姜怡翔的作品多次入选全国画展并获奖，其笔下的写意花鸟墨色素雅、色彩迷离，弥散着中国画水墨之古韵，思构着自己内心的花鸟世界，其作品中的“花非花，竹非竹的墨痕时空意境”让人感悟颇多。刘文西先生对其作品评价说：“姜怡翔的艺术风格给人一种清逸、亲切、意外之感。”杨晓阳先生也称赞说，“姜怡翔先生的画，施色以水墨加入，沉稳冲和各种色相都在不露痕迹中自然流露，让人倍觉淡雅超俗。”
　　我们在欣赏艺术作品的同时会融入自我意识，甚至也会有瞬时的自我欣赏与自我陶醉，心中涌动的激情在水墨的驱动下肆意奔流，最后归复平静，由此我想到唐代元稹在《幽栖诗》中的描述，“野人自爱幽栖所，近对长松远是山。尽日望云心不系，有时看月夜方闲。”诗中认为人应在自然界中不断提升自己的心性。绘画也应如此，绘画笔墨的最高境界是天人合一，因而您认为是否可以说笔墨的方式就是对人生的体验与感悟？描绘自然的心境就是对人生的彻悟与反思？
　　对画家而言，若想将笔墨精神融入生活当中，使自己的作品出于自然而非虚空，对生活的体察入微至关重要。牡丹盛妍怒放时的华美让人叹为观止，而花苞初绽时的羞涩也会让人心悸不已，我对没有花朵婷婷绿叶的牡丹更是情有独钟。这时的牡丹有一种单纯、素雅、恬淡、抽象之美，它的叶子在光线照射下愈加鲜嫩粉润，再衬托上叶子周围的老枝，颜色错落有致，层次重叠分明，既有一种勃发向上的生命力，也会勾起你封尘已久的某种思绪。
　　绘画是一种感觉，这种感觉总会自觉不自觉地介入到物象中来，就像齐白石老人画的白菜、萝卜、花草，虾蟹和草虫，其实就是一种人格，而并非只是该物，那会儿创作的过程是否就是将自然物象转化成心象之物的过程？这是否也代表了一种中国人对现实物象的认识和转换方式？
　　对自然的认识是一个循序渐进的过程，随着认识的深入逐渐就会明确清晰起来。开始时，通常只是观察到自然物象的局部变化及其丰富感，完成实物到表现上的转换。这一阶段往往只注意笔墨的淋漓感和墨色的丰富效果，当时看上去很好看，稍过时日就会意识到这个阶段的绘画只是在临摹客观物象，还没有超脱客观范畴。这个阶段的作品是大众化的作品，主要表现为形象直接、笔法统一、风格单纯、归纳粗陋、过于完整。上升到更高一层的认识，也就是“以心塑物”阶段，这一阶段更注重对物象的气质和品格进行观察体验，更多的是在主观方面去思考、去提炼，然后再回到美学实践上来，只有这样，你才能真正体悟到“此时无花胜有花”的意境。
　　人们常说“外师造化，中得心源”，生活中有许多恍惚不定的情绪，也有许多不断叠加的记忆碎片，而笔墨却是一种通透的心性，它以拥有的方式接纳光彩和阴影，有曲折有光鲜。把握与再现美的过程必定不是一帆风顺，各种辛酸恐怕只有画家才能体会，请您谈谈创作中的感受？
　　任何一种美都需要用心去细细捕捉，只要用心，别人看似平常的景观，在你眼里就能发现它的美。记得有一次，我应邀参加浙江大学百年校庆，期间，主办方邀请我们参观绍兴王羲之的兰亭公园。这个园子，以前来过，这次算是旧地重游，别人急于寻访膜拜兰亭典故之处，我却乐意另辟淡雅清幽之所。一个人信步游走，突觉一股清新醉人的荷香裹挟着淡淡的水汽扑面袭来，整个人为之一振，迫不及待寻着暗香找来，就在不远处，一池碧水跃入眼底，水面上星星点缀着初生荷叶，小小的，还呈现着曲状，宛如含羞带怯的小女孩；亮亮的，还满透着翠色，就像拼命呼吸着的新生婴儿。这些叶子没有花头，却呈现一种秩序美与新生命蠢蠢欲动的鲜活美。无论之前你游历过多少名山大川、遍寻过多少古道遗迹，那种荡气回肠、气吞山河的感觉瞬间会被眼前的静谧清雅所湮没。
　　默默许久伫立，生怕惊扰这些鲜活的小生命；迟迟不忍离去，担心离去后美景不再……为了定格这种美，我试图用写实的手法把它画出来，起初用纯笔墨，效果远不及初衷。思量许久，不得头绪，于是索性用笔墨将画面涂了，始料不及的是，在破坏的过程中竟还原了当时的感觉。现在想想，最初求而不得是因为急于用客观的手法来还原原貌，实际上客观的表现又很难还原那时候的感受。而后放下包袱坦然面对，却自然而成。这也许是因为摆脱了形式的束缚，反而自然传达了内心感受。任何事情不能一蹴而就，画画也是如此，画画的人每一次临摹、写生、创作、再写生、再创作的过程都是自我挑战的过程，而这些过程中的每一次转折，都是战胜自我的过程，虽然充满痛苦和彷徨，但却有着蝉蜕般的成就感。