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[摘 要]舞台摄影作为摄影艺术的一个分支，有着它独特的魅力。舞台的特殊性主要表现在舞台环境光线的复杂性和光量的特殊性，所以必须解决舞台摄影时测光选择和曝光选择这一技术性问题。与此同时，舞台表演中的舞蹈摄影也是最具难度、最具代表性的，所以本文即以此为切入点，针对以上这些舞台摄影问题进行分析与研究，从而力图寻找到最佳途径予以解决并取得更好的摄影效果。
[关键词]舞台摄影 测光 曝光 舞蹈
中图分类号：J7 文献标识码：A 文章编号：1009-914X（2013）14-0212-01
舞台摄影的基础
舞台摄影作为摄影艺术的一个分支，有着它独特的魅力。但是舞台的光线条件是多变的，这为舞台摄影带来了一定的难度，对摄影者的技术有了更高的要求，同时也为舞台摄影作品中浓郁的光影色调感到惊叹。
舞台的特殊性主要表现在舞台环境光线的复杂性和光量的特殊性，它来自于当时的环境和各种各样的复杂灯光，一般来说舞台摄影都是在晚上，或在光线相对比较暗的场所开展的，周围的大环境相对来说是比较黑暗。加之舞台上使用各种各样的霓虹灯，所以致使舞台出现光线复杂，光比大等现象。因此，在拍摄灯光复杂，光比特别大的舞台时就会出现种种问题，主要是曝光不准确，相机无法对焦，照片品质差等。所以必须解决舞台摄影时测光选择和曝光选择这一技术性问题。不仅能保证照片的拍摄成功以及照片的品质高度，还能充分利用灯光烘托出舞台剧照的美丽氛围。
相机的测光和自动曝光系统大都都是按照将被摄对象还原为18%的中性灰原理设计的，这样的设计能满足一般拍摄，但对于一些特殊的拍摄，就很难保证拍摄的成功。测光有两种方式，一种是测量反射光，一种是使用独立的手持测光表。一般相机的内测光系统就是是测量反射光，无论是平均测光，还是中央重点平均测光或者是点测光，只是测光的区域和范围不一样而已，没有其他本质上的区别。数字照相机上的任何测光方式，对被摄体的形状，质地以及反光率的高低等，都是无法识别的。要解决拍摄舞台测光选择，最重要的是把握好测光的位置，当我们拍摄光比很大的舞台剧照时，整个舞台场景必定有部分场景光量是充足的，有部分场景光量是很弱的，舞台上表演的人物也是同样。我们把对焦和测光的位置对在舞台上光量充足的位置或反光率在18%左右的地方（这个位置也许是舞台上的主体，也许是舞台的次要位置），拍摄者在拍摄时就会得到正确的测光，拍摄时也能得到正确的曝光以及保险的快门速度，这样在拍摄舞台剧照时就能保证拍摄的成功。
解决了测光的选择，曝光的选择也不难解决。不管拍摄者用的是自动程序曝光，光圈優先式曝光，快门优先式曝光还是手动曝光。当测光准确了，数字相机内测光所得到的数值就会趋于正确，用何种曝光模式来曝光，相机内确定的曝光数值都是相同的。拍摄者只需要根据当时的舞台表演对象要确定自己该用那种曝光模式，比如说，拍摄高速运动的舞蹈是适宜选择快门优先式曝光模式或者手动曝光模式。
在舞蹈艺术的摄影中，要面对造型特殊、动感更为强烈的拍摄对象，所以可以说舞蹈摄影应该算是舞台摄像中难度最高的以个部类。所以，这里我们就以此为列，来探讨一些相关问题。
舞蹈舞台的特殊性
舞蹈艺术活动的场地有很多，除了舞台这块天地，广场、马路等场所也完全可以成为舞蹈的活动空。但是在舞台上的舞蹈，往往其专业性会更强，而且还会有灯光、布景等其它艺术元素与之相配合，所以这个问题无须更多解释。相比之下，布景因素的影响则显得更为重要。
舞台的布景有三类，分别为软景、硬景和特殊布景，它们对画面构成的影响不能忽视。其中的软景是软质材料所制成的布景，包括网幕软景、立体软景、花草布景平面的居多，立体的也是花草树木，很少与表演融合，所以拍摄时要注意它主体得色彩关系，更多的还是要关注表演。而硬景则是以硬体材料制成的陈设，如与实体的房屋、家具、雕塑等。硬景很多是作为演员的真实活动场地，作为表演载体与表演真正为特别的则是一些特殊布景，如大屏幕、激光、喷烟器、干冰机等设备。这是根据节目需要而选用的，使用它们的目的是为了制造特殊效果，而它们的使用，也为我们拍摄出不同意境的摄影作品创造了条件。不过有一点需要特别注意，就是遇到以大屏幕为背景的演出，则要尽量使用手动对焦，因为一旦使用自动对焦，辅助光会减弱屏幕摄影的反差，而且特别容易造成失焦。
而从宏观层面上讲，这类摄影的核心问题，就是怎样好处理布景与主体得关系。它包括明暗方面的黑、白、灰、色彩方面的色相关系、饱和度关系、冷暖关系，以及造型方面的种种因素。只有将这三种关系处理得恰到好处，那么我们才能真正拍出舞蹈作品的神韵，才可能得到一幅好的作品。
面对传统舞蹈
舞蹈是无声的音乐，它可以细分为舞剧、芭蕾舞、民族舞、现代舞以及体育舞蹈等等。其中大部分舞蹈表演的舞台特点，都是色彩鲜艳、视觉变化多，所以现场抓拍到精彩瞬间的机会也多。但要注意，舞蹈离不开音乐，而音乐有节奏快慢之分，舞蹈也是节奏艺术，随着快与慢的韵律进行表演与造型，以及进行身段组合，其中的灯光色彩及动作组合，都是要随着音乐节奏而变化。所以如何在瞬间做出选择，这取决于摄影者对舞蹈作品的理解，也取决于摄影者个人的审美判断与追求。如果摄影师能找到自我感觉，则更容易创作出精彩的舞台摄影作品。
就拍摄的难度而言，相对容易一些的是传统舞。这部分舞蹈包括古典舞、民间舞、芭蕾舞、国标舞等，都是以继承和发展一个理想原型为主。芭蕾舞的理想原型如舞剧《天鹅湖》中的天鹅公主和王子，古典舞的理想原型是英雄花木兰、岳飞等，民间舞种则是以某一地域的风土人情为主，这些传统舞蹈的目的，便是把这个理想原型呈现出来。因此传统舞蹈的动作、要领、技巧和舞蹈姿态，都有较为固定的套路及程式，所以我们拍摄传统舞蹈时，只要抓住反映理想原型的最典型瞬间，就可以把观众和舞者心中的既定理想形象拍好、拍完美，摄影师的任务就完成了。
面对现代舞
现代舞产生于19世纪末20世纪初，其代表人物美国舞蹈家邓肯的著名论断，就是“内体的动作必然发展为灵魂的自然语言”。可见，现代舞不以某一固定的理想原形为最高目标，而以探索及展现人的灵魂为目的。“芭蕾舞跳条件，现代舞跳观念”，现代舞打破传统规范，表达舞者当下的思考与体验，强调每个人不同的特质，它不再有那个理想原形，每一个舞者都需要从自己的形体出发，去进行探索与尝试。
由于现代舞没有固定的套路与程式，充满个性与变化，所以这给摄影师带来相当大的挑战与难度。没有定型的典型形象去抓取，而是要感受舞蹈的视觉形象，所传达出来的精神内涵，所以拍摄现代舞就需要摄“魂”“夺魄”，这也正是面对现代舞摄影的魅力所在。
现代舞的舞台表现形式和环境，相对来说光线较暗，舞蹈的节奏变化不定，而且情节、环境、场景常演常新，每个篇目演上一二场就会收兵，新的节目则随之而来，所以它不像传统舞的保留节目那样，可以几年甚至几十年不变，因此拍摄起来会有较大的难度和挑战性。
虽然现代舞的拍摄难度大，但也有规律可循。首先是要把相机的感光度，在焦点和清晰度可接受的情况下调整到最高，光圈调到最大，其目的是要保证在暗光下抓拍到优美的舞蹈造型与身段。其后是进一步发挥摄影师的主观意识，如使用多重曝光、慢门等摄影技巧，在所摄画面中创造出静与动、虚与实的对比，通过摄影语言来有效地突出现代舞台表演的主题思想，甚至还要升华它的主题。在具体的拍摄过程中，我们还应具备辩证思维能力。在拍摄现代舞时，要做到身心放松、除掌握必要的技巧外，要想出好片，主要还是要凭个人艺术感觉，大胆地进行创作尝试，要把自己的感受与现场感觉结合起来。
总之，如果我们对现代舞摄影能应对自如，那么对其它舞蹈门类的摄影，甚至其它舞台演出的摄影，自然就会得心应手。只要我们能尽量了解舞蹈、舞剧的主题思想，以及剧情变化、演员的调度、舞美灯光、服饰色彩等内容，那么拍摄出好的摄影作品，也就不再是一件难事。
作者简介
毛群路，男，1960年12月生人，辽宁沈阳人，现任沈阳音乐学院演出处实验师。
[关键词]舞台摄影 测光 曝光 舞蹈
中图分类号：J7 文献标识码：A 文章编号：1009-914X（2013）14-0212-01
舞台摄影的基础
舞台摄影作为摄影艺术的一个分支，有着它独特的魅力。但是舞台的光线条件是多变的，这为舞台摄影带来了一定的难度，对摄影者的技术有了更高的要求，同时也为舞台摄影作品中浓郁的光影色调感到惊叹。
舞台的特殊性主要表现在舞台环境光线的复杂性和光量的特殊性，它来自于当时的环境和各种各样的复杂灯光，一般来说舞台摄影都是在晚上，或在光线相对比较暗的场所开展的，周围的大环境相对来说是比较黑暗。加之舞台上使用各种各样的霓虹灯，所以致使舞台出现光线复杂，光比大等现象。因此，在拍摄灯光复杂，光比特别大的舞台时就会出现种种问题，主要是曝光不准确，相机无法对焦，照片品质差等。所以必须解决舞台摄影时测光选择和曝光选择这一技术性问题。不仅能保证照片的拍摄成功以及照片的品质高度，还能充分利用灯光烘托出舞台剧照的美丽氛围。
相机的测光和自动曝光系统大都都是按照将被摄对象还原为18%的中性灰原理设计的，这样的设计能满足一般拍摄，但对于一些特殊的拍摄，就很难保证拍摄的成功。测光有两种方式，一种是测量反射光，一种是使用独立的手持测光表。一般相机的内测光系统就是是测量反射光，无论是平均测光，还是中央重点平均测光或者是点测光，只是测光的区域和范围不一样而已，没有其他本质上的区别。数字照相机上的任何测光方式，对被摄体的形状，质地以及反光率的高低等，都是无法识别的。要解决拍摄舞台测光选择，最重要的是把握好测光的位置，当我们拍摄光比很大的舞台剧照时，整个舞台场景必定有部分场景光量是充足的，有部分场景光量是很弱的，舞台上表演的人物也是同样。我们把对焦和测光的位置对在舞台上光量充足的位置或反光率在18%左右的地方（这个位置也许是舞台上的主体，也许是舞台的次要位置），拍摄者在拍摄时就会得到正确的测光，拍摄时也能得到正确的曝光以及保险的快门速度，这样在拍摄舞台剧照时就能保证拍摄的成功。
解决了测光的选择，曝光的选择也不难解决。不管拍摄者用的是自动程序曝光，光圈優先式曝光，快门优先式曝光还是手动曝光。当测光准确了，数字相机内测光所得到的数值就会趋于正确，用何种曝光模式来曝光，相机内确定的曝光数值都是相同的。拍摄者只需要根据当时的舞台表演对象要确定自己该用那种曝光模式，比如说，拍摄高速运动的舞蹈是适宜选择快门优先式曝光模式或者手动曝光模式。
在舞蹈艺术的摄影中，要面对造型特殊、动感更为强烈的拍摄对象，所以可以说舞蹈摄影应该算是舞台摄像中难度最高的以个部类。所以，这里我们就以此为列，来探讨一些相关问题。
舞蹈舞台的特殊性
舞蹈艺术活动的场地有很多，除了舞台这块天地，广场、马路等场所也完全可以成为舞蹈的活动空。但是在舞台上的舞蹈，往往其专业性会更强，而且还会有灯光、布景等其它艺术元素与之相配合，所以这个问题无须更多解释。相比之下，布景因素的影响则显得更为重要。
舞台的布景有三类，分别为软景、硬景和特殊布景，它们对画面构成的影响不能忽视。其中的软景是软质材料所制成的布景，包括网幕软景、立体软景、花草布景平面的居多，立体的也是花草树木，很少与表演融合，所以拍摄时要注意它主体得色彩关系，更多的还是要关注表演。而硬景则是以硬体材料制成的陈设，如与实体的房屋、家具、雕塑等。硬景很多是作为演员的真实活动场地，作为表演载体与表演真正为特别的则是一些特殊布景，如大屏幕、激光、喷烟器、干冰机等设备。这是根据节目需要而选用的，使用它们的目的是为了制造特殊效果，而它们的使用，也为我们拍摄出不同意境的摄影作品创造了条件。不过有一点需要特别注意，就是遇到以大屏幕为背景的演出，则要尽量使用手动对焦，因为一旦使用自动对焦，辅助光会减弱屏幕摄影的反差，而且特别容易造成失焦。
而从宏观层面上讲，这类摄影的核心问题，就是怎样好处理布景与主体得关系。它包括明暗方面的黑、白、灰、色彩方面的色相关系、饱和度关系、冷暖关系，以及造型方面的种种因素。只有将这三种关系处理得恰到好处，那么我们才能真正拍出舞蹈作品的神韵，才可能得到一幅好的作品。
面对传统舞蹈
舞蹈是无声的音乐，它可以细分为舞剧、芭蕾舞、民族舞、现代舞以及体育舞蹈等等。其中大部分舞蹈表演的舞台特点，都是色彩鲜艳、视觉变化多，所以现场抓拍到精彩瞬间的机会也多。但要注意，舞蹈离不开音乐，而音乐有节奏快慢之分，舞蹈也是节奏艺术，随着快与慢的韵律进行表演与造型，以及进行身段组合，其中的灯光色彩及动作组合，都是要随着音乐节奏而变化。所以如何在瞬间做出选择，这取决于摄影者对舞蹈作品的理解，也取决于摄影者个人的审美判断与追求。如果摄影师能找到自我感觉，则更容易创作出精彩的舞台摄影作品。
就拍摄的难度而言，相对容易一些的是传统舞。这部分舞蹈包括古典舞、民间舞、芭蕾舞、国标舞等，都是以继承和发展一个理想原型为主。芭蕾舞的理想原型如舞剧《天鹅湖》中的天鹅公主和王子，古典舞的理想原型是英雄花木兰、岳飞等，民间舞种则是以某一地域的风土人情为主，这些传统舞蹈的目的，便是把这个理想原型呈现出来。因此传统舞蹈的动作、要领、技巧和舞蹈姿态，都有较为固定的套路及程式，所以我们拍摄传统舞蹈时，只要抓住反映理想原型的最典型瞬间，就可以把观众和舞者心中的既定理想形象拍好、拍完美，摄影师的任务就完成了。
面对现代舞
现代舞产生于19世纪末20世纪初，其代表人物美国舞蹈家邓肯的著名论断，就是“内体的动作必然发展为灵魂的自然语言”。可见，现代舞不以某一固定的理想原形为最高目标，而以探索及展现人的灵魂为目的。“芭蕾舞跳条件，现代舞跳观念”，现代舞打破传统规范，表达舞者当下的思考与体验，强调每个人不同的特质，它不再有那个理想原形，每一个舞者都需要从自己的形体出发，去进行探索与尝试。
由于现代舞没有固定的套路与程式，充满个性与变化，所以这给摄影师带来相当大的挑战与难度。没有定型的典型形象去抓取，而是要感受舞蹈的视觉形象，所传达出来的精神内涵，所以拍摄现代舞就需要摄“魂”“夺魄”，这也正是面对现代舞摄影的魅力所在。
现代舞的舞台表现形式和环境，相对来说光线较暗，舞蹈的节奏变化不定，而且情节、环境、场景常演常新，每个篇目演上一二场就会收兵，新的节目则随之而来，所以它不像传统舞的保留节目那样，可以几年甚至几十年不变，因此拍摄起来会有较大的难度和挑战性。
虽然现代舞的拍摄难度大，但也有规律可循。首先是要把相机的感光度，在焦点和清晰度可接受的情况下调整到最高，光圈调到最大，其目的是要保证在暗光下抓拍到优美的舞蹈造型与身段。其后是进一步发挥摄影师的主观意识，如使用多重曝光、慢门等摄影技巧，在所摄画面中创造出静与动、虚与实的对比，通过摄影语言来有效地突出现代舞台表演的主题思想，甚至还要升华它的主题。在具体的拍摄过程中，我们还应具备辩证思维能力。在拍摄现代舞时，要做到身心放松、除掌握必要的技巧外，要想出好片，主要还是要凭个人艺术感觉，大胆地进行创作尝试，要把自己的感受与现场感觉结合起来。
总之，如果我们对现代舞摄影能应对自如，那么对其它舞蹈门类的摄影，甚至其它舞台演出的摄影，自然就会得心应手。只要我们能尽量了解舞蹈、舞剧的主题思想，以及剧情变化、演员的调度、舞美灯光、服饰色彩等内容，那么拍摄出好的摄影作品，也就不再是一件难事。
作者简介
毛群路，男，1960年12月生人，辽宁沈阳人，现任沈阳音乐学院演出处实验师。