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摘 要：绘画创作的本质特征是表现“美”，这是一个复杂的过程，要经过文化素养的逐步提高和生活经验的积累，才能在创作中表达出个人的内心情感，而没有情感的作品只能沦为一块画布。千百年来，国画的创作从“他律”走向“自律”，在西方文化的浸透下，中国画的创作思想受到了冲击，走向表现主义，整体的内涵也只是流于表面，无法让人读出深层次的东西，艺术的创作变得有些浮夸。
关键词：自身修养;情感;自律;国画;传统
.
一、自身修养
在古代，擅长绘画的大多数是文人士大夫一类的人士，他们有着丰富的文化修养，是极有知识修养的大家，比如顾恺之、苏轼等。他们年少读书，随着时间的积累，知识和阅历都达到了一定的高度。当他们挥笔抒意时往往能比其他人更易将自己的情感表达出来，使观者看到后有情感上的共鸣。这些促使他们的绘画品质得到了很大的提升，作品中的艺术美学蕴含着他们的价值理想。
绘画的创作没有坚实的艺术理论修养，就无法提高创作的水平和高度，这不是一个人常年累月一直重复着机械的动作所能达到的。心中没有“理念”和“精神”，就如同一个徒有精美外表而无灵魂的人偶。熟读古人关于绘画方面的总结是国画创作前的重要一环，是我们和古人零距离交流的一种重要方式。前人的理论总结经过了历史的检验，我们从中汲取自己需要的部分，运用于自己的创作中。这些文化方面的素养决定我们能否跳脱虚伪外壳，从而提高创作境界的一个因素。生活经验的积累则帮助我们为绘画的创作提供丰富的素材，使得我们的思维活动和表现能力得到进一步提高，带来绘画创作内容上的迥异。生活素材的积累首先是从日常生活中的观察开始，在观察的同时创造能力也要紧随其后。创作者通过观察事物的各个角度，自己的脑内便对事物的内在有了一定的见解，在创作时，情感便会通过手中的笔在画面上表现出来。每个人都有自己独立的美学思想，自己的价值观和审美观不同，创作的目的与动机也不同。但无论怎样，文化修养和生活阅历的积累促使绘画创作迸发出自己真实的情感。文化修养是创作的石阶，只有一步一步地拾阶而上，绘画创作的路才走得更稳。再加上生活阅历的丰富，忠实于自己真实情感的抒发，创作者才能创作出具有艺术意蕴的作品。
二、情感的表达
绘画创作中情感的表达是绘画语言的支撑。绘画语言主要由线条、色彩和构图等组成。创作者的审美情趣以及价值观都反映着创作者的主观思想。唐代画家张躁的“外师造化，中得心源”能够很好地概括绘画创作中内心情感对创作的重要作用。创作者文化修养与生活经验的积累，影响了他们对生活的认识态度，这些都是一幅有文化意蕴与情感表達的作品的基础。作品的内容不是简单的客观物体，而是创作者对物体主观思想的一种适当改变。在中国画的创作中，某些具象往往被赋予了特定的寓意。例如山水画中渔父（图1）的形象往往暗含了创作者隐世的思想，同时显露了创作者安逸闲适的心境。而另一绘画题材梅兰竹菊，则大多展现品格的坚贞不屈，将人的内在情感寄托在一草一木之中。
这不是简单地将物体原样摹画在画纸上，而是有意识将所观察到的物体在形状、构图和色彩方面加以改变，将其变化又融入情感，但这恰恰也是创造中最难的一点。在绘画创作中，情感表达通过线条、色彩、构图等来表现，这些构成了创作者表达内心情感的途径，是更为间接的人与人之间的情感交流。创作者用艺术的语言向人们表达自己的内心情感和美学理念。
绘画创作更像是生活情感积累到一定的程度，急需通过某种途径宣泄或者表达这种情感的一种方式。优秀的创作者必定拥有丰富的情感，他会通过观察物体的不同面，将物体艺术化，同时将自己创作时的情感投入到画中去。这是一个长时间的过程，也许是一条线，或者是一抹色彩，这些不经意间的情感投入，使得创作者的创作形式与画面内涵得到改变。
三、“他律”与“自律”
千百年来，艺术的创作从“他律”走向“自律”，从社会文化功能的承载转向了艺术创作的本身。在“他律”时代，受到政治、宗教、伦理、经济等的影响，绘画往往承载着社会文化价值，服务于统治者的宣传需要，是统治者创造出来的整个社会的审美风尚。这既有积极的一面，也有消极的一面。一方面艺术的创作得到了统治者很大的支持，但另一方面，艺术创作的思路和想法被局限，作品的文化意蕴也全然不在，掺杂了政治因素的艺术创作沦为了统治者统治思想的工具。直到19世纪印象派的出现，西方的艺术创作从“他律”走向了“自律”。中国其实更早经历这一转变，早在12世纪，文人画的诞生使得中国“自律”的时代比西方早了几百年。在“自律”时代，画家大多远离政治和宗教影响，通过绘画的形式手段，将自身的审美规律以及价值取向投入到画中。这一时期的画家大多不满足于追求事物的外在模拟和形似，要尽力表达出某种内在风神，这种风神又要求建立在对自然景色、对象的真实而又概括的观察、把握和描绘的基础之上。当画家们用诗意的眼光去观察生活、进行创作的时候，眼前平凡之景也会变得诗意盎然，就算是一块小石头，一株小草，在画家眼中也是一首诗，皆堪入画。
中国的“自律”相较于西方“专业化”，更倾向于价值理性。它通过绘画与诗歌与书法的紧密结合，将艺术的价值规律引向了中国所特有的“天人合一”的境界，自此，诗中有画、画中有诗逐渐成为画家们的一种自觉追求，进而在艺术的创作中领悟到艺术的真谛。
四、守住创作的底线
随着西方文化的强势来袭，中国画受到了不小的影响。遵循传统绘画原则的中国画似乎与强势的现代西方画格格不入，毕竟一个是强调客观的自然生命，一个是强调主观的情感表达。为了适应时代的潮流，我们总强调中国画要创新，要表达现代社会的思想，于是乎有些画家便想“歪”了，将西方绘画的技巧完全引入到中国，将中国画原本内在的、含蓄的绘画精神变为抽象的、线条化的、块面化的，即所谓的绘画的创新，很难说这是不是中国画。中国画的材料，笔墨纸砚，他全部都用到了，但中国画的内在精髓却全都被西方绘画技巧所代替。在古代绘画里，画面所传达的精神是一种人与自然合二为一的境界。画面是静止的，但你盯着画面越看越久，仿佛整个画面都动起来，画中有生命的物体，无论是人还是动植物，你都会感觉他们在画中是有生气的，这就是国画“六法”中的“气韵生动”。有些画家只一味地追求形式感，尤其在写意这一块，用浓黑的笔墨挥就一片叶子，再用亮丽的色彩铺就一朵花，周围零星画上几株杂草，再来几块石头。他们随意挥就的几笔，造就一幅“花开富贵”，要不就是几笔挥就的几根线条，将西式的抽象派强行与国画相融合。有些国画家越来越不是我们传统意义上所认知的那样，对他们而言，标新立异似乎是国画生存下去的唯一途径。更多的时候，要跟上时代的潮流，就必须有所牺牲，牺牲一些原来所坚持的想法。想要在众多的“同僚”中脱颖而出，就必须“怪”。有些国画家受西方近现代绘画的影响，追求线条的抽象，失去了国画原有的本质，但这对有些人来说却是前所未见的绘画。时代的发展，使我们有更多的机会接触到国外的思想理念，各种传统与现代的结合层出不穷，但大多数都被改得面目全非，失去了传统的特性，以中国画为例，“水墨实验”之类的其实并不算传统意义上的中国画，它没有通过笔与墨之间的相互融合，无法达到中国画中的“气韵生动”。
受西方形式主义的影响，传统绘画越来越西化，走向表现主义，整体的内涵也只是流于表面，而无法让人读出深层次的东西。当代人最缺乏的就是一份流淌于内心深处的安宁，社会的环境造就了我们无法静下心来去体验生活的真谛。绘画的内在精神正是我们当代绘画创作所欠缺的。画家用绘画的语言向观者传达自己的思想理念，通过绘画和观者进行无声的交谈。有人站在自己喜欢的绘画作品面前久久不愿离去，也许他就是在画中找到了和自己相通的一个点。绘画就应该触碰到我们内心深处的一个情感点，画家应该从生活中汲取灵感，而不是凭着自己的想象随意挥就笔墨。
不同于设计，国画是中国特有的一种绘画形式。千百年来的文化历史，奠定了中国传统文化丰富的文化内涵，我们离古人所生活的朝代很远，很多东西我们并没有完全了解，这些东西并不比西方的差，我们更应该去了解它，将它更好地融入到作品中。传统与创新本就是一对矛盾的存在，传统是绘画的基石，没有人能越过这一步直接登顶，开拓创新并不意味着一味地舍弃老东西，而应该符合当代人的精神需求，但不能落了俗套。中国画应该保持高格至雅的基调，因此这也要求画家拥有深厚的文学修养。那些没有丰富文学修养的人急于求成，偷换中国画的概念，所创作出来的作品虽红极一时，但之后便销声匿迹。因此守住中国传统绘画的根便极其重要，国画家更应该吸收其中的精华，而不能做西方文化的奴隶。
综上所述，绘画的创作其实是一个复杂的过程，它并不是简单意义上的情感的宣泄，它要求创作者运用自身的文化修养对自身的情感表达进行梳理，再融入到创作中。在创作的同时也不能忘记传统的文化因素，毕竟，这是创作的文化基石。
参考文献：
[1]章文熙.美术创作[M].北京：高等教育出版社，1997.
[2]李泽厚.中国美学史[M].桂林：广西师范大学出版社，2000.
[3]李泽厚.美的历程[M].桂林：广西师范大学出版社，2000.
[4]宗白华.美学与意境[M].北京：人民出版社，1987.
[5]张玉能.西方语境下的中国美学发展[J].华中师范大学学报（人文社会科学版），2010（6）.
作者单位：
苏州大学艺术学院
关键词：自身修养;情感;自律;国画;传统
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一、自身修养
在古代，擅长绘画的大多数是文人士大夫一类的人士，他们有着丰富的文化修养，是极有知识修养的大家，比如顾恺之、苏轼等。他们年少读书，随着时间的积累，知识和阅历都达到了一定的高度。当他们挥笔抒意时往往能比其他人更易将自己的情感表达出来，使观者看到后有情感上的共鸣。这些促使他们的绘画品质得到了很大的提升，作品中的艺术美学蕴含着他们的价值理想。
绘画的创作没有坚实的艺术理论修养，就无法提高创作的水平和高度，这不是一个人常年累月一直重复着机械的动作所能达到的。心中没有“理念”和“精神”，就如同一个徒有精美外表而无灵魂的人偶。熟读古人关于绘画方面的总结是国画创作前的重要一环，是我们和古人零距离交流的一种重要方式。前人的理论总结经过了历史的检验，我们从中汲取自己需要的部分，运用于自己的创作中。这些文化方面的素养决定我们能否跳脱虚伪外壳，从而提高创作境界的一个因素。生活经验的积累则帮助我们为绘画的创作提供丰富的素材，使得我们的思维活动和表现能力得到进一步提高，带来绘画创作内容上的迥异。生活素材的积累首先是从日常生活中的观察开始，在观察的同时创造能力也要紧随其后。创作者通过观察事物的各个角度，自己的脑内便对事物的内在有了一定的见解，在创作时，情感便会通过手中的笔在画面上表现出来。每个人都有自己独立的美学思想，自己的价值观和审美观不同，创作的目的与动机也不同。但无论怎样，文化修养和生活阅历的积累促使绘画创作迸发出自己真实的情感。文化修养是创作的石阶，只有一步一步地拾阶而上，绘画创作的路才走得更稳。再加上生活阅历的丰富，忠实于自己真实情感的抒发，创作者才能创作出具有艺术意蕴的作品。
二、情感的表达
绘画创作中情感的表达是绘画语言的支撑。绘画语言主要由线条、色彩和构图等组成。创作者的审美情趣以及价值观都反映着创作者的主观思想。唐代画家张躁的“外师造化，中得心源”能够很好地概括绘画创作中内心情感对创作的重要作用。创作者文化修养与生活经验的积累，影响了他们对生活的认识态度，这些都是一幅有文化意蕴与情感表達的作品的基础。作品的内容不是简单的客观物体，而是创作者对物体主观思想的一种适当改变。在中国画的创作中，某些具象往往被赋予了特定的寓意。例如山水画中渔父（图1）的形象往往暗含了创作者隐世的思想，同时显露了创作者安逸闲适的心境。而另一绘画题材梅兰竹菊，则大多展现品格的坚贞不屈，将人的内在情感寄托在一草一木之中。
这不是简单地将物体原样摹画在画纸上，而是有意识将所观察到的物体在形状、构图和色彩方面加以改变，将其变化又融入情感，但这恰恰也是创造中最难的一点。在绘画创作中，情感表达通过线条、色彩、构图等来表现，这些构成了创作者表达内心情感的途径，是更为间接的人与人之间的情感交流。创作者用艺术的语言向人们表达自己的内心情感和美学理念。
绘画创作更像是生活情感积累到一定的程度，急需通过某种途径宣泄或者表达这种情感的一种方式。优秀的创作者必定拥有丰富的情感，他会通过观察物体的不同面，将物体艺术化，同时将自己创作时的情感投入到画中去。这是一个长时间的过程，也许是一条线，或者是一抹色彩，这些不经意间的情感投入，使得创作者的创作形式与画面内涵得到改变。
三、“他律”与“自律”
千百年来，艺术的创作从“他律”走向“自律”，从社会文化功能的承载转向了艺术创作的本身。在“他律”时代，受到政治、宗教、伦理、经济等的影响，绘画往往承载着社会文化价值，服务于统治者的宣传需要，是统治者创造出来的整个社会的审美风尚。这既有积极的一面，也有消极的一面。一方面艺术的创作得到了统治者很大的支持，但另一方面，艺术创作的思路和想法被局限，作品的文化意蕴也全然不在，掺杂了政治因素的艺术创作沦为了统治者统治思想的工具。直到19世纪印象派的出现，西方的艺术创作从“他律”走向了“自律”。中国其实更早经历这一转变，早在12世纪，文人画的诞生使得中国“自律”的时代比西方早了几百年。在“自律”时代，画家大多远离政治和宗教影响，通过绘画的形式手段，将自身的审美规律以及价值取向投入到画中。这一时期的画家大多不满足于追求事物的外在模拟和形似，要尽力表达出某种内在风神，这种风神又要求建立在对自然景色、对象的真实而又概括的观察、把握和描绘的基础之上。当画家们用诗意的眼光去观察生活、进行创作的时候，眼前平凡之景也会变得诗意盎然，就算是一块小石头，一株小草，在画家眼中也是一首诗，皆堪入画。
中国的“自律”相较于西方“专业化”，更倾向于价值理性。它通过绘画与诗歌与书法的紧密结合，将艺术的价值规律引向了中国所特有的“天人合一”的境界，自此，诗中有画、画中有诗逐渐成为画家们的一种自觉追求，进而在艺术的创作中领悟到艺术的真谛。
四、守住创作的底线
随着西方文化的强势来袭，中国画受到了不小的影响。遵循传统绘画原则的中国画似乎与强势的现代西方画格格不入，毕竟一个是强调客观的自然生命，一个是强调主观的情感表达。为了适应时代的潮流，我们总强调中国画要创新，要表达现代社会的思想，于是乎有些画家便想“歪”了，将西方绘画的技巧完全引入到中国，将中国画原本内在的、含蓄的绘画精神变为抽象的、线条化的、块面化的，即所谓的绘画的创新，很难说这是不是中国画。中国画的材料，笔墨纸砚，他全部都用到了，但中国画的内在精髓却全都被西方绘画技巧所代替。在古代绘画里，画面所传达的精神是一种人与自然合二为一的境界。画面是静止的，但你盯着画面越看越久，仿佛整个画面都动起来，画中有生命的物体，无论是人还是动植物，你都会感觉他们在画中是有生气的，这就是国画“六法”中的“气韵生动”。有些画家只一味地追求形式感，尤其在写意这一块，用浓黑的笔墨挥就一片叶子，再用亮丽的色彩铺就一朵花，周围零星画上几株杂草，再来几块石头。他们随意挥就的几笔，造就一幅“花开富贵”，要不就是几笔挥就的几根线条，将西式的抽象派强行与国画相融合。有些国画家越来越不是我们传统意义上所认知的那样，对他们而言，标新立异似乎是国画生存下去的唯一途径。更多的时候，要跟上时代的潮流，就必须有所牺牲，牺牲一些原来所坚持的想法。想要在众多的“同僚”中脱颖而出，就必须“怪”。有些国画家受西方近现代绘画的影响，追求线条的抽象，失去了国画原有的本质，但这对有些人来说却是前所未见的绘画。时代的发展，使我们有更多的机会接触到国外的思想理念，各种传统与现代的结合层出不穷，但大多数都被改得面目全非，失去了传统的特性，以中国画为例，“水墨实验”之类的其实并不算传统意义上的中国画，它没有通过笔与墨之间的相互融合，无法达到中国画中的“气韵生动”。
受西方形式主义的影响，传统绘画越来越西化，走向表现主义，整体的内涵也只是流于表面，而无法让人读出深层次的东西。当代人最缺乏的就是一份流淌于内心深处的安宁，社会的环境造就了我们无法静下心来去体验生活的真谛。绘画的内在精神正是我们当代绘画创作所欠缺的。画家用绘画的语言向观者传达自己的思想理念，通过绘画和观者进行无声的交谈。有人站在自己喜欢的绘画作品面前久久不愿离去，也许他就是在画中找到了和自己相通的一个点。绘画就应该触碰到我们内心深处的一个情感点，画家应该从生活中汲取灵感，而不是凭着自己的想象随意挥就笔墨。
不同于设计，国画是中国特有的一种绘画形式。千百年来的文化历史，奠定了中国传统文化丰富的文化内涵，我们离古人所生活的朝代很远，很多东西我们并没有完全了解，这些东西并不比西方的差，我们更应该去了解它，将它更好地融入到作品中。传统与创新本就是一对矛盾的存在，传统是绘画的基石，没有人能越过这一步直接登顶，开拓创新并不意味着一味地舍弃老东西，而应该符合当代人的精神需求，但不能落了俗套。中国画应该保持高格至雅的基调，因此这也要求画家拥有深厚的文学修养。那些没有丰富文学修养的人急于求成，偷换中国画的概念，所创作出来的作品虽红极一时，但之后便销声匿迹。因此守住中国传统绘画的根便极其重要，国画家更应该吸收其中的精华，而不能做西方文化的奴隶。
综上所述，绘画的创作其实是一个复杂的过程，它并不是简单意义上的情感的宣泄，它要求创作者运用自身的文化修养对自身的情感表达进行梳理，再融入到创作中。在创作的同时也不能忘记传统的文化因素，毕竟，这是创作的文化基石。
参考文献：
[1]章文熙.美术创作[M].北京：高等教育出版社，1997.
[2]李泽厚.中国美学史[M].桂林：广西师范大学出版社，2000.
[3]李泽厚.美的历程[M].桂林：广西师范大学出版社，2000.
[4]宗白华.美学与意境[M].北京：人民出版社，1987.
[5]张玉能.西方语境下的中国美学发展[J].华中师范大学学报（人文社会科学版），2010（6）.
作者单位：
苏州大学艺术学院