“所见即所得”。
　　每一个艺术家都是依其所感、所见来创作其作品。但由于人的感知是多样的，每一位艺术家表达的也是他自己感知到的世界，根据这种感知选择自己的方式来进行创作。其作品或许受时代大背景影响，或许受自身经历影响，经过这一遍遍思绪打磨，把飞扬无序的创思转化为实打实严谨理性的作品，这与其说是自己的孩子，更像是自己情感的表达，生命的延伸。
　　“I can draw it，but I understand it.”这是我们经常会在画廊或艺术展上场听到的。不仅仅是画，也包括雕塑、装置艺术、行为艺术等一系列艺术品。当停驻于一件作品，认真端详的那一刻开始，便像戴上了一副神奇的眼镜，透过这“艺术的镜片”，我们看到了艺术家眼中的世界。把自己的情绪尽量调整到和创作者同一频道，尽可能去感受这件作品，将这种同一频道的感受作为一把打开另一个奇妙世界的钥匙，去看看艺术家的别样天空。有些较为抽象的作品确是难以理解。阳春白雪，下里巴人。无论高雅还是通俗，都有自己的受眾群体。但艺术绝非故弄玄虚，要理解一件作品，需要我们有关于艺术知识的储备，了解作者的当时的世代和经历，站在作品世代的语境中去感受它、靠近他。
　　一个完整的作品应该包括“创意的产生”和“创意的实现”，二者缺一不可。不能实现的创意只能停留在空想的阶段，经不起推敲站不住脚，没有创意的做法只是某种行为的复制，空洞而无内涵，索然无味。若要把这些集中于一件作品中就需要施展设计师的一些魔法——将表现的技术的艺与展示价值观及审美取向的术完美结合。大多设计师的灵感来源来自身的经历或感悟，只有自身经历过的才是最打动自己的，如果一个选题都无法打动自身，推己及人，结果显而易见。艺术作品的选题形形色色，实现方式也不拘一格，取决于艺术家本人的惯用表达手法。
　　取材自中世纪到十九世纪历史中，西方社会对神化人物与野兽形象的描述，以及各种怪异可怕的人类与动物想象，透过这系列作品，艺术家反思从医学及文化角度来界定的身体“自然”及“非自然性”，进而关注一直以来在类型化认同下所产生对少数群体的歧视问题。
　　在符合时代大背景、与受众产生良好互动和表达自身价值观中找到良好契合点是一个优秀设计师的必修课。艺术作品需要关注度吗？我想是的，川久保玲曾这么评价过自己“我不是艺术家，我只是一个商人。”设计作品如何找到与受众的共鸣或者说既能取得良好互动也能实现自我价值观的表达，实现个体差异与群体共性之间的良性呈现，需要设计师的精心安排。没有设计师自我情感表达的作品只能是空洞无意义的技能复制，无良好互动的设计作品可能欠缺一些关注度，但为取得关注度实现某种目采取一种为艺术而艺术的方法是不可取的，如同哗众取宠的人三分钟后就会被人遗忘。
　　展会现场的艺术创作包罗万象，展示着艺术家的才华与大胆。参展者们也展现着自己的喜好和热情通过拍照、互动的方式对作品进行着艺术再创作。这新的理解看法可能与艺术创作者本身想法相同，也可能不是创作者原有的想法。艺术的再创作过程又会因为学历，经历，见闻等等因素的不同而使艺术的再创作变得更加丰富。展览的现场常常有富有创造力的人们发挥想象与设计作品互动，同时自己也成为设计的一部分，或许并非艺术家的本意，但这种行为无疑是对艺术的再创造。一千个人眼中有一千个哈姆雷特，他们用自己的方式无意识的进行创作，丰富了原有作品的内涵。通过对原有艺术的拆分、解构产生新的理解，可能也会让晦涩难懂的设计变得生动有趣。不同的人即使对于同一个展的理解都是不同的，从他们后期拍的照片中也能看出有人偏爱色彩奔放浓烈的，有人喜欢清新寡淡的。
　　看展是一个提升眼界和欣赏能力的途径，但仅仅期盼一次看展能做到对于设计能力和艺术修养的提升几乎难以实现，通过看展能得到启发就已经不虚此行，把那些觉得有趣的事物定格住，让看展成为一种生活方式，让自己能有时间沉浸在这种开放、包容的环境中。更多的感受可以来源于生活，画画、雕塑、音乐都是表达我们内心情感的方式的途径。