【摘 要】熟练掌握中国人物画中线与型两者之间的依存关系和完美表现，加强素描基础练习，理解点与线与面的表现，教师要把握时机科学地引导学生“深出浅入”，从循序渐进中达到“线必妙得”，使学生表现出物象的生命感、力感、韵律感以及个人的思想情感，不断地提高中国画人物教学水平技能。
　　【关键词】中国画 西洋画 人物 以线造型 以型求线
　　在美术课中国画教学中，人物画部分是最难掌握的，在塑造过程中作者除了个人要有对表现人物情感的感受外，还要用简练的线条概括出物象，也就是说出手时就要下笔成线，用线来体现“型”的存在。无论是西洋画还是中国画，都有线的不同表现，那么，线与型在中西画中各起那些不同的作用呢？初学者应该从哪一方面入手更容易掌握？在教学中如何运用这一关系？下面就这些问题谈一下我个人的几点体会。
　　线与型两者之间是一种相互依存的关系。传统的中国画理念认为，线是一种质的表现，它具有极强的表现性和概括性，它对物像的体现不依赖于直观，而依靠的是观察后经过筛选，把物象表面可变的、非本质的东西统统舍掉，保留最本质的、精炼的、具有艺术语言的基本线条。如果说中国画的用线是一种质的表现，那么西洋画则是把用线仅仅作为形体上的界限，是一种轮廓界定手法，视为单纯的视觉写实，它并不承认线是物体的本质因素。概括地说，西洋画的用线属于写实范畴，重在造型；而中国画的用线则属于写意，注重一种“出神入化”的功力体现。此外，还有纸质的不同、笔墨的浓淡及金石书法等不同因素的影响，从而进一步表现了物象的生命感、力感、韵律感以及作者个人的思想情感，甚至出现一些“线断意在”、“以虚求实”、“计白当黑”的意境效果。这种技法的应用相比之下比写实更难掌握，对于初学者来说在绘画中显得手忙脚乱是情理之中的事了。
　　那么，在教学中如何能更好地让学生接受人物造型这门技法呢？通过我个人的体会可分三步走：写实造型、临摹浅入、线必妙得。
　　写实造型阶段：是借用西洋画中的以型为主、以线为次的绘画技法。例如，西画中常用静止不动的石膏像来写实求型，这样有利于初学者用线面相结合的素描方法静下心来潜心研究，寻找结构、动态范围和比例关系。而这些关系一般都是有规律可循的，学生们经过反复造型，烂熟于心，从而较容易达到“胸有物象”的求型目的。
　　将型放在解决问题的首位，一则使学生尽可能摆脱国画中的苦苦求线，避免单一用线造出的型“言之无物”，如皮影一样的剪纸效果；二则使学生放下了双重包袱，减轻了心理的压力，轻装上阵，写实求型。
　　临摹浅入阶段：这个阶段是建立在熟练掌握了人物造型的基础上而谈的。当学生画欲大增时，教师则有意识地让他们临摹一些易上手的作品，最好是教师自己的作品，让学生建立在佩服你的心理上，适当地贯穿一些国画中用线的一般技法，如虚实、浓淡、方圆、快慢、顿挫等变化，这些用线的渗透是有限制的，是在似与不似之间的走动，切忌刻意强求，“太似则为媚俗，不似则为欺世”。
　　在这个阶段的人物造型中，关键是让学生在下笔之前看到白纸上的是型而不是线，也就是说在他的眼里是构思好的物象，即“胸有成像”。在用线中宁肯显得“笨”、“拙”，甚至僵化都不为过，因为这种用线已经不是以前的“言之无物”而是“有物可观”了。同时，要不失时机地鼓励学生的进步，增强他们的自信，杜绝他们用线乱、用墨不当而产生的自愧心理。徐悲鸿大师早就说过“宁脏勿净，宁拙勿巧，宁方勿圆”的名言。任课教师还应说一些鼓励学生的话语，比如“你在绘画中很有天赋，使我感到了色彩的无穷变化，你应该在某些方面再怎么表现，这样会更好些……”这些话是艺术学院教师们常说的口语，这种方法很有意思，我在教学中常常借用。
　　线必妙得阶段：古人云：“读书破万卷，下笔如有神。”如北宋画家邓椿在《画继》所言；“画家于人物，必九朽一罢。”即反复练习达到“熟能生巧”方可为止。随着学生对人物造型程度的熟练掌握，把原来放在首位的型可逐渐转化为线，也就是说“以线为主，以型为次”。如前面所谈过的用线的不断渗透，引导学生在下笔前浮现在纸上的是如何用线，其次才是型。虽然这种线在本阶段还不太成熟，但学生起码有了一些基本的感觉变化，随着这些感觉对自身灵感的不断激发，使他们自信大增，画欲更加强烈。有的学生在这个阶段作画往往是废寝忘食、成沓成堆地练习，多则熟，熟则巧，巧则“线必妙得”。
　　总之，以线造型，以型求线，它们在一个阶段里是相互转化的，教师要掌握一定的规律，科学地引导学生“深出浅入”，善于捕捉他们兴趣的切入点。仅靠书本知识是远远不够的，“笔墨应随当代走”，作为专业教师，除了依靠长期的教学经验外，还要不断地寻求新的知识，要将传统与现代相结合、经验和书本相结合、中画和西画相结合。型是客观写实的，而线是主观变化的、永无止境的，要处理好线与型的关系还需要我们不断地实践与探索，创新出更好的途径来不断地提高国画人物教学水平。