒会上接待人员的刻板、中国学生演奏西方音乐的拘谨、李德伦对莫扎特的定义、谭抒真的悲惨经历以及教师们在座谈会上的倾诉等等。与此形成鲜明对比的是，在艾萨克·斯特恩与音乐学院师生的音乐交流活动中，导演艾伦·米勒把摄影机的镜头一次次投向音乐会的听众，那里有热烈的掌声、热切的眼睛和充满渴望的脸。这一切使影片的内涵清晰的表达出来，与片名不谋而合：从毛主席到莫扎特，从东方到西方，从封闭到开放，从机械和僵化到自由和个性。这正是导演艾伦·米勒背后想表达的内容。据说导演当时并没有跟随艾萨克·斯特恩一行来到中国，但面对摄制组带回来的60小时的摄影资料，他异常敏锐地捕捉到了画面背后的话题，并且以西方人惯常的思维，将之合理化的解释在电影中。而影片的受众——西方观众，通过这部纪录片，同样也准确的领会了导演要表达的意图。
昨夜在网上查了些资料，惊奇的发现此片还有两部续篇：斯特恩99年来中国《20年后的相会》和拍老教授谭抒真口述史《来自上海的绅士》，其中《来自上海的绅士》对我来说是个大惊喜！九十多岁的老艺术家面带微笑的讲述自己的一生、平静述说自己文革期间饱受虐待的经历，当他最后说希望活到100岁时，我的感动也到了顶点：一个国家走到现在这一步，并不只是教科书上写的三大战役、三大改造、改革开放之类的，而是从上到下千百万人的奋斗、千百万人的牺牲、千百万人的失落，有幸福的、有不幸的、有各种各样的事情，从毛泽东到莫扎特其实中国人走得很辛苦！对《来自上海的绅士》很是惊喜，是因为它是一部有血有肉很真实的口述史，不歌功颂德也不粉饰太平，很难得、很对我味口！
说回纪录片《从毛到莫》，表面上看这部电影很大程度上是为满足79年西方人对刚改革开放的中国欲一窥为快的心理，只是它选择了看似与政治无关的话题——音乐。但从意味深长的片名中就能感受到，这片子放在那样的一个背景下怎么可能脱离得了政治，查了下资料，斯特恩可不是两耳不闻琴外事的音乐家，之前和以色列、苏联等国有从事多次“音乐外交”，他的行为正好也证明了“音乐有种普世语言的力量”。
纪录片前段几乎要让我认为是一部借音乐为名的中国风光片，农田、耕牛、江水、乌篷船，衣着简单的中国人等等，配以中国传统丝竹月，有种田园牧歌的感觉，又以一个消息闭塞的国家为对象，这种带有浓厚异国情调的纪录片加上一层神秘的政治糖衣，的确能让奧斯卡的评委眼前一亮，但纪录片只有猎奇和奇观是远远不够的，影片从李德伦和斯特恩谈论莫扎特那一幕开始就变得有意思了，李谈论莫扎特说了一大堆封建社会、资本主义什么的，皮毛式地使用了一些马克思主义观点来分析莫扎特，听得斯特恩一愣一愣，他认为莫扎特的天才和时代没关系，更与政治没关系，在《20年后的相会》里李也承认了二十年前说莫扎特不是真心的，“那个时代时时刻刻都要讲政治！”两人简单的几句谈话就使片子有了深意。
之后从桂林慢慢进入了上海部分，里面我认为全片最精彩的部分，是上海音乐学院谭抒真教授对于文革口述那一段，短短几分钟的口述就让人联想到那个年代的惨烈，片子对文革的描述我认为还算中立，无遮掩也无抹黑，不是所谓的意识形态的宣传，那一段段画面与画面、音乐与音乐之间的对比也很有意思：几个老师被迫自杀“我们因为教授西方音乐而被当成罪犯”，几个安静的观众镜头后，接入斯特恩的一段极其优美的音乐，与上一句话中描述的恐怖的时代形成了对比。
仔细的观看后发现本片在节奏上安排非常讲究，那么长的段落，可以一直打着拍子下来，音乐停了，继续打拍子，还能接上，这在剪辑上是很讲究很下功夫的。
可以说本片节奏的形成是离不开音乐拍子的，比如53分钟谭说的一段话，同时伴有音乐的剪接，“他们并没有很好地了解音乐，他们不过是机械地在演奏”，“大多数学生都好高务远，一切都要是快速，响亮，吵杂的，”从上一个一般音乐的片段，切入一个学生的演奏，音乐的声音尖锐吵杂，“他们认为他们可以演奏一些特别难的曲目就能得到一份好工作”，“大家毕业后都能找到好工作，可好工作却并不多，因为此大家都争着演奏一些难的曲目来证明自己是个好的演奏家，斯特恩则注重音乐多过于技巧”，短暂的安静后，出现斯特恩轻快富有生命力的春天般的音乐，“他强调单有出色的技巧是不够的，演奏者…………”这段对视听节奏的控制非常合理，整段画面里不同的音乐、声音、诉说都是跟着拍子在走，很是讲究！本片在剪辑和音乐完美的配合上，还有对节奏完美的控制上都是非常值得我去学习的！
影片结尾在小王健表演结束后，我特别注意了一下斯特恩的脸部表情。因为之前陈丹青在《音乐笔记》中曾提到，“美国小提琴明星艾萨克·斯特恩，七九年访华而有纪录片《从毛泽东到莫扎特》，我看了生气，他动不动就叫音乐学院的孩子停下弓弦，自作聪明地说：“要有表情。”于是花枝招展示范一番。后来，他听一位年仅十岁的男孩用大提琴以毫无表情的方式演奏巴赫，老头子不吱声了。镜头直指他那张肥脸：分明是妒嫉的表情。”哈哈，画家的观察力的确比常人强一些，导演最后一幕的确是插进了斯特恩“满是嫉妒的脸”，用这个结尾很有意思！
最后谈谈《从毛泽东到莫扎特》这个片名，有的人认为“毛泽东”代表的是中国，“莫扎特”代表的是世界，“从毛泽东到莫扎特”，暗指中国迈步走向世界；有的人认为“毛泽东”代表的是政治，“莫扎特”代表的是艺术，“从毛泽东到莫扎特”，意指“从保守到自由”或者是“从封闭到开放”。这个怎么看取决于你是“毛泽东”还是“莫扎特”？
参考文献：
[1].宋杰.《视听语言：影像与声音》 中国广播电视出版社，2001.
[2].单万里主编，《纪录电影文献》 北京，中国广播电视出版社，2001.
[3].[美]比尔·尼克尔斯.《纪录片导论（第二版）》中国电影出版社，2016.
【关键词】：音乐纪录片；视听语言；斯特恩
影片由美国著名音乐纪录片导演艾伦·米勒制作，和许多西方人一样，艾伦米勒对1979年的中国印象是模糊的，充满了新奇、想象和疑惑，而他却试图在有限的影像资料中，展现出他所理解的中国。这部纪录片是一个典型的“西方”对“东方”的表述文本，从影片精心的材料剪辑和凸现的画面对比，可以感受到影片背后观察者的良苦用心。应该能够想象，对这一次音乐的交流活动，导演艾伦米勒除了力求真实的再现历史，对如何以新颖的主题和独特的视角来展现当时的中国社会，也颇费了一番心思。这一点说法并不为过，正像导演自己说过的，单纯录制音乐会的过程并不能达到一定的深度，而他之所以关注音乐纪录片，其动力正在于“每一部纪录片总是会有一个人性的故事在里面。”正是对这样一个主旨的把握，尽管整部电影加入了很多外景的拍摄和中国文化的展示，也非常真实的纪录了本次音乐交流活动的行程，但在“客观纪录”的同时，却总使观众感觉到摄影机背后一双探寻的目光，这双眼睛虽然在幕后，但对影片的目的指向却非常的明确，而影像资料的筛选也很好的切入了主题。
在影片中，一方面是欢迎酒会上接待人员的刻板、中国学生演奏西方音乐的拘谨、李德伦对莫扎特的定义、谭抒真的悲惨经历以及教师们在座谈会上的倾诉等等。与此形成鲜明对比的是，在艾萨克·斯特恩与音乐学院师生的音乐交流活动中，导演艾伦·米勒把摄影机的镜头一次次投向音乐会的听众，那里有热烈的掌声、热切的眼睛和充满渴望的脸。这一切使影片的内涵清晰的表达出来，与片名不谋而合：从毛主席到莫扎特，从东方到西方，从封闭到开放，从机械和僵化到自由和个性。这正是导演艾伦·米勒背后想表达的内容。据说导演当时并没有跟随艾萨克·斯特恩一行来到中国，但面对摄制组带回来的60小时的摄影资料，他异常敏锐地捕捉到了画面背后的话题，并且以西方人惯常的思维，将之合理化的解释在电影中。而影片的受众——西方观众，通过这部纪录片，同样也准确的领会了导演要表达的意图。
昨夜在网上查了些资料，惊奇的发现此片还有两部续篇：斯特恩99年来中国《20年后的相会》和拍老教授谭抒真口述史《来自上海的绅士》，其中《来自上海的绅士》对我来说是个大惊喜！九十多岁的老艺术家面带微笑的讲述自己的一生、平静述说自己文革期间饱受虐待的经历，当他最后说希望活到100岁时，我的感动也到了顶点：一个国家走到现在这一步，并不只是教科书上写的三大战役、三大改造、改革开放之类的，而是从上到下千百万人的奋斗、千百万人的牺牲、千百万人的失落，有幸福的、有不幸的、有各种各样的事情，从毛泽东到莫扎特其实中国人走得很辛苦！对《来自上海的绅士》很是惊喜，是因为它是一部有血有肉很真实的口述史，不歌功颂德也不粉饰太平，很难得、很对我味口！
说回纪录片《从毛到莫》，表面上看这部电影很大程度上是为满足79年西方人对刚改革开放的中国欲一窥为快的心理，只是它选择了看似与政治无关的话题——音乐。但从意味深长的片名中就能感受到，这片子放在那样的一个背景下怎么可能脱离得了政治，查了下资料，斯特恩可不是两耳不闻琴外事的音乐家，之前和以色列、苏联等国有从事多次“音乐外交”，他的行为正好也证明了“音乐有种普世语言的力量”。
纪录片前段几乎要让我认为是一部借音乐为名的中国风光片，农田、耕牛、江水、乌篷船，衣着简单的中国人等等，配以中国传统丝竹月，有种田园牧歌的感觉，又以一个消息闭塞的国家为对象，这种带有浓厚异国情调的纪录片加上一层神秘的政治糖衣，的确能让奧斯卡的评委眼前一亮，但纪录片只有猎奇和奇观是远远不够的，影片从李德伦和斯特恩谈论莫扎特那一幕开始就变得有意思了，李谈论莫扎特说了一大堆封建社会、资本主义什么的，皮毛式地使用了一些马克思主义观点来分析莫扎特，听得斯特恩一愣一愣，他认为莫扎特的天才和时代没关系，更与政治没关系，在《20年后的相会》里李也承认了二十年前说莫扎特不是真心的，“那个时代时时刻刻都要讲政治！”两人简单的几句谈话就使片子有了深意。
之后从桂林慢慢进入了上海部分，里面我认为全片最精彩的部分，是上海音乐学院谭抒真教授对于文革口述那一段，短短几分钟的口述就让人联想到那个年代的惨烈，片子对文革的描述我认为还算中立，无遮掩也无抹黑，不是所谓的意识形态的宣传，那一段段画面与画面、音乐与音乐之间的对比也很有意思：几个老师被迫自杀“我们因为教授西方音乐而被当成罪犯”，几个安静的观众镜头后，接入斯特恩的一段极其优美的音乐，与上一句话中描述的恐怖的时代形成了对比。
仔细的观看后发现本片在节奏上安排非常讲究，那么长的段落，可以一直打着拍子下来，音乐停了，继续打拍子，还能接上，这在剪辑上是很讲究很下功夫的。
可以说本片节奏的形成是离不开音乐拍子的，比如53分钟谭说的一段话，同时伴有音乐的剪接，“他们并没有很好地了解音乐，他们不过是机械地在演奏”，“大多数学生都好高务远，一切都要是快速，响亮，吵杂的，”从上一个一般音乐的片段，切入一个学生的演奏，音乐的声音尖锐吵杂，“他们认为他们可以演奏一些特别难的曲目就能得到一份好工作”，“大家毕业后都能找到好工作，可好工作却并不多，因为此大家都争着演奏一些难的曲目来证明自己是个好的演奏家，斯特恩则注重音乐多过于技巧”，短暂的安静后，出现斯特恩轻快富有生命力的春天般的音乐，“他强调单有出色的技巧是不够的，演奏者…………”这段对视听节奏的控制非常合理，整段画面里不同的音乐、声音、诉说都是跟着拍子在走，很是讲究！本片在剪辑和音乐完美的配合上，还有对节奏完美的控制上都是非常值得我去学习的！
影片结尾在小王健表演结束后，我特别注意了一下斯特恩的脸部表情。因为之前陈丹青在《音乐笔记》中曾提到，“美国小提琴明星艾萨克·斯特恩，七九年访华而有纪录片《从毛泽东到莫扎特》，我看了生气，他动不动就叫音乐学院的孩子停下弓弦，自作聪明地说：“要有表情。”于是花枝招展示范一番。后来，他听一位年仅十岁的男孩用大提琴以毫无表情的方式演奏巴赫，老头子不吱声了。镜头直指他那张肥脸：分明是妒嫉的表情。”哈哈，画家的观察力的确比常人强一些，导演最后一幕的确是插进了斯特恩“满是嫉妒的脸”，用这个结尾很有意思！
最后谈谈《从毛泽东到莫扎特》这个片名，有的人认为“毛泽东”代表的是中国，“莫扎特”代表的是世界，“从毛泽东到莫扎特”，暗指中国迈步走向世界；有的人认为“毛泽东”代表的是政治，“莫扎特”代表的是艺术，“从毛泽东到莫扎特”，意指“从保守到自由”或者是“从封闭到开放”。这个怎么看取决于你是“毛泽东”还是“莫扎特”？
参考文献：
[1].宋杰.《视听语言：影像与声音》 中国广播电视出版社，2001.
[2].单万里主编，《纪录电影文献》 北京，中国广播电视出版社，2001.
[3].[美]比尔·尼克尔斯.《纪录片导论（第二版）》中国电影出版社，2016.