面对很多当代艺术作品，许多朋友直言看不懂。20世纪60年代兴起了观念艺术，减弱了观众的视觉欣赏，艺术家强迫观众进入他们的作品。
　　但有些观众虽然理解了艺术家的观念，依然不解的是：为什么要进行一个这样的创作？创作和作品的价值在哪里？
　　关于艺术品的价值，要从马塞尔·杜尚说起。1917年的纽约秋季沙龙评委会拒绝了匿名作品“泉”，一个倒挂的小便池。当前杜尚的“泉”已经超过毕加索的大作“亚维农”的少女，成为20世纪最具影响力的艺术作品。杜尚为什么要这么做呢？他在写给好友汉斯·李希特的信中说：当我发现“现成品”的时候，我是想通过它来减弱人们对美学的吹捧。我就把“晾瓶架”和“小便池”抛出来刺激他们，结果没想到他们真的欣赏它们的“美感”。
　　借着小便池，他彻头彻尾地讽刺了当时的艺术机构和艺术评论。这个挑衅的行为也向众人宣告：所谓被认可和被吹捧的艺术价值不是来自艺术品或艺术家，而是来自官方的艺术机构。大街小巷的垃圾到了博物馆里也就成了艺术品，这些作品不是艺术家的创作，而是艺术机构的创作。
　　杜尚把艺术家拉下了神坛，但也把观众拉进了深渊。
　　很多人误解杜尚，追随他掀起的这场现成品的艺术“革命”。比如他说“真正的艺术不需要别人在乎”，很多后来的艺术家认为自己的作品不被人认可，没关系，因为杜尚说过上面那句话，“我认为我的作品是好作品就够了”。杜尚自认只是个玩家，他开创了一种新的游戏。只要你遵守游戏规则，怎么玩儿都可以，无上限无下限。这些都和价值无关。
　　这似乎很悲观，很多艺术品都没有价值和意义了，其实不然。很多艺术家并不是像杜尚那样的虚无主义者，因为成为一名真正的虚无主义者并不是件容易的事。后世的大多艺术家或多或少都有着自己的价值观，也在通过他们的艺术作品传递着自己的价值观。
　　面对艺术价值体系的混乱，或许观众可以从自身入手，尝试去体验和理解艺术作品。法兰西学院华裔院士程抱一先生开创了三元定义：肉体，精神和灵魂。肉体自父母而来，经历生死；精神是通过家庭学校社会教育的学习而形成；灵魂是每个人独有的印记，不可沟通和交流，灵魂的感受通过心灵传达。那么面对一件艺术作品，首先需要身体接触。传统艺术大多是绘画，需要视觉接触。当代艺术中很多行为，声音，空间作品，需要观众在空间与时间中去接触。如同人的身体，艺术作品的材料是基础，不同的材料传递着不同的信息。從这一点讲，如果仅在手机或电脑上看看作品的图片，无法看懂就再正常不过了。
　　在接触过后，就到了理解的阶段：对作品呈现形式的认识，对艺术家创作背景和过程的认识。虽然艺术作品完成后，观众可以和作品产生独立于艺术家之外的一种关系，但毕竟艺术作品源自艺术家，他们的经历对作品有直接的影响。
　　最后阶段是灵魂的感受。对此，语言就显得有些苍白了。观众的感受源自艺术作品，却也和自己的经历融为一体，或高兴，或悲伤，或感叹，或恐惧；抑或是无感。
　　面对艺术品，每个个体要面对自身价值观的选择和坚持。或许杜尚的那句“我的生活就是艺术”可以帮助大家找到自己的价值观，成为不需要刻意去创作和展示作品的“艺术家”。
　　【素材运用】杜尚的揶揄挑衅之作被奉为现成品艺术的精品，不仅讽刺了当时的艺术机构与艺术评论，还揭示了一个让人瞠目结舌的事实：当艺术价值只是来源于所谓艺术机构的定位，当艺术的创作变成了一种形而上的游戏时，高雅与低俗便会模糊了界限，美与丑竟也可以相互转换。艺术品的价值究竟在哪里？或许我们看不懂，但是我们不必跟风呐喊，亦不必人云亦云。
　　【适用话题】固本清源；真与假；美与丑；坚持本心