2008年秋天，我刚上初一，拥有了人生中的第一台相机，是佳能的IXUS80。买回家的那个晚上，我对着小区楼下一棵树按下了人生中的第一次快门，激动不已。初中班主任不允许我们带手机和MP3等电子产品，我那会儿老是偷偷地把相机和漫画揣到我的课桌抽屉里，后来相机就不清不楚地消失了。想起之后很长的一段时光，我都找不到当时摸到相机时那种窃喜的心情。
　　对于我个人而言，选择摄影这个媒介去创作其实是一个循序渐进的过程。高中的时候我特别喜欢买杂志，买了整整三年。像《青年视觉VISION》和现在已经停刊的《新视线》这类杂志，在很大程度上给予我视觉和审美上的启蒙。里面有很多优秀艺术家的作品分享，其中包括现在依然很喜欢的几位日本摄影师，筱山纪信、杉本博司和细江英公等。记得当时高中同学问我，为什么要买那么多和学业毫无关系的“闲”书，我很肯定地告诉她，因为我想成为杂志里的那些人。
　　当时其实也没想过日后有幸能成为真正的摄影师，但我明确地知道自己想成为一个视觉工作者。后来考上了北京电影学院，成为一个照相学徒，在电影学院里接受了四年的学院派教育。电影学院自由的氛围非常适合学艺术，我在上学的时候做了很多不同的有趣尝试。也是在这期间，我发现自己似乎比较擅长如何去按快门，在拍照这件事上，我找到了成就感和自身价值受到肯定的满足感。

　　这组照片是一次品牌的商业拍摄。因为客户要求，我和拍摄团队在欢乐谷完成整个拍摄。这也是基于我对于个人一次梦境的视觉阐述以及二度创造，我用梦与记忆作为蓝本，让创作架构在梦、记忆与生活之间。场地因为施工，拥有非常多限制，包括场景也存在着局限性，但是整个环境包括周围的配色，都让我联想到上世纪美国灯红酒绿街头的感觉，90年代是我最喜欢的年代，恰好我出生在这个时候。这是一种兼具怀念和带着距离的想象，熟悉又陌生，充满着时间带来的惊奇感。所以我在整组片子里，有意识地将富有活力的年轻人的青春期叛逆感融入到美式復古的气质中，记录了一群美国青少年在游乐园里游玩的一天，凸显整个品牌美式街头服装风格的基调。虽然这只是一次商业拍摄，但是依然可以充分利用现有的条件回归到我个人的风格，所以我想说的是，商业拍摄和个人创作在某种程度上并不是完全对立的。
　　让我印象最深刻的那次拍摄是《Lunar Wander》这组作品，我的模特在拍摄后的两个多月因病意外离世了。这件事对我冲击力非常大，知道这件事的时候，我正在打印输出她的照片，为我的展览做准备。我不敢相信我面前那张照片里的女孩就这么永远离开了我。因为这件事，我第一次开始认真地思考时尚摄影对于我的意义。在此之前，我认为模特只是构成画面美感的重要的元素之一。在商业的整个流程中，无论是摄影师还是模特，每个人都充当着构成图像的重要的部分。比起我在生活中记录的身边人的那些日常照片而言，往往商业拍摄让我忽略了模特作为人的个体性。这件事之后，我对时尚摄影有了新的层面的认识。
　　还有一次是在越南拍片的时候，我并没有预料到会遭遇洪水。当时和当地的朋友事先约定好了拍照的时间，结果当天台风刚好过境，突然大雨倾盆，风一直在刮，河的水位上涨了很多，没过了观景台。当时我看到河里停了一辆废弃的车，车子和岸上的植物因为水位上涨都只露出了一半，这个画面与亚热带的潮湿黏腻的氛围结合起来让我觉得特别荒诞有趣。我和朋友也没有考虑安全问题就跑到河里进行拍摄，当我在河里拍照时，河水直接没过了我的腰。后来回想起来整个拍摄的过程虽然惊险、疯狂，但拍摄的时候我丝毫不觉，完全沉浸在实现脑海中画面的激动与欣喜。
　　在我的审美价值体系里，我认为好的照片是会被观看的人所记住的，历久弥新的。艺术最终的挑战是时间，经得起时间推敲的艺术越高级。不过我个人更在乎是否能在看见照片的第一眼的那个瞬间打动我。照片是一种非常直观的表达形式，如果我喜欢这张照片，我觉得我和创作者能在某种程度上达成共识。

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