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◆摘 要：高等学校美术专业的教学中，美术理论教学一直是个难题，这是由于多年来理论与实践专业设置的人为割裂、时代发展、重视程度、文化结构、师资结构等原因共同组成的。本文通过分析以上教学中存在的难处与问题，结合个人在高等学校进行美术理论教学的一些实践，从不同课程的互动模式角度出发，谈一些个人粗浅的思考，兼涉理论课程的安排及与实践课程的关系。
◆关键词：高等学校教学;美术理论课程
一、当前高等学校美术理论教学存在的难处与问题
高等学校的理论类课程教学，一直是一个难点，特别是给以实践为主的学生开设的理论课，普遍存在学生不爱听、只求考试及格过关的现象，其问题原因大致有以下几点。
1.时代发展
人类社会的发展速度，和知识的传播方式与速度有着密切的关系。中国社会在宋代之前是贵族政治，知识基本掌握在上层贵族手中，普通人即便有钱也往往无法获得自己需要的知识，因此只有像张彦远这样的上层官僚贵族出身的文人才能写出《历代名画记》。魏晋时期实行的九品中正制，也是贵族政治体系的延续。虽然隋唐出现了科举，但是取士极少，很多著名的诗人、文人都难以考中，而宋代科举录用的人数就非常惊人，超过了之前的隋唐和之后的明清。科举人数大幅增加使得庶族地主阶层能够通过考试进入统治阶层，各阶层读书识字的风气大兴，整个社会文化素质明显提高，中国社会进入了文官集团统治时期。这种转变背后的一大原因，就是印刷术的发展和成熟。宋代雕版印刷术已经相当完善，活字印刷也开始出现（虽然因为操作难度和成本并不普及），科举的扩招进一步刺激了印刷行业的高度繁荣，贵族阶层再也无法垄断知识，官僚的主要来源成为了庶族地主阶层。
当代以来的情况则是互联网技术的不断发展，各种基础知识都已经成为全人类可以共同掌握的内容，教师也不再像以前的贵族阶层一样能够垄断知识，学生可以通过书本、互联网等手段获得相关课程的知识，而且还有各种繁多的网络课程，教师在学生眼中正在失去以前的“权威感”。特别是文科类、美术类的各种理论知识，属于自己也可以看懂、可以理解的，所以上课经常忙自己的事情，考试前找重点突击背诵，以过关为目的。
2.普遍心态与重视程度
这一点可以从学生、教师、学院三个层面来分析。
除了专门的美术理论专业之外，其他如美术学（师范类）、绘画、雕塑、设计等方向的学生，均为以实践课程为主，美术理论类课程一般仅占到美术类专业课程（通识类、公共课等不算在内）的10%左右，在本身专业课时间就极为不足的情况下，学生很难重视理论课程。比如美术学师范类，可能人物、山水、花鸟画这样的主要实践课程都只有寥寥几周，连临摹古人经典作品都未必能窥得门径，何况还要写生、创作，即便比较认真的学生，往往也会把课外时间放在画室，而非研读理论。再从心理角度说，实践为主的学生对理论本身存在一定的排斥，完全不重视理论课，觉得对自己的实践并无帮助。这种心态，笔者当年也是中国画专业的学生，所以是十分清楚的。但随着时间的推移，实践中会越来越发现很多理论知识确实是前人的真知灼见，与自己的绘画等创作实践结合，能够融会贯通，很大程度上促进创作的提高。但是对于本科阶段的学生来说，很难理解这一点。
从教师的角度看，笔者当年也经历过在高等学校10年左右的学习，主要的美术理论课程都曾听过，到自己执教，又重新转换身份，以教师的角色再次体验。由于学生普遍不重视的心态，在课堂上当年部分学生的表现为看其他书（如小说）、准备与自身关系更密切的其他内容（如考研英语）等，现在随着科技的发展，看其他书的情况基本很少见了，但坐在后排的学生基本以看手机、玩手机游戏为主。毕竟，再有趣的课程也比不上刷抖音、玩游戏有意思。大学生已经是完全的成年人，教师的管束威慑力并不高，当然也无法采取中小学的没收手机等手段，甚至连责罚都要小心翼翼，假如有学生因为受到责罚而抑郁、甚至有更严重的后果等，在互联网发达的今天，甚至会演变为全民关注的事件，后果不堪设想，显然教师和校方都会极为被动。因此，教师能做的只能是努力想办法调动学生的积极性，将学生的注意力从手機拉回课堂，这表现在教学方式、教学内容讲述的方法、辅助材料的运用与互动等方面。
3.教学模式
从教学模式的角度看，当前高校美术理论课程的主要手段与10年、20年前相比并没有根本性的变化，只是板书的方式大大减少，而多媒体的成分有所增加，仍然以放映PPT讲述为主。如果说20年前多媒体还很新鲜的话，如今已经是大家熟知的东西，教学内容相关再有趣的视频，也可以轻松在网上找到，即便花费上课时间给学生放映，可能很多学生也未必能集中注意力，这种现状给教师带来了更为严峻的挑战，必须在尽可能精选内容的基础上启发学生思考、互动，方能调动学生的学习积极性，营造良好的课堂学习气氛。
单纯从技术手段说，笔者对于VR（虚拟现实）技术抱有厚望，虽然这项技术在前几年轰动一时之后几乎销声匿迹，但只是技术不成熟、成本导致无法普及等原因造成的。随着科技的飞速发展，未来VR技术普及之后，教师或许可以轻松的在课堂上引导学生从不同角度参观美术馆和博物馆，细致观察美术作品、讲解作品，再阐述这些内容背后的故事，相信会更有吸引力。比如在艺用人体解剖课程中，已经有这方面的尝试，“教育部2017年启动‘国家虚拟仿真实验教学项目’建设工作，推动了VR技术在高校实验教学项目改革中的应用探索”。 当然，美术理论教学方面不仅仅需要VR技术的成熟，还需要博物馆、美术馆的数字化配合，可能需要漫长的一段时间。
4.文化基础
由于美术类招生的特殊性，高校美术类专业的学生普遍文化水平略低于普通的文理科学生，特别在语文基础、古汉语基础方面较为薄弱，这一点在专本学科的学生上体现的更为明显。这在平时体现为对于理论类课程、阅读的逃避和兴趣不足;在实践课程中表现为对于撰写课程总结有畏难情绪;在撰写毕业论文时则往往体现为结构混乱、语句不通顺、错别字屡屡出现、格式不规范等等。 这个问题，其实主要是近现代以来产生的。汉代的宫廷画家被称为“黄门画工”，地位不高。唐代情况如何呢？《太平御览》引《旧唐书·阎立本传》记载：“立本虽有应务之才，而尤善图画，工于写真，《秦府十八学士图》及贞观中《凌烟阁功臣图》，并立本之迹也，时人咸称其妙。太宗尝馵侍臣学士泛舟于春苑，池中有异鸟，随波容与，太宗击赏数四，诏座者为咏，召立本令写焉。时阁外传呼云：‘画师’。阎立本时已为主爵郎中，奔走流汗，俯伏池侧，手挥丹粉，瞻望座宾，不胜愧赧。退诫其子曰：‘吾少好读书，幸免墙面，缘情染翰，颇及侪流。惟以丹青见知，躬厮役之务，辱莫大焉！汝宜深诫，勿习此末伎。’” 可见在当时“以丹青见知”对文人来说并非雅事。这种情况在唐末开始有所转变，如五代时的画家荆浩“业儒，博通经史，善属文偶。五季多故，遂退藏不仕，乃隐于太行之洪谷，自号洪谷子”。又如“武宗元，字总之，河南白波人。世业儒，为乡里所重。父道，与丞相文惠公随为布衣交”;“王士元，汝南宛丘人。父仁寿，亦能丹青，事见五朝名画录。至士元尤精其艺。好读书，为儒者”;“高元亨，字彦德，京师人。一名怀宝。端愿拘礼法，尝褒衣大带，引奚奴行，人以儒者视之”;“李成，营丘人。世业儒，为郡名族”。 类似的大量文人也在积极参与绘画，此类现象不可胜举。
宋代的文人以精通书画为雅事，所以文人和画家多有往来，经常组织 “雅集”来交流，比如北宋元丰年间那场最著名的“西园雅集”。李公麟、苏东坡、黄庭坚、米芾、蔡襄、秦观等名流在王诜府中汇聚一堂，李公麟趁兴执笔描绘了这件名作。这种聚会增加了国画中题画诗、画跋等形式内容，同时文人也从自己的角度阐述对绘画的理解，增加了绘画理论的深度。 比如苏轼、杜甫、欧阳修等人都有自己的艺术观点和题画诗等。宋代还有专门的画学，把绘画当做一门学科，画学生入学后除了学习绘画技能之外，还要学习《说文》《尔雅》等古代典籍，提高文化修养。宋代之所以成为中国历史上综合绘画水平最高的时代，和对于文化的整体重视是分不开的。古今中外有很多人，既是著名的美术家，又是美术理论家。罗丹有《罗丹艺术论》，郭熙有《林泉高致》，传说荆浩有《笔法记》，潘天寿先生有《中国绘画史》《听天阁画谈随笔》，黄宾虹先生有《黄山画家源流考》《虹庐画谈》等。当代以来有些画家更多重视实践，对传统文化、传统画论接触的不多，这个问题值得我们重视。
中国画艺术水准的高低，到最后其实比拼的其实就是文化修养，所以仇英只能列在明四家之末，以临摹为能事。本科阶段的学生很难理解这一点，除了反复举例、灌输讲解之外，可以配合大学语文的教学、一些艺术家实践的例子、由学院组织读书活动、要求撰写读书笔记、实践课程的心得体会等办法，提高学生的文化修养，这不但对于美术理论课程有效，对于学生将来撰写毕业论文、走向社会以后写各类文体、在画上题跋、作品的创意构思等都有帮助。
5.师资结构
师资结构方面的问题，与高校美术类专业设置有一定的关系，一些理论课程教师出身纯美术理论专业，实践接触不多或者基本没有接触，和主要进行实践课程方面学习的学生可能会缺乏一些共同语言，在讲述具体的技法、赏析的时候可能也会略显吃力。当然这个并非主要问题，很多不太从事实践的美术理论教师的授课和研究水平也都很高，如果能在纯理论人才的培养方面多增加一些實践课程，效果会更好。
二、不同课程中的互动模式与思考
解决以上问题非朝夕之功，需要综合运用各种办法。以下结合各个理论课程谈一点自己粗浅的理解。
1.《中国美术史》课程
中国美术史是高校美术理论课程中比较基础、重要性和实用性也比较高的一门课程。美术史所涉及的三方面的内容。第一，最基础的层面，美术史上有哪些值得我们记住的美术家、美术作品、风格流派、艺术思潮等等。比如五代宋初有哪些杰出的山水画家？元代的文人画艺术是怎么回事？元四家、明四家、扬州八怪的艺术特色，这些都是第一层面的内容。第二，考察事物的起因和根源，解决的是一个“为什么”的问题。为什么五代宋初的全景山水画、宋代的工笔花鸟画达到了后人无法超越的巅峰？为什么赵孟頫要提倡“古意”？为什么清代会出现“四僧”和个性派风格？为什么工笔花鸟在清代逐渐衰落？等等，这些问题是第二个层面。第三，我们学习美术史，除了了解艺术家、艺术作品，了解这些起因和根源，更重要的是可以结合自己的艺术实践。美术的理论和实践，从来就不是分开的。
中国美术史的内容比较丰富，但是学习难度不大，容易理解，主要是一开始就要引导学生了解和认识这门课，告诉大家美术史要学什么，为什么要学，怎么去学。最关键的一点是让学生知道，历史上的许多知名的中国画家，同时也是大学者，在理论方面卓有建树，比如荆浩、米芾、黄宾虹、潘天寿等等，直到近现代以来，美术理论与实践逐渐被人为割裂，许多画家认为只要把画画好就行，而搞理论的也不怎么接触实践，这是不值得提倡的。在整个美术史教学过程中，一方面采用视频纪录片的播放+交流互动来提高学生的积极性，比如三星堆考古发现、倪瓒、唐寅、徐渭等都是很有意思的题材;另一方面将高清中国画印刷品（比如文物出版社的那套东方画谱，价格便宜，携带方便，也能看清楚细节）展示给学生传看，引导学生与个人的临摹、创作实践相结合。
从教学情况看，绝大多数学生能够掌握中国美术史相关的基础重点内容，但是在基础人文历史知识、文化修养方面仍有不足。可适当增加学生当中阐述个人理解的环节，鼓励学生大胆地讲述自己的观点和想法，增加课堂讨论的环节，互相提意见，互相学习，共同进步。有些学生在课程论文中会有特别的亮点，甚至能写出比较像样的文章，可以鼓励他们修改发表，这些都能促进学生的成长，对于学院的学科建设也很有帮助（学生发表论文数量是一个评价指标）。
2.《美术概论》课程
美术概论的内容包括美术的基本原理、概念、要素和门类，起源与发展、性质和功能、风格和流派与艺术家。通过学习美术概论，可以让学生更加全面深入地学习、理解、掌握美术发展的基本规律，最终目的还是促进艺术实践与创作。《美术概论》上编讲美术的基本原理，包括本质论，美术是什么，美术的特征;创作论，创作主体、创作过程、创作方法、美术作品等等;接受论，从接受欣赏的角度来谈。下编讲发生论、发展论、门类论。重点内容主要集中在上编。 美术概论课程我院是安排在本科一年级的第一学期，也就是刚考进来就会上这门课。该课程涉及的一些内容有一定价值，比如探讨创作方法、创作过程、美术欣赏等等，但最大的问题是这门学科把一些非常简单易懂的道理用过于晦涩、复杂、严谨的词汇来表达，还有一些源自西方的理论，翻译过来让刚刚进入大学校门的美术类学生很难理解，失去学习的兴趣。因此，在整个美术概论教学过程中，经常穿插采用一些美术圈热点问题的视频纪录片的播放+交流互动来提高学生的积极性，引导学生去思考、去树立正确的价值观念、创作理念，比如某名画家流水线作画事件、对大芬村量产油画的思考、波洛克的作品究竟是否无意识、梵高等人作品在相当长时间内的价值与价格背离等等，都是比较能引发兴趣的话题。
3.《中国画论》课程
中国画论，就是中国古代绘画理论的简称。它和中国古代绘画一样，是中国古代社会，主要是长时期封建社会上层建筑意识形态的一个组成部分，也可以说，是中国古代美学思想的具体反映。作为一门需要一定古文功底的理论课，对于以实践为主的美术学科的学生来说，这门课程很容易显得枯燥和乏味，并有相当的难度。但是该课程在本科二年级开设，学生已经有了一定的实践基础经验，所以首先要引导学生，他们自己在表现对象的时候，肯定会思考这些对象应该怎么表现？表达怎样的主题？怎么表现才最美？画画的时候会思考，会把一些想法写下来和大家交流。古人也一样，古人在这方面的思考，就构成了我们中国古代画论的内容。
中国画论的经典内容，都是古人智慧的结晶，对于今天的中国画创作仍然很有意义，比如谢赫的“六法论”到张彦远的解读，荆浩从山水画角度阐述的“气、韵、思、景、笔、墨”，刘道醇的“六要六长”，题款与印章的基础知识等等，这些内容当代的中国画家关注的并不多。在课程中要求学生学习这些理论知识，再结合自己的实践谈体会，或者根据古代的评价标准来进行品评，都是很有意思的尝试，有些学生提交的短文颇有可圈可点之处。
4.《论文写作》课程
毕业论文是本科专业教学计划的重要组成部分，是培养学生综合运用所学基础理论、基本知识和基本技能，提高分析、解决实际问题能力，进行科学研究初步训练的重要教学环节。论文写作辅导课程，主要是让学生了解怎样选题、如何结合自己的兴趣和方向选择指导教师、各专业方向选题库介绍、文献资料的检索和阅读、研究方法、文章基本结构构架、论文格式规范等方面的內容，为接下来的论文写作打下基础。
高校美术学科的学生大多数是以实践为主，这几年在学校学习的专业课也主要是国画、油画等等，对于写文章、写论文，可能接触的不太多，一是觉得和自己的实践关系不大，二是也不知道怎么去下手。写论文第一重要的是选题，一定要选自己喜欢的、熟悉的、有切身体会的，比如你经常接触、经常临摹的，而且选的点要小。这个对于初学者是最容易出问题的，所以在课程上花费一些时间和各位同学来交流选题。然后是确定文章的结构，很多同学的作文基础一般，对于如何把握论文结构，也在摸索提高。查找资料是个重要环节，经过授课，各位同学基本了解了如何通过中国知网、图书馆等途径查找自己需要的材料。文字通顺和文采，是个基本功问题，并非朝夕之功，但是也通过建议大家阅读、写读书笔记等方式来提高。论文的格式是规范化的要求，对于各种格式的细节也进行了详细阐述，但是在具体撰写中，还需要不断的耐心提醒。选择合适的导师才能够更好地指导学生的毕业论文，因此在课程中也很有必要为学生介绍学院各位导师的研究方向。总之，通过课程学生初步了解了学位论文撰写的一些方法，相信对于即将到来的毕业论文写作有一定的帮助。
以上简单谈了一些对于高等学校美术理论教学难处的分析和一些主要课程的浅显思考，其实还有美术理论课程与先修、后继课程及与实践课程的关系，包括课程安排时间与顺序，实践课程、观展、考察配合模式等问题，限于本文篇幅不展开讨论。总之，高等院校的美术理论课程非常重要，但并不像实践课一样能取得立竿见影的效果，其重要性随着时间的推移才会逐渐显现，如何让学生意识到这种重要性，重视和喜爱这类课程，仍然是值得我们研究的问题。
参考文献
[1]陈方.3VR系统条件下艺用人体解剖的实验教学模式探析[J].装饰，2019（03）：130.
[2]李昉，李穆，徐铉等.太平御览卷四百五十八[M].北京：中华书局，2000：195.
[3]刘道醇.圣朝名画评[M].圣朝名画评暨五代名画补遗校注，太原：山西教育出版社，2018.
[4]刘道醇.圣朝名画评暨五代名画补遗研究[M].北京：中华书局，1985.
◆关键词：高等学校教学;美术理论课程
一、当前高等学校美术理论教学存在的难处与问题
高等学校的理论类课程教学，一直是一个难点，特别是给以实践为主的学生开设的理论课，普遍存在学生不爱听、只求考试及格过关的现象，其问题原因大致有以下几点。
1.时代发展
人类社会的发展速度，和知识的传播方式与速度有着密切的关系。中国社会在宋代之前是贵族政治，知识基本掌握在上层贵族手中，普通人即便有钱也往往无法获得自己需要的知识，因此只有像张彦远这样的上层官僚贵族出身的文人才能写出《历代名画记》。魏晋时期实行的九品中正制，也是贵族政治体系的延续。虽然隋唐出现了科举，但是取士极少，很多著名的诗人、文人都难以考中，而宋代科举录用的人数就非常惊人，超过了之前的隋唐和之后的明清。科举人数大幅增加使得庶族地主阶层能够通过考试进入统治阶层，各阶层读书识字的风气大兴，整个社会文化素质明显提高，中国社会进入了文官集团统治时期。这种转变背后的一大原因，就是印刷术的发展和成熟。宋代雕版印刷术已经相当完善，活字印刷也开始出现（虽然因为操作难度和成本并不普及），科举的扩招进一步刺激了印刷行业的高度繁荣，贵族阶层再也无法垄断知识，官僚的主要来源成为了庶族地主阶层。
当代以来的情况则是互联网技术的不断发展，各种基础知识都已经成为全人类可以共同掌握的内容，教师也不再像以前的贵族阶层一样能够垄断知识，学生可以通过书本、互联网等手段获得相关课程的知识，而且还有各种繁多的网络课程，教师在学生眼中正在失去以前的“权威感”。特别是文科类、美术类的各种理论知识，属于自己也可以看懂、可以理解的，所以上课经常忙自己的事情，考试前找重点突击背诵，以过关为目的。
2.普遍心态与重视程度
这一点可以从学生、教师、学院三个层面来分析。
除了专门的美术理论专业之外，其他如美术学（师范类）、绘画、雕塑、设计等方向的学生，均为以实践课程为主，美术理论类课程一般仅占到美术类专业课程（通识类、公共课等不算在内）的10%左右，在本身专业课时间就极为不足的情况下，学生很难重视理论课程。比如美术学师范类，可能人物、山水、花鸟画这样的主要实践课程都只有寥寥几周，连临摹古人经典作品都未必能窥得门径，何况还要写生、创作，即便比较认真的学生，往往也会把课外时间放在画室，而非研读理论。再从心理角度说，实践为主的学生对理论本身存在一定的排斥，完全不重视理论课，觉得对自己的实践并无帮助。这种心态，笔者当年也是中国画专业的学生，所以是十分清楚的。但随着时间的推移，实践中会越来越发现很多理论知识确实是前人的真知灼见，与自己的绘画等创作实践结合，能够融会贯通，很大程度上促进创作的提高。但是对于本科阶段的学生来说，很难理解这一点。
从教师的角度看，笔者当年也经历过在高等学校10年左右的学习，主要的美术理论课程都曾听过，到自己执教，又重新转换身份，以教师的角色再次体验。由于学生普遍不重视的心态，在课堂上当年部分学生的表现为看其他书（如小说）、准备与自身关系更密切的其他内容（如考研英语）等，现在随着科技的发展，看其他书的情况基本很少见了，但坐在后排的学生基本以看手机、玩手机游戏为主。毕竟，再有趣的课程也比不上刷抖音、玩游戏有意思。大学生已经是完全的成年人，教师的管束威慑力并不高，当然也无法采取中小学的没收手机等手段，甚至连责罚都要小心翼翼，假如有学生因为受到责罚而抑郁、甚至有更严重的后果等，在互联网发达的今天，甚至会演变为全民关注的事件，后果不堪设想，显然教师和校方都会极为被动。因此，教师能做的只能是努力想办法调动学生的积极性，将学生的注意力从手機拉回课堂，这表现在教学方式、教学内容讲述的方法、辅助材料的运用与互动等方面。
3.教学模式
从教学模式的角度看，当前高校美术理论课程的主要手段与10年、20年前相比并没有根本性的变化，只是板书的方式大大减少，而多媒体的成分有所增加，仍然以放映PPT讲述为主。如果说20年前多媒体还很新鲜的话，如今已经是大家熟知的东西，教学内容相关再有趣的视频，也可以轻松在网上找到，即便花费上课时间给学生放映，可能很多学生也未必能集中注意力，这种现状给教师带来了更为严峻的挑战，必须在尽可能精选内容的基础上启发学生思考、互动，方能调动学生的学习积极性，营造良好的课堂学习气氛。
单纯从技术手段说，笔者对于VR（虚拟现实）技术抱有厚望，虽然这项技术在前几年轰动一时之后几乎销声匿迹，但只是技术不成熟、成本导致无法普及等原因造成的。随着科技的飞速发展，未来VR技术普及之后，教师或许可以轻松的在课堂上引导学生从不同角度参观美术馆和博物馆，细致观察美术作品、讲解作品，再阐述这些内容背后的故事，相信会更有吸引力。比如在艺用人体解剖课程中，已经有这方面的尝试，“教育部2017年启动‘国家虚拟仿真实验教学项目’建设工作，推动了VR技术在高校实验教学项目改革中的应用探索”。 当然，美术理论教学方面不仅仅需要VR技术的成熟，还需要博物馆、美术馆的数字化配合，可能需要漫长的一段时间。
4.文化基础
由于美术类招生的特殊性，高校美术类专业的学生普遍文化水平略低于普通的文理科学生，特别在语文基础、古汉语基础方面较为薄弱，这一点在专本学科的学生上体现的更为明显。这在平时体现为对于理论类课程、阅读的逃避和兴趣不足;在实践课程中表现为对于撰写课程总结有畏难情绪;在撰写毕业论文时则往往体现为结构混乱、语句不通顺、错别字屡屡出现、格式不规范等等。 这个问题，其实主要是近现代以来产生的。汉代的宫廷画家被称为“黄门画工”，地位不高。唐代情况如何呢？《太平御览》引《旧唐书·阎立本传》记载：“立本虽有应务之才，而尤善图画，工于写真，《秦府十八学士图》及贞观中《凌烟阁功臣图》，并立本之迹也，时人咸称其妙。太宗尝馵侍臣学士泛舟于春苑，池中有异鸟，随波容与，太宗击赏数四，诏座者为咏，召立本令写焉。时阁外传呼云：‘画师’。阎立本时已为主爵郎中，奔走流汗，俯伏池侧，手挥丹粉，瞻望座宾，不胜愧赧。退诫其子曰：‘吾少好读书，幸免墙面，缘情染翰，颇及侪流。惟以丹青见知，躬厮役之务，辱莫大焉！汝宜深诫，勿习此末伎。’” 可见在当时“以丹青见知”对文人来说并非雅事。这种情况在唐末开始有所转变，如五代时的画家荆浩“业儒，博通经史，善属文偶。五季多故，遂退藏不仕，乃隐于太行之洪谷，自号洪谷子”。又如“武宗元，字总之，河南白波人。世业儒，为乡里所重。父道，与丞相文惠公随为布衣交”;“王士元，汝南宛丘人。父仁寿，亦能丹青，事见五朝名画录。至士元尤精其艺。好读书，为儒者”;“高元亨，字彦德，京师人。一名怀宝。端愿拘礼法，尝褒衣大带，引奚奴行，人以儒者视之”;“李成，营丘人。世业儒，为郡名族”。 类似的大量文人也在积极参与绘画，此类现象不可胜举。
宋代的文人以精通书画为雅事，所以文人和画家多有往来，经常组织 “雅集”来交流，比如北宋元丰年间那场最著名的“西园雅集”。李公麟、苏东坡、黄庭坚、米芾、蔡襄、秦观等名流在王诜府中汇聚一堂，李公麟趁兴执笔描绘了这件名作。这种聚会增加了国画中题画诗、画跋等形式内容，同时文人也从自己的角度阐述对绘画的理解，增加了绘画理论的深度。 比如苏轼、杜甫、欧阳修等人都有自己的艺术观点和题画诗等。宋代还有专门的画学，把绘画当做一门学科，画学生入学后除了学习绘画技能之外，还要学习《说文》《尔雅》等古代典籍，提高文化修养。宋代之所以成为中国历史上综合绘画水平最高的时代，和对于文化的整体重视是分不开的。古今中外有很多人，既是著名的美术家，又是美术理论家。罗丹有《罗丹艺术论》，郭熙有《林泉高致》，传说荆浩有《笔法记》，潘天寿先生有《中国绘画史》《听天阁画谈随笔》，黄宾虹先生有《黄山画家源流考》《虹庐画谈》等。当代以来有些画家更多重视实践，对传统文化、传统画论接触的不多，这个问题值得我们重视。
中国画艺术水准的高低，到最后其实比拼的其实就是文化修养，所以仇英只能列在明四家之末，以临摹为能事。本科阶段的学生很难理解这一点，除了反复举例、灌输讲解之外，可以配合大学语文的教学、一些艺术家实践的例子、由学院组织读书活动、要求撰写读书笔记、实践课程的心得体会等办法，提高学生的文化修养，这不但对于美术理论课程有效，对于学生将来撰写毕业论文、走向社会以后写各类文体、在画上题跋、作品的创意构思等都有帮助。
5.师资结构
师资结构方面的问题，与高校美术类专业设置有一定的关系，一些理论课程教师出身纯美术理论专业，实践接触不多或者基本没有接触，和主要进行实践课程方面学习的学生可能会缺乏一些共同语言，在讲述具体的技法、赏析的时候可能也会略显吃力。当然这个并非主要问题，很多不太从事实践的美术理论教师的授课和研究水平也都很高，如果能在纯理论人才的培养方面多增加一些實践课程，效果会更好。
二、不同课程中的互动模式与思考
解决以上问题非朝夕之功，需要综合运用各种办法。以下结合各个理论课程谈一点自己粗浅的理解。
1.《中国美术史》课程
中国美术史是高校美术理论课程中比较基础、重要性和实用性也比较高的一门课程。美术史所涉及的三方面的内容。第一，最基础的层面，美术史上有哪些值得我们记住的美术家、美术作品、风格流派、艺术思潮等等。比如五代宋初有哪些杰出的山水画家？元代的文人画艺术是怎么回事？元四家、明四家、扬州八怪的艺术特色，这些都是第一层面的内容。第二，考察事物的起因和根源，解决的是一个“为什么”的问题。为什么五代宋初的全景山水画、宋代的工笔花鸟画达到了后人无法超越的巅峰？为什么赵孟頫要提倡“古意”？为什么清代会出现“四僧”和个性派风格？为什么工笔花鸟在清代逐渐衰落？等等，这些问题是第二个层面。第三，我们学习美术史，除了了解艺术家、艺术作品，了解这些起因和根源，更重要的是可以结合自己的艺术实践。美术的理论和实践，从来就不是分开的。
中国美术史的内容比较丰富，但是学习难度不大，容易理解，主要是一开始就要引导学生了解和认识这门课，告诉大家美术史要学什么，为什么要学，怎么去学。最关键的一点是让学生知道，历史上的许多知名的中国画家，同时也是大学者，在理论方面卓有建树，比如荆浩、米芾、黄宾虹、潘天寿等等，直到近现代以来，美术理论与实践逐渐被人为割裂，许多画家认为只要把画画好就行，而搞理论的也不怎么接触实践，这是不值得提倡的。在整个美术史教学过程中，一方面采用视频纪录片的播放+交流互动来提高学生的积极性，比如三星堆考古发现、倪瓒、唐寅、徐渭等都是很有意思的题材;另一方面将高清中国画印刷品（比如文物出版社的那套东方画谱，价格便宜，携带方便，也能看清楚细节）展示给学生传看，引导学生与个人的临摹、创作实践相结合。
从教学情况看，绝大多数学生能够掌握中国美术史相关的基础重点内容，但是在基础人文历史知识、文化修养方面仍有不足。可适当增加学生当中阐述个人理解的环节，鼓励学生大胆地讲述自己的观点和想法，增加课堂讨论的环节，互相提意见，互相学习，共同进步。有些学生在课程论文中会有特别的亮点，甚至能写出比较像样的文章，可以鼓励他们修改发表，这些都能促进学生的成长，对于学院的学科建设也很有帮助（学生发表论文数量是一个评价指标）。
2.《美术概论》课程
美术概论的内容包括美术的基本原理、概念、要素和门类，起源与发展、性质和功能、风格和流派与艺术家。通过学习美术概论，可以让学生更加全面深入地学习、理解、掌握美术发展的基本规律，最终目的还是促进艺术实践与创作。《美术概论》上编讲美术的基本原理，包括本质论，美术是什么，美术的特征;创作论，创作主体、创作过程、创作方法、美术作品等等;接受论，从接受欣赏的角度来谈。下编讲发生论、发展论、门类论。重点内容主要集中在上编。 美术概论课程我院是安排在本科一年级的第一学期，也就是刚考进来就会上这门课。该课程涉及的一些内容有一定价值，比如探讨创作方法、创作过程、美术欣赏等等，但最大的问题是这门学科把一些非常简单易懂的道理用过于晦涩、复杂、严谨的词汇来表达，还有一些源自西方的理论，翻译过来让刚刚进入大学校门的美术类学生很难理解，失去学习的兴趣。因此，在整个美术概论教学过程中，经常穿插采用一些美术圈热点问题的视频纪录片的播放+交流互动来提高学生的积极性，引导学生去思考、去树立正确的价值观念、创作理念，比如某名画家流水线作画事件、对大芬村量产油画的思考、波洛克的作品究竟是否无意识、梵高等人作品在相当长时间内的价值与价格背离等等，都是比较能引发兴趣的话题。
3.《中国画论》课程
中国画论，就是中国古代绘画理论的简称。它和中国古代绘画一样，是中国古代社会，主要是长时期封建社会上层建筑意识形态的一个组成部分，也可以说，是中国古代美学思想的具体反映。作为一门需要一定古文功底的理论课，对于以实践为主的美术学科的学生来说，这门课程很容易显得枯燥和乏味，并有相当的难度。但是该课程在本科二年级开设，学生已经有了一定的实践基础经验，所以首先要引导学生，他们自己在表现对象的时候，肯定会思考这些对象应该怎么表现？表达怎样的主题？怎么表现才最美？画画的时候会思考，会把一些想法写下来和大家交流。古人也一样，古人在这方面的思考，就构成了我们中国古代画论的内容。
中国画论的经典内容，都是古人智慧的结晶，对于今天的中国画创作仍然很有意义，比如谢赫的“六法论”到张彦远的解读，荆浩从山水画角度阐述的“气、韵、思、景、笔、墨”，刘道醇的“六要六长”，题款与印章的基础知识等等，这些内容当代的中国画家关注的并不多。在课程中要求学生学习这些理论知识，再结合自己的实践谈体会，或者根据古代的评价标准来进行品评，都是很有意思的尝试，有些学生提交的短文颇有可圈可点之处。
4.《论文写作》课程
毕业论文是本科专业教学计划的重要组成部分，是培养学生综合运用所学基础理论、基本知识和基本技能，提高分析、解决实际问题能力，进行科学研究初步训练的重要教学环节。论文写作辅导课程，主要是让学生了解怎样选题、如何结合自己的兴趣和方向选择指导教师、各专业方向选题库介绍、文献资料的检索和阅读、研究方法、文章基本结构构架、论文格式规范等方面的內容，为接下来的论文写作打下基础。
高校美术学科的学生大多数是以实践为主，这几年在学校学习的专业课也主要是国画、油画等等，对于写文章、写论文，可能接触的不太多，一是觉得和自己的实践关系不大，二是也不知道怎么去下手。写论文第一重要的是选题，一定要选自己喜欢的、熟悉的、有切身体会的，比如你经常接触、经常临摹的，而且选的点要小。这个对于初学者是最容易出问题的，所以在课程上花费一些时间和各位同学来交流选题。然后是确定文章的结构，很多同学的作文基础一般，对于如何把握论文结构，也在摸索提高。查找资料是个重要环节，经过授课，各位同学基本了解了如何通过中国知网、图书馆等途径查找自己需要的材料。文字通顺和文采，是个基本功问题，并非朝夕之功，但是也通过建议大家阅读、写读书笔记等方式来提高。论文的格式是规范化的要求，对于各种格式的细节也进行了详细阐述，但是在具体撰写中，还需要不断的耐心提醒。选择合适的导师才能够更好地指导学生的毕业论文，因此在课程中也很有必要为学生介绍学院各位导师的研究方向。总之，通过课程学生初步了解了学位论文撰写的一些方法，相信对于即将到来的毕业论文写作有一定的帮助。
以上简单谈了一些对于高等学校美术理论教学难处的分析和一些主要课程的浅显思考，其实还有美术理论课程与先修、后继课程及与实践课程的关系，包括课程安排时间与顺序，实践课程、观展、考察配合模式等问题，限于本文篇幅不展开讨论。总之，高等院校的美术理论课程非常重要，但并不像实践课一样能取得立竿见影的效果，其重要性随着时间的推移才会逐渐显现，如何让学生意识到这种重要性，重视和喜爱这类课程，仍然是值得我们研究的问题。
参考文献
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[4]刘道醇.圣朝名画评暨五代名画补遗研究[M].北京：中华书局，1985.