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人们常说：“爱美之心人皆有之。”
原始森林、极地雪原、人迹罕见的高山峡谷，给人粗旷、怪诞美；西湖风景、桂林山水、滇池西山、昆明石林，让人感受到天然浑成的美；而“风吹草低见牛羊”的草原风光、白帆渔歌的湖海景色、丰收在望的田园风光，使人享受无穷乐趣。雄壮、开阔、奇特、险峻、秀丽、幽深的自然风景，使人心旷神怡。
山水画，是以自然风景为主要描写对象的中国传统画科。自然界中的名山大川、风景佳胜、田野村居、城市园林、楼观舟桥、历史名胜等都可以作为山水画的题材内容加以表现。而我的创作作品正是一副传统山水画。从绘画过程中去感受大自然的美，并让我陶醉其中！
一、 创作的选题
自然美是非常醉人的。当我登上泰山山巅看红日喷薄而出时，我就知道我已经被这种美景深深吸引住了。同样是山，又有峰、岭、峦之不同的美；同样是大山，又有泰山如坐，华山如立、嵩山如卧、衡山如飞不同特色。同样是水，既有涓涓细流，汩汩小溪，也有黄河咆哮，长江奔腾。同一景观从不同的视角，不同的距离去欣赏，能看到不同的美感：“横看成岭侧成峰，远近高低各不同”。这样的美景始终是古人、现代人所向往之地。
山水画传统技法，都是前人在大自然种观察提炼而成，不是靠某一个人而是积累多少人的智慧创造实践，才有今天这样丰富的传统技法。我们必须运用前人已有的技法，加进自己的感情、修养，以及技术训练，把传统技法化更接近对象，更能表达自己的情感。
二、 创作的构思
选好了题材，就要开始创作了，就好比一部剧本，有了角色设定，就该安排剧情了。
纵观山水画的历史发展，展子虔的《游春图》即是标志独立山水画出现的里程碑。在《游春图》中我们可以清楚地看到，“人大于山”的现象改变了，近景和远景拉开了空间距离。唐代历史揭开了中国古代最为灿烂夺目的篇章。在唐代艺术整体繁荣的局面下，山水画也步入成熟阶段。不同风格、不同表现手法的山水画相继出现，使得山水画面貌大大改观。五代的山水画继承唐代传统而又有新创，出现了荆浩、董源这样重要的山水画家。他们一南一北，备显风范。作为明后期画坛巨学的董其昌，他的山水画与吴门画派渊源很深。他为了矫正吴门画派末流的弊病，强调摹古，注重笔墨，简化了古人创造的山水形象，他所提出的“南北宗论”，成为文人画理论中颇具影响力的重要论述。对明末、清初的山水画产生了重大的影响。
看过了古代众多名家的作品，从中去感受不同时期不同画家的艺术风格，学习他们在创作过程中的构图、用笔、用墨、敷色等方面，从而去构思创作的主题和框架。构图既要跳出陈套，自出新意，但也不能违背自然界的规律。当一幅大的构图，刚突出那些主题，有几个大段落，心中要有个底。而在细部，不能前定，笔随心，能产生意想不到的效果。经过反复推敲定出创作的草稿。
三、 创作制作过程
构思有了，小稿也完成啦，接下来就实践啦。可是一实践才发现要比想象的难很多，自己所想的手达不到，表现不出我所预想的效果！
中国的传统绘画是前人在实践与创造中日积月累所形成的，并非一朝一夕所能达到的高度。就像人们经常说的“一生兰，半生竹”。小小的兰草看似简单但要想画的很有味道是需要用毕生的精力去研究实践，整日与兰草为伴观察它们的生长特点，深入自然，了解自然。同时中国画对绘画时的基本技法也是有很高的要求的。
中国画是非常讲究笔墨的，古代画家就说过：“有笔有墨谓之画。”也就是说只有有了笔墨，才能称之为中国画，没有笔墨就不成其为中国画，或者说有笔无墨或有墨无笔，都不能算是好画。这说明笔墨对中国画来说是何等的重要。
用笔就是指线条。线条是中国画造型的基本手段，这与西画是不同的，西画主要依靠明暗调子，即通过光投射到对象上所产生的明暗变化来造型。中国画则主要依靠线条来造型。线条不仅用来表现物体的轮廓，也用来表现物体的质感和明暗，因此，中国画线条的变化是很丰富的，有轻、重、缓、急、粗、细、曲、直、刚、柔、肥、瘦等种种区别。这些都是画家们的经验之谈，可作为我们品评中国画的借鉴。
再说用墨，用墨就像用色，主要目的是表现物体的色彩、明暗等。墨虽然是黑的，但中国画却有“墨分五彩”的说法，五彩是指浓、淡、干、湿、焦。古人说“墨即是色”，浓淡水墨可代替各种色彩。用墨要有浓淡于湿之分，只干不湿太干枯，只湿不干太臃肿，浓淡干湿结合起来，变化多，生动而有气韵。笔墨是关系着一幅中国画作品成败的关键，是中国画不可或缺的最基本原素。
在绘画的过程中，由于自己的底子薄，遇到了许多的困难，脑子里的理论技法在宣纸上通通体现不出来，一支毛笔完全不受我的控制！国画的最大特点就是墨一旦上纸就改变不了了，因此我一张张的反复尝试修改。而我每次画中不足的就是画面的虚实轻重上，前后关系拉不出来，画面显得很平。虚实轻重两者互相关联，要突出轻和实必须要有轻和虚相陪衬。用笔就必须有疏密和深浅变化。一遍又一遍的修改，一次又一次的失败，在这个漫长艰苦的制作过程中，在激情的厌倦、心态的躁动中，开始动摇。每次想放弃时，心中又有不甘，就是这一点的不甘心，最终又使我坚持了下来。
四、 创作完成
在经历了从最初的选题、构思、制作和不断的修改后，这幅山水画创作已经初步成型，一幅秀丽的山水图卷跃然纸上，苍翠的古树，潺潺的河水，山上隐约可见的村庄，让我想起陆游的一首诗句：“山重水复疑无路，柳暗花明又一村。”按道理说其实画到这种程度还没有画完，但以我个人能力来说也就可以画到这里了。
回顾整个创作过程的点点滴滴，有惊喜也有遗憾！中国山水画在中国画中难度是最大的，短短的两年学习学到的也只是些皮毛，创作一幅山水画难度是相当大的。但是通过这次创作，从找资料，创作草图，不断尝试实践暴露了我很多的不足之处，从中我获得了很多。绘画是一个长期的过程，在这期间我还认识到写字是最好的训练方法，我们不能毫无目的的凭空圈圈画画，总要有个依附，因此学画兼书法，字写好了，不仅题画可以增加画面的美观，而且在画画时对于用笔帮助甚多。一支笔，用好它必须经过长期刻苦的训练，做到师笔而不为笔使。
原始森林、极地雪原、人迹罕见的高山峡谷，给人粗旷、怪诞美；西湖风景、桂林山水、滇池西山、昆明石林，让人感受到天然浑成的美；而“风吹草低见牛羊”的草原风光、白帆渔歌的湖海景色、丰收在望的田园风光，使人享受无穷乐趣。雄壮、开阔、奇特、险峻、秀丽、幽深的自然风景，使人心旷神怡。
山水画，是以自然风景为主要描写对象的中国传统画科。自然界中的名山大川、风景佳胜、田野村居、城市园林、楼观舟桥、历史名胜等都可以作为山水画的题材内容加以表现。而我的创作作品正是一副传统山水画。从绘画过程中去感受大自然的美，并让我陶醉其中！
一、 创作的选题
自然美是非常醉人的。当我登上泰山山巅看红日喷薄而出时，我就知道我已经被这种美景深深吸引住了。同样是山，又有峰、岭、峦之不同的美；同样是大山，又有泰山如坐，华山如立、嵩山如卧、衡山如飞不同特色。同样是水，既有涓涓细流，汩汩小溪，也有黄河咆哮，长江奔腾。同一景观从不同的视角，不同的距离去欣赏，能看到不同的美感：“横看成岭侧成峰，远近高低各不同”。这样的美景始终是古人、现代人所向往之地。
山水画传统技法，都是前人在大自然种观察提炼而成，不是靠某一个人而是积累多少人的智慧创造实践，才有今天这样丰富的传统技法。我们必须运用前人已有的技法，加进自己的感情、修养，以及技术训练，把传统技法化更接近对象，更能表达自己的情感。
二、 创作的构思
选好了题材，就要开始创作了，就好比一部剧本，有了角色设定，就该安排剧情了。
纵观山水画的历史发展，展子虔的《游春图》即是标志独立山水画出现的里程碑。在《游春图》中我们可以清楚地看到，“人大于山”的现象改变了，近景和远景拉开了空间距离。唐代历史揭开了中国古代最为灿烂夺目的篇章。在唐代艺术整体繁荣的局面下，山水画也步入成熟阶段。不同风格、不同表现手法的山水画相继出现，使得山水画面貌大大改观。五代的山水画继承唐代传统而又有新创，出现了荆浩、董源这样重要的山水画家。他们一南一北，备显风范。作为明后期画坛巨学的董其昌，他的山水画与吴门画派渊源很深。他为了矫正吴门画派末流的弊病，强调摹古，注重笔墨，简化了古人创造的山水形象，他所提出的“南北宗论”，成为文人画理论中颇具影响力的重要论述。对明末、清初的山水画产生了重大的影响。
看过了古代众多名家的作品，从中去感受不同时期不同画家的艺术风格，学习他们在创作过程中的构图、用笔、用墨、敷色等方面，从而去构思创作的主题和框架。构图既要跳出陈套，自出新意，但也不能违背自然界的规律。当一幅大的构图，刚突出那些主题，有几个大段落，心中要有个底。而在细部，不能前定，笔随心，能产生意想不到的效果。经过反复推敲定出创作的草稿。
三、 创作制作过程
构思有了，小稿也完成啦，接下来就实践啦。可是一实践才发现要比想象的难很多，自己所想的手达不到，表现不出我所预想的效果！
中国的传统绘画是前人在实践与创造中日积月累所形成的，并非一朝一夕所能达到的高度。就像人们经常说的“一生兰，半生竹”。小小的兰草看似简单但要想画的很有味道是需要用毕生的精力去研究实践，整日与兰草为伴观察它们的生长特点，深入自然，了解自然。同时中国画对绘画时的基本技法也是有很高的要求的。
中国画是非常讲究笔墨的，古代画家就说过：“有笔有墨谓之画。”也就是说只有有了笔墨，才能称之为中国画，没有笔墨就不成其为中国画，或者说有笔无墨或有墨无笔，都不能算是好画。这说明笔墨对中国画来说是何等的重要。
用笔就是指线条。线条是中国画造型的基本手段，这与西画是不同的，西画主要依靠明暗调子，即通过光投射到对象上所产生的明暗变化来造型。中国画则主要依靠线条来造型。线条不仅用来表现物体的轮廓，也用来表现物体的质感和明暗，因此，中国画线条的变化是很丰富的，有轻、重、缓、急、粗、细、曲、直、刚、柔、肥、瘦等种种区别。这些都是画家们的经验之谈，可作为我们品评中国画的借鉴。
再说用墨，用墨就像用色，主要目的是表现物体的色彩、明暗等。墨虽然是黑的，但中国画却有“墨分五彩”的说法，五彩是指浓、淡、干、湿、焦。古人说“墨即是色”，浓淡水墨可代替各种色彩。用墨要有浓淡于湿之分，只干不湿太干枯，只湿不干太臃肿，浓淡干湿结合起来，变化多，生动而有气韵。笔墨是关系着一幅中国画作品成败的关键，是中国画不可或缺的最基本原素。
在绘画的过程中，由于自己的底子薄，遇到了许多的困难，脑子里的理论技法在宣纸上通通体现不出来，一支毛笔完全不受我的控制！国画的最大特点就是墨一旦上纸就改变不了了，因此我一张张的反复尝试修改。而我每次画中不足的就是画面的虚实轻重上，前后关系拉不出来，画面显得很平。虚实轻重两者互相关联，要突出轻和实必须要有轻和虚相陪衬。用笔就必须有疏密和深浅变化。一遍又一遍的修改，一次又一次的失败，在这个漫长艰苦的制作过程中，在激情的厌倦、心态的躁动中，开始动摇。每次想放弃时，心中又有不甘，就是这一点的不甘心，最终又使我坚持了下来。
四、 创作完成
在经历了从最初的选题、构思、制作和不断的修改后，这幅山水画创作已经初步成型，一幅秀丽的山水图卷跃然纸上，苍翠的古树，潺潺的河水，山上隐约可见的村庄，让我想起陆游的一首诗句：“山重水复疑无路，柳暗花明又一村。”按道理说其实画到这种程度还没有画完，但以我个人能力来说也就可以画到这里了。
回顾整个创作过程的点点滴滴，有惊喜也有遗憾！中国山水画在中国画中难度是最大的，短短的两年学习学到的也只是些皮毛，创作一幅山水画难度是相当大的。但是通过这次创作，从找资料，创作草图，不断尝试实践暴露了我很多的不足之处，从中我获得了很多。绘画是一个长期的过程，在这期间我还认识到写字是最好的训练方法，我们不能毫无目的的凭空圈圈画画，总要有个依附，因此学画兼书法，字写好了，不仅题画可以增加画面的美观，而且在画画时对于用笔帮助甚多。一支笔，用好它必须经过长期刻苦的训练，做到师笔而不为笔使。