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作为兼具实用属性和个性表达的存在，时装是否能归属于艺术范畴，始终是行业内外争论不下的话题。从通常意义上来讲，设计的最终目的是为了解决生活中遇到的各种问题，服务他人，追求实际应用;而艺术则是更为私人化的表达，是个体思想、态度的自由挥洒，以自己的意志为转移。居于其间，时装或许无法被归类在任何—方，然而在本季秀场，时装对现当代艺术作品的借鉴和运用成为一种大势所趋，设计师们将艺术作品的寓意进行消化理解，反映在时装的创作之中，表达着超越视觉冲击的多重含义，或许从这个角度而言，时装是传播、扩散艺术观点的最好的载体之一。
本季秀场上，越来越多的时装品牌通过与当代艺术家进行合作，来回应当下被屡次提及的社会问题。设计师与艺术家共处同一时代，时装对艺术不再是单向的索取，而是借由创意的交融展开一场对话，将最终成果集中反映在细节的一针一线之中。
1-2.Chloe創意总监Natacha Ramsay-Levi从女性艺术家Rita Ackermann在世纪之交创作的油画作品中挑选出若干件，装饰在邀请函、裙装及配饰上，众多具象线条的复杂勾勒，呼应着当代女性细腻而复杂的内心。
3.Roksanda llincic借用美国艺术家Lee Krasner抽象的黑白线条画作，并在画作之上点缀了诸多荧光色系的油彩笔触，对抽象表现主义时期的作品进行了现代化的诠释。
4.Tory Burch 2020秋冬系列时装，从印花到色彩，再到整体搭配，均和现场雕塑艺术家Francesca DiMattio抽象而缤纷的作品有所呼应。
5-6.日本陶艺家桑田卓郎标志性的金色陶艺作品作为配件装饰在Loewe经典手袋和新季时装上。摄影：Molly SJ Lowe
7.Longchamp创意总监Sophie Delafontaine希望用当代艺术带给人们乐观积极的力量。艺术家Josef Albers的几何色块拼接风格被融入进简洁实穿的淡蓝色裙装中，像是一扇置于天空之境的窗口。
8.上世纪70-90年代名噪一时的设计师Jean-Charles de Castelbajac擅长用醒目的纯色色块组合来展现活泼纯粹的时装风格，图为品牌2011春夏秀场。
9.Hermes女装创意总监Nadege Vanhee-Cybulski将Jean-Charles de Castelbajac鲜明的用色进行重新演绎，使其现代而乐观的精神融入Hermes一贯的高品质设计之中。
“这是一个充满创意精神的社区。”Chloe创意总监Natacha Ramsay-Levi这样形容本季时装秀场所呈现出的概念，从秀场中央的金属雕塑立柱、背景音乐中诵读的诗歌，到秀场单品中出现的抽象画作，均来自于Ramsay-Levi特别邀请的多位女性艺术家，其中最为引人注目的非画家Rita Ackermann莫属。在本次Chloe大秀邀请函上，Ackermann的画作便被印在了醒目的位置，而当秀场拉开帷幕，她更多的作品被Ramsay-Levi以原始尺寸、完整画幅印制在了时装与配饰之中。画作的丰富细节被悉数保留，Rita Ackermann那些富于变化、抽象和模糊的线条与色彩，以看似不合章法的形式相互融合、叠加，创作出她心目中正处于纠结与挣扎状态下的现代女性形象。借由Rita Ackermann的作品表现，Natacha Ramsay-Levi将当下女性群体面临的复杂困境抽象展现在时装上，视觉上眼花缭乱的线条与用色似乎向我们传递着一种积极的信号，以创意消解人们面对现实状态的压力。
Hermes女装创意总监Nadege Vanhee-Cybulski也希望以积极乐观的态度感染每一位看秀的观众，“以基础的色彩和古典主义的方式”，她解释道。或许人们会因为这场Hermes大秀中缤纷炫目的纯色色块而感到困惑，以往沉稳冷静的时装屋为何有了如此大的转变，而当Vanhee-Cybulski朝着秀场前排的Jean-Charles de Castelbaiac挥手致意时，我们所有的困惑好似都迎刃而解。Jean-Charles de Castelbaiac的名字或许在当下并不为人所熟知，但其在上世纪70-90年代曾有过一段非常辉煌的时装生涯，诸多时尚名流、影视明星与时装品牌均在他的履历上留下深刻印记，Vanhee-Cybulski也将他视为创作灵感方面的英雄领袖。“我认为他是一位非常了不起的设计师，曾在80年代举起现代主义大旗的人，”她坦陈，“他的作品看起来非常乐观，随意之中流露着感性思维。”
除了在色彩、线条上体现的感性之美，艺术对时尚界的吸引力还在于双手触碰之时所散发出的原生魅力。近年来对手工艺大为推崇的Loewe创意总监Jonathan Anderson成立了Loewe基金会工艺奖项，也在最新系列的创作中为传统手工艺寻找到了一处新的表现渠道。曾获2018年罗意威基金会工艺奖特别奖项的日本陶艺家桑田卓郎（Takuro Kuwata）成为Anderson本季女装系列创作中的合作对象。不同于油画和平面类型的艺术创作，手工艺与时装设计的结合显得更为复杂，从结构上的平衡，到材质之间的衔接，都需要一套全新的思路。而Anderson与Kuwata最终呈现给我们的一系列充满包裹感的时装作品，诠释了传统艺术在现代设计中发挥能量的新可能。
如果说艺术是折射时代的一面镜子，那么在时装设计中借用某个时代的艺术代表作，便可以说是对往昔时光的一种回望和追溯，特别是在品牌越发希望讲述自己历史传承的当下，从艺术作品角度入手，无论是对于时装品牌还是消费者而言，都能产生见微知著的效果。
钟情于在时装语言中融合艺术元素的Akris创意总监Albert Kriemler，本季将目光调转到其祖母Alice Kriemler-Schoch创立家族品牌的上世纪20年代。不同于多数设计师对品牌档案元素的重新演绎，Kriemler选择从彼时的默片电影L’inhumaine入手，片中建筑设计师Robert Mallet-Stevens设计的拍摄布景，无论是从造型和色彩上，都可谓浓缩了那个时代的审美精髓。因此，当鳞次栉比的几何形状组合以亮片刺绣的形式还原到连衣裙和丝绒套装时，便能让人立刻联想到法国现代艺术运动的萌起。而Kriemler也坦言，选择Robert Mallet-Stevens作品进行转化的另一个原因，便是Mallet-Stevens领导了现代艺术家联盟，似乎跟当下Akris与各种手工艺匠人的通力合作异曲同工，以借用Robert Mallet-Stevens致敬创始、描绘当下，无疑再合适不过。
Kenzo的新任创意总监Felipe Oliveira Baptista则通过从艺术作品中取经的方式，平衡了品牌本源、符号传承与自我认同这三者之间的关系。超现实艺术家Julio Pomar关于老虎的画作成为整个系列装饰元素中的核心，品牌创始人Kenzo Takada最初便是以日式风格的动物和花朵印花一举在西方时尚界站稳脚跟，而前任创意双人组Humberto Leon与Carol Lim更是将传统老虎元素进化为颇受街头文化追捧的虎头元素，获得了新一代年轻人的青睐。除了以老虎相关的艺术作品来体现对品牌过往的关照，艺术家Julio Pomar与Felipe Oliveira Baptista同为葡萄牙人的巧合，更像是Baptista以隐喻的方式来宣告自己作为Kenzo新一代创意舵手，主宰品牌未来的勇气和决心。
1.Kenzo创意总监Felipe Oliveira Boptista将西班牙超现实艺术家Julio Pomar上世纪80年代创作一系列关于老虎的油画作品印制在宽松的长袍上。
2-3.Akris创意总监Albert Kriemler回溯品牌创始人，其祖母Alice Kriemler-Schoch生活的上世纪20年代，从建筑艺术家Robert Mallet-Stevens为电影L’inhumaine设计的立体感布景中汲取灵感。该影片场景草图中的几何形状排列组合，被转化为时装中的几何形态亮片刺绣和色块，再现出上世纪20年代以来现代主义与机械美学的交织。
4.法国印象派画家Henri de Toulouse-Lautrec的作品La Roue，画面中对裙装褶皱的刻画丰富而灵动，成为Lanvin本季的设计灵感来源之一。
5.Bruno Sialelli以艺术家Henri de Toulouse Lautrec和Pierre-Auguste Renoir在作品中描绘的褶边裙装和芭蕾舞裙为基础进行扩展，为Lanvin设计出古典与现代兼具的裙装。
即便已经入主Lanvin多季，但Bruno Sialelli依旧不断挖掘这家百余年历史的老牌時装屋的精髓。1949年，Jeanne Lanvin女士与法国诗人、作家Louise de Vilmorin联合创作了一本名为“L’Opera de I’Odorat”的书籍，这本书中艺术家Guillaume Gillet以水彩和画诗创作的插图吸引了Sialelli的注意，并将书中的插画与文字蜿蜒勾勒出的印花线条印制于本季时装中的羽毛和丝绸材质上，品牌历史中不为人知的更多面由此展现出来。
上述运用现当代艺术作品来展现当代精神和品牌本源的时装设计之外，还有一些品牌在汲取了不同年代的艺术风格与表现元素后，通过更抽象、更概念化的手段呈现在时装造型上，或许是妆容，或许是整体组合而来的配色方案，抑或是平面设计的元素进行立体重构，均为我们打开了更广阔的视野，窥见了时装与艺术交融的更多可能。
6-7.John Galliano在本季Maison Margiela秀场中对于色彩的搭配运用，与Edward Hopper颇有异曲同工之处，多种鲜亮颜色共冶一炉，剪裁和拼接的处理类似于画家挥洒的一道道笔触，精致与粗糙在相对的空间中彼此衬托、彰显。
8.艺术家Edward Hopper于1924年创作的油画Haskells House，从俯视的角度精细描绘出光阴中每一处色调的细微变化，使画面配色多元且和谐。
9-10.画家Kees Van Dongen于1905年创作的Woman In A Green Hat，被Nina Ricci创意组合Lisi Herrebrugh和Rushemy Botter所借鉴。Kees Van Dongen早期作品中对各种色彩的调和过渡，让秀场中的模特都好似从艺术品中走出的“画中人”。
11.Oscar de la Renta秀场塑造的派对女郎，必定要成为夜色中最受瞩目的存在，梵高的名作Starry Night中的漩涡夜色，经过亮片刺绣的处理，使这件裙装显得分外夺目。
12.Dries Van Noten以彩妆师、视觉艺术家Serge Lutens在上世纪七八十年代塑造的妖冶魅惑的广告影像入手，赋予本季设计一派大胆颠覆、艳丽狂野的风格。
13-14.建筑师Charles Mackintosh以完全几何式的设计语言将“玫瑰”这一意象成功现代化，图为Mackintosh在其House for an Art Lover这栋建筑的玻璃窗中设计的玫瑰图案。而设计师Marc Jacobs本季设计的缎面花朵帽饰，颇有将Charles Mackintosh的平面设计进行“立体化”的意味。
当代精神
本季秀场上，越来越多的时装品牌通过与当代艺术家进行合作，来回应当下被屡次提及的社会问题。设计师与艺术家共处同一时代，时装对艺术不再是单向的索取，而是借由创意的交融展开一场对话，将最终成果集中反映在细节的一针一线之中。
1-2.Chloe創意总监Natacha Ramsay-Levi从女性艺术家Rita Ackermann在世纪之交创作的油画作品中挑选出若干件，装饰在邀请函、裙装及配饰上，众多具象线条的复杂勾勒，呼应着当代女性细腻而复杂的内心。
3.Roksanda llincic借用美国艺术家Lee Krasner抽象的黑白线条画作，并在画作之上点缀了诸多荧光色系的油彩笔触，对抽象表现主义时期的作品进行了现代化的诠释。
4.Tory Burch 2020秋冬系列时装，从印花到色彩，再到整体搭配，均和现场雕塑艺术家Francesca DiMattio抽象而缤纷的作品有所呼应。
5-6.日本陶艺家桑田卓郎标志性的金色陶艺作品作为配件装饰在Loewe经典手袋和新季时装上。摄影：Molly SJ Lowe
7.Longchamp创意总监Sophie Delafontaine希望用当代艺术带给人们乐观积极的力量。艺术家Josef Albers的几何色块拼接风格被融入进简洁实穿的淡蓝色裙装中，像是一扇置于天空之境的窗口。
8.上世纪70-90年代名噪一时的设计师Jean-Charles de Castelbajac擅长用醒目的纯色色块组合来展现活泼纯粹的时装风格，图为品牌2011春夏秀场。
9.Hermes女装创意总监Nadege Vanhee-Cybulski将Jean-Charles de Castelbajac鲜明的用色进行重新演绎，使其现代而乐观的精神融入Hermes一贯的高品质设计之中。
“这是一个充满创意精神的社区。”Chloe创意总监Natacha Ramsay-Levi这样形容本季时装秀场所呈现出的概念，从秀场中央的金属雕塑立柱、背景音乐中诵读的诗歌，到秀场单品中出现的抽象画作，均来自于Ramsay-Levi特别邀请的多位女性艺术家，其中最为引人注目的非画家Rita Ackermann莫属。在本次Chloe大秀邀请函上，Ackermann的画作便被印在了醒目的位置，而当秀场拉开帷幕，她更多的作品被Ramsay-Levi以原始尺寸、完整画幅印制在了时装与配饰之中。画作的丰富细节被悉数保留，Rita Ackermann那些富于变化、抽象和模糊的线条与色彩，以看似不合章法的形式相互融合、叠加，创作出她心目中正处于纠结与挣扎状态下的现代女性形象。借由Rita Ackermann的作品表现，Natacha Ramsay-Levi将当下女性群体面临的复杂困境抽象展现在时装上，视觉上眼花缭乱的线条与用色似乎向我们传递着一种积极的信号，以创意消解人们面对现实状态的压力。
Hermes女装创意总监Nadege Vanhee-Cybulski也希望以积极乐观的态度感染每一位看秀的观众，“以基础的色彩和古典主义的方式”，她解释道。或许人们会因为这场Hermes大秀中缤纷炫目的纯色色块而感到困惑，以往沉稳冷静的时装屋为何有了如此大的转变，而当Vanhee-Cybulski朝着秀场前排的Jean-Charles de Castelbaiac挥手致意时，我们所有的困惑好似都迎刃而解。Jean-Charles de Castelbaiac的名字或许在当下并不为人所熟知，但其在上世纪70-90年代曾有过一段非常辉煌的时装生涯，诸多时尚名流、影视明星与时装品牌均在他的履历上留下深刻印记，Vanhee-Cybulski也将他视为创作灵感方面的英雄领袖。“我认为他是一位非常了不起的设计师，曾在80年代举起现代主义大旗的人，”她坦陈，“他的作品看起来非常乐观，随意之中流露着感性思维。”
除了在色彩、线条上体现的感性之美，艺术对时尚界的吸引力还在于双手触碰之时所散发出的原生魅力。近年来对手工艺大为推崇的Loewe创意总监Jonathan Anderson成立了Loewe基金会工艺奖项，也在最新系列的创作中为传统手工艺寻找到了一处新的表现渠道。曾获2018年罗意威基金会工艺奖特别奖项的日本陶艺家桑田卓郎（Takuro Kuwata）成为Anderson本季女装系列创作中的合作对象。不同于油画和平面类型的艺术创作，手工艺与时装设计的结合显得更为复杂，从结构上的平衡，到材质之间的衔接，都需要一套全新的思路。而Anderson与Kuwata最终呈现给我们的一系列充满包裹感的时装作品，诠释了传统艺术在现代设计中发挥能量的新可能。
致敬本源
如果说艺术是折射时代的一面镜子，那么在时装设计中借用某个时代的艺术代表作，便可以说是对往昔时光的一种回望和追溯，特别是在品牌越发希望讲述自己历史传承的当下，从艺术作品角度入手，无论是对于时装品牌还是消费者而言，都能产生见微知著的效果。
钟情于在时装语言中融合艺术元素的Akris创意总监Albert Kriemler，本季将目光调转到其祖母Alice Kriemler-Schoch创立家族品牌的上世纪20年代。不同于多数设计师对品牌档案元素的重新演绎，Kriemler选择从彼时的默片电影L’inhumaine入手，片中建筑设计师Robert Mallet-Stevens设计的拍摄布景，无论是从造型和色彩上，都可谓浓缩了那个时代的审美精髓。因此，当鳞次栉比的几何形状组合以亮片刺绣的形式还原到连衣裙和丝绒套装时，便能让人立刻联想到法国现代艺术运动的萌起。而Kriemler也坦言，选择Robert Mallet-Stevens作品进行转化的另一个原因，便是Mallet-Stevens领导了现代艺术家联盟，似乎跟当下Akris与各种手工艺匠人的通力合作异曲同工，以借用Robert Mallet-Stevens致敬创始、描绘当下，无疑再合适不过。
Kenzo的新任创意总监Felipe Oliveira Baptista则通过从艺术作品中取经的方式，平衡了品牌本源、符号传承与自我认同这三者之间的关系。超现实艺术家Julio Pomar关于老虎的画作成为整个系列装饰元素中的核心，品牌创始人Kenzo Takada最初便是以日式风格的动物和花朵印花一举在西方时尚界站稳脚跟，而前任创意双人组Humberto Leon与Carol Lim更是将传统老虎元素进化为颇受街头文化追捧的虎头元素，获得了新一代年轻人的青睐。除了以老虎相关的艺术作品来体现对品牌过往的关照，艺术家Julio Pomar与Felipe Oliveira Baptista同为葡萄牙人的巧合，更像是Baptista以隐喻的方式来宣告自己作为Kenzo新一代创意舵手，主宰品牌未来的勇气和决心。
1.Kenzo创意总监Felipe Oliveira Boptista将西班牙超现实艺术家Julio Pomar上世纪80年代创作一系列关于老虎的油画作品印制在宽松的长袍上。
2-3.Akris创意总监Albert Kriemler回溯品牌创始人，其祖母Alice Kriemler-Schoch生活的上世纪20年代，从建筑艺术家Robert Mallet-Stevens为电影L’inhumaine设计的立体感布景中汲取灵感。该影片场景草图中的几何形状排列组合，被转化为时装中的几何形态亮片刺绣和色块，再现出上世纪20年代以来现代主义与机械美学的交织。
4.法国印象派画家Henri de Toulouse-Lautrec的作品La Roue，画面中对裙装褶皱的刻画丰富而灵动，成为Lanvin本季的设计灵感来源之一。
5.Bruno Sialelli以艺术家Henri de Toulouse Lautrec和Pierre-Auguste Renoir在作品中描绘的褶边裙装和芭蕾舞裙为基础进行扩展，为Lanvin设计出古典与现代兼具的裙装。
即便已经入主Lanvin多季，但Bruno Sialelli依旧不断挖掘这家百余年历史的老牌時装屋的精髓。1949年，Jeanne Lanvin女士与法国诗人、作家Louise de Vilmorin联合创作了一本名为“L’Opera de I’Odorat”的书籍，这本书中艺术家Guillaume Gillet以水彩和画诗创作的插图吸引了Sialelli的注意，并将书中的插画与文字蜿蜒勾勒出的印花线条印制于本季时装中的羽毛和丝绸材质上，品牌历史中不为人知的更多面由此展现出来。
再造经典
上述运用现当代艺术作品来展现当代精神和品牌本源的时装设计之外，还有一些品牌在汲取了不同年代的艺术风格与表现元素后，通过更抽象、更概念化的手段呈现在时装造型上，或许是妆容，或许是整体组合而来的配色方案，抑或是平面设计的元素进行立体重构，均为我们打开了更广阔的视野，窥见了时装与艺术交融的更多可能。
6-7.John Galliano在本季Maison Margiela秀场中对于色彩的搭配运用，与Edward Hopper颇有异曲同工之处，多种鲜亮颜色共冶一炉，剪裁和拼接的处理类似于画家挥洒的一道道笔触，精致与粗糙在相对的空间中彼此衬托、彰显。
8.艺术家Edward Hopper于1924年创作的油画Haskells House，从俯视的角度精细描绘出光阴中每一处色调的细微变化，使画面配色多元且和谐。
9-10.画家Kees Van Dongen于1905年创作的Woman In A Green Hat，被Nina Ricci创意组合Lisi Herrebrugh和Rushemy Botter所借鉴。Kees Van Dongen早期作品中对各种色彩的调和过渡，让秀场中的模特都好似从艺术品中走出的“画中人”。
11.Oscar de la Renta秀场塑造的派对女郎，必定要成为夜色中最受瞩目的存在，梵高的名作Starry Night中的漩涡夜色，经过亮片刺绣的处理，使这件裙装显得分外夺目。
12.Dries Van Noten以彩妆师、视觉艺术家Serge Lutens在上世纪七八十年代塑造的妖冶魅惑的广告影像入手，赋予本季设计一派大胆颠覆、艳丽狂野的风格。
13-14.建筑师Charles Mackintosh以完全几何式的设计语言将“玫瑰”这一意象成功现代化，图为Mackintosh在其House for an Art Lover这栋建筑的玻璃窗中设计的玫瑰图案。而设计师Marc Jacobs本季设计的缎面花朵帽饰，颇有将Charles Mackintosh的平面设计进行“立体化”的意味。