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从20世纪60年代一直到90年代未，艾格斯顿拍摄了大量优秀的作品，所向披靡。他的彩色摄影作品曾被摄影批评家们称为“平庸”之作。然而现在，却影响了全世界各地一代又一代的摄影师、艺术家、电影制片人等等。
或许对于很多摄影师来说，都曾从威廉·艾格斯顿（william Eggleston）的身上学到了些东西，例如如今鼎鼎大名的玛格南主席马丁·帕尔（Martin Parr）。但艾格斯顿的作品却在20世纪70年代被沦为“平庸之流”。如今，艾格斯顿以他实验性的彩色运用而闻名于世，1976年他在美国纽约当代艺术博物馆（MoMA）举办的那场个人摄影作品展，更是为彩色摄影作为一种当代艺术形式奠定了基础。
现如今77岁的艾格斯顿仍然在拍摄照片，但大不如他从前那样了。他尽量回避在公众场合出现，更是很少接受关于他职业生涯和作品宣传的采访。但我们依然可以通过他作品的本身来回味艾格斯顿的生涯。最近，位于伦敦的国家肖像博物馆（National Portrait Gallery）为他举办了一场声势浩大的展览，囊括了他从20世纪60年代起至今的100余幅作品。
在展览的策划和排布方面，国家肖像博物馆的首席摄影策展人菲尔·普罗哲（Phil Prodger）與艾格斯顿本人一同参与了全部的工作。在普罗哲看来，虽然艾格斯顿的人像作品并不满足传统人像“头、眼、肩”的构图定义，实际上，他的作品远远打破了传统的定义，他经常会用一些特殊的视角来拍摄，并且有时候会将人物的脸隐藏在画面中。
所有对艾格斯顿的评价，都是关于他对色彩的运用的，对于普罗哲而言，这正是将他与其他摄影师的作品划立两派的主要因素。“艾格斯顿的彩色作品和地球上所有其他人的作品都不一样”他说道，“这些作品非常明快、鲜艳，并且色彩非常饱和。我觉得人们对这样的作品无法抗拒。”
虽然艾格斯顿的是通过黑白照片接触到摄影的，也拍摄了很多精彩的黑白肖像作品，但他很快就走向了彩色摄影的道路，正是他对色彩的灵活运用，而最终凝结成了他现在的风格。他十分享受创作的乐趣，并极力把他想在作品上体现的色彩全盘托出，无论成本，也无论需要花多长时间。“我对色彩重要性的态度，超乎了一般人的理解。”艾格斯顿解释道，“色彩是美丽的，色彩可以用一种引人入胜的方式与你交流。”
但对于艾格斯顿而言，彩色的引入给他带来了极大的自由。“如果你拍摄黑白作品，那么你只需要将画面中的结构把握好，让画面具有平衡感就可以了。”艾格斯顿继续说道，“如果你把色彩的元素加入照片中，则为你的摄影平添了许多在黑白摄影中并不出彩的构图方式，因为色彩正是解决构图问题的方法。”
“举个例子，如果在一张照片里，画面一侧的内容很丰富，而另一端则有稍许的红色块，那么这些红色可以抵消画面中的混乱。”这正是艾格斯顿最常用的方法：运用色彩在画面中的比重，以及这些色彩对画面构图带来的整体效果。他的色彩可以将画面变得更为整体，即便并不显眼、并不轮廓分明，或是看起来并非常规。
艾格斯顿用很简单的方法进行创作：他拍摄他身边发生的一切。所以他的大部分作品都拍摄于美国田纳西州（Tennessee）和密西西比州（Mississ Jppi）。在受到了诸如亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）这样的摄影大师的作品的启发下，艾格斯顿始终随身携带着相机，并且随时观察值得拍摄的一切，而这正是艾格斯顿观察和创作的方法。
“我带着相机出门，寻找一些拍摄目标，把他们拍下来，就是这样。”艾格斯顿说道，“我从来不摆布我的被摄对象，至少是在街上，我从不会说‘我给你拍张照片吧’，或者主动上前做自我介绍。我基本上处于一种拿着相机闲逛的状态，寻找那些我认为有趣的点。”
对于艾格斯顿来说，虽然他拍摄了大量的孟菲斯地区和密西西比地区的面貌，但他无论身在何处都会拍摄出绝佳的作品，因为他始终在观察他身边的一切。他曾经说道：“无论你是生活在英国还是日本，无论你身处于自然的旷野还是嘈杂的城市，如果你用一种特别的眼光去观察它们，那么我们身边的视觉世界都是格外精彩的。”
对于任何一个希望能够拍摄出具有艾格斯顿风格照片的人来说，这正是重要的一课。你并不需要去孟菲斯拍照，也不需要去那些迷人的地方，或是长途跋涉而为了拍摄一些看起来好的照片。而你需要做的，就是站在你现在的地方，试着用一些不同的方式观察这个世界。
虽然这是艾格斯顿一如既往的创作方法，却在20世纪70年代引来了谴责的声音。在1976年纽约当代艺术博物馆的摄影展上，他的彩色摄影作品被摄影批评家们称为“平庸”之作。然而现在，却影响了全世界各地一代又一代的摄影师、艺术家、电影制片人等等。所以，哪里发生了改变？
“因为那时候对于摄影的观念是，一个摄影师必须用非常特别的方式来展现他们眼中的场景。”普罗哲说道，“你必须通过摄影的手法创造出一种情绪上的体验，而艾格斯顿并不吃这套。”艾格斯顿希望他作品本身的魅力可以证明一切，因为在20世纪70年代，正是彩色和黑白摄影并行发展的年代，那个年代的彩色摄影作品在当时是颇受争议的。实际上，曾经有许多人认为艾格斯顿的作品非常难看并且毫无意义，在一定程度上，人们不知道如何理解这些照片，很难从照片里看到美。但是现在，人们的态度发生了转变，我们不由自主地发现我们现在的目光所投向的，正是艾格斯顿毕生所记录的那些日常生活的碎片化影像。
当然，艾格斯顿从未想象过能够成为一名纪实摄影师，但他的作品里充满了纪实作品所具有的味道。他的作品记录了他身旁的一切，并且蕴含着一种对美国中西部地区社会和个人的洞察，记录下了一个时代的特质。
艾格斯顿将相机当做最基本的工具，并且拒绝谈论关于所使用器材的话题。他将相机作为自己身体和眼界的延伸，在他的摄影生涯中，他的确使用过很大量的器材和装备，但他从来不说某张照片是用什么相机和镜头拍摄的。“我所信奉的真理是，没有人曾经问过毕加索用什么笔绘画，对于摄影师而言，也是同理的。对于摄影师来说，你所需要做的就是观察你眼前所发生的一切，并且不要被拍摄的过程所困扰太久！”
或许对于很多摄影师来说，都曾从威廉·艾格斯顿（william Eggleston）的身上学到了些东西，例如如今鼎鼎大名的玛格南主席马丁·帕尔（Martin Parr）。但艾格斯顿的作品却在20世纪70年代被沦为“平庸之流”。如今，艾格斯顿以他实验性的彩色运用而闻名于世，1976年他在美国纽约当代艺术博物馆（MoMA）举办的那场个人摄影作品展，更是为彩色摄影作为一种当代艺术形式奠定了基础。
现如今77岁的艾格斯顿仍然在拍摄照片，但大不如他从前那样了。他尽量回避在公众场合出现，更是很少接受关于他职业生涯和作品宣传的采访。但我们依然可以通过他作品的本身来回味艾格斯顿的生涯。最近，位于伦敦的国家肖像博物馆（National Portrait Gallery）为他举办了一场声势浩大的展览，囊括了他从20世纪60年代起至今的100余幅作品。
在展览的策划和排布方面，国家肖像博物馆的首席摄影策展人菲尔·普罗哲（Phil Prodger）與艾格斯顿本人一同参与了全部的工作。在普罗哲看来，虽然艾格斯顿的人像作品并不满足传统人像“头、眼、肩”的构图定义，实际上，他的作品远远打破了传统的定义，他经常会用一些特殊的视角来拍摄，并且有时候会将人物的脸隐藏在画面中。
所有对艾格斯顿的评价，都是关于他对色彩的运用的，对于普罗哲而言，这正是将他与其他摄影师的作品划立两派的主要因素。“艾格斯顿的彩色作品和地球上所有其他人的作品都不一样”他说道，“这些作品非常明快、鲜艳，并且色彩非常饱和。我觉得人们对这样的作品无法抗拒。”
虽然艾格斯顿的是通过黑白照片接触到摄影的，也拍摄了很多精彩的黑白肖像作品，但他很快就走向了彩色摄影的道路，正是他对色彩的灵活运用，而最终凝结成了他现在的风格。他十分享受创作的乐趣，并极力把他想在作品上体现的色彩全盘托出，无论成本，也无论需要花多长时间。“我对色彩重要性的态度，超乎了一般人的理解。”艾格斯顿解释道，“色彩是美丽的，色彩可以用一种引人入胜的方式与你交流。”
但对于艾格斯顿而言，彩色的引入给他带来了极大的自由。“如果你拍摄黑白作品，那么你只需要将画面中的结构把握好，让画面具有平衡感就可以了。”艾格斯顿继续说道，“如果你把色彩的元素加入照片中，则为你的摄影平添了许多在黑白摄影中并不出彩的构图方式，因为色彩正是解决构图问题的方法。”
“举个例子，如果在一张照片里，画面一侧的内容很丰富，而另一端则有稍许的红色块，那么这些红色可以抵消画面中的混乱。”这正是艾格斯顿最常用的方法：运用色彩在画面中的比重，以及这些色彩对画面构图带来的整体效果。他的色彩可以将画面变得更为整体，即便并不显眼、并不轮廓分明，或是看起来并非常规。
艾格斯顿用很简单的方法进行创作：他拍摄他身边发生的一切。所以他的大部分作品都拍摄于美国田纳西州（Tennessee）和密西西比州（Mississ Jppi）。在受到了诸如亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）这样的摄影大师的作品的启发下，艾格斯顿始终随身携带着相机，并且随时观察值得拍摄的一切，而这正是艾格斯顿观察和创作的方法。
“我带着相机出门，寻找一些拍摄目标，把他们拍下来，就是这样。”艾格斯顿说道，“我从来不摆布我的被摄对象，至少是在街上，我从不会说‘我给你拍张照片吧’，或者主动上前做自我介绍。我基本上处于一种拿着相机闲逛的状态，寻找那些我认为有趣的点。”
对于艾格斯顿来说，虽然他拍摄了大量的孟菲斯地区和密西西比地区的面貌，但他无论身在何处都会拍摄出绝佳的作品，因为他始终在观察他身边的一切。他曾经说道：“无论你是生活在英国还是日本，无论你身处于自然的旷野还是嘈杂的城市，如果你用一种特别的眼光去观察它们，那么我们身边的视觉世界都是格外精彩的。”
对于任何一个希望能够拍摄出具有艾格斯顿风格照片的人来说，这正是重要的一课。你并不需要去孟菲斯拍照，也不需要去那些迷人的地方，或是长途跋涉而为了拍摄一些看起来好的照片。而你需要做的，就是站在你现在的地方，试着用一些不同的方式观察这个世界。
虽然这是艾格斯顿一如既往的创作方法，却在20世纪70年代引来了谴责的声音。在1976年纽约当代艺术博物馆的摄影展上，他的彩色摄影作品被摄影批评家们称为“平庸”之作。然而现在，却影响了全世界各地一代又一代的摄影师、艺术家、电影制片人等等。所以，哪里发生了改变？
“因为那时候对于摄影的观念是，一个摄影师必须用非常特别的方式来展现他们眼中的场景。”普罗哲说道，“你必须通过摄影的手法创造出一种情绪上的体验，而艾格斯顿并不吃这套。”艾格斯顿希望他作品本身的魅力可以证明一切，因为在20世纪70年代，正是彩色和黑白摄影并行发展的年代，那个年代的彩色摄影作品在当时是颇受争议的。实际上，曾经有许多人认为艾格斯顿的作品非常难看并且毫无意义，在一定程度上，人们不知道如何理解这些照片，很难从照片里看到美。但是现在，人们的态度发生了转变，我们不由自主地发现我们现在的目光所投向的，正是艾格斯顿毕生所记录的那些日常生活的碎片化影像。
当然，艾格斯顿从未想象过能够成为一名纪实摄影师，但他的作品里充满了纪实作品所具有的味道。他的作品记录了他身旁的一切，并且蕴含着一种对美国中西部地区社会和个人的洞察，记录下了一个时代的特质。
艾格斯顿将相机当做最基本的工具，并且拒绝谈论关于所使用器材的话题。他将相机作为自己身体和眼界的延伸，在他的摄影生涯中，他的确使用过很大量的器材和装备，但他从来不说某张照片是用什么相机和镜头拍摄的。“我所信奉的真理是，没有人曾经问过毕加索用什么笔绘画，对于摄影师而言，也是同理的。对于摄影师来说，你所需要做的就是观察你眼前所发生的一切，并且不要被拍摄的过程所困扰太久！”