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【摘要】：本文通过在中国画学习过程中，老师“教”与学生“画”的亲身感受，来阐述在绘画过程中，老师所讲授的知识运用到实践中有一定的差距。主要从“用笔，用墨，构图，绘画内涵”四个角度来分析“教”与“画”，同时强调在绘画过程中老师的指导至关重要。中国画绘画有其独特的艺术形式，讲究笔墨自如，注重意境美和绘画者内心的感受。中国画的学习要想达到“人画合一”的境界，需要老师的指导和自身漫长的实践经验积累，勇于创新并勤于思考。
【关键词】：中国画；教；实践；心得
前言
在中国画的学习过程中，让我感受最深的就是老师所讲到的知识，和自身应用到实践中时，是有一定差距的，所以“教”与“画”的过程是两种不同的体验，同时也是相辅相成、缺一不可的过程。中国画的绘画工具是笔、墨、纸、砚，每一种绘画工具细细分来，不仅有使用价值，也是融汇书法、绘画、雕刻和装饰等各种艺术为一体的艺术品，而且具有较高的收藏价值，中国画讲究“气韵生动”“经营位置”“外师造化，中得心源”如何灵活应用并挥洒自如，是老师“教”与学生“画”之间共同努力的目标。
一、用笔的“教”与“画”
在学习中国画的时候，老师把用笔分为“勾、皴、擦、点、染”，并逐一讲解示范。老师在讲授的时候很仔细也很轻松，总觉得老师拿在手中的毛笔都是最好用，可是到了自己画的时候，毛笔便变成了木棍，就会出现以下种种状况。
（一）、“勾”的“教”：指用毛笔在生宣纸上勾勒出所画物体的轮廓，简单勾勒外形，握笔灵活。看着挺容易，好随意。
（二）、“皴”的“教”：指在勾好的外轮廓里以点、线、面的形式画出物体的纹理和走向，老师示范了山的皴法，要一遍一遍由淡到重皴，画的时候顺着山的走向画，好比素描里面五官结构的刻画。
（三）、“擦”的“教”：就是在“勾”和“皴”的基础上用稍微干一点的笔侧锋补充没有皴的画面，类似素描里的五官细节，让画面显更加完善。道理很明确，用笔步骤也很清晰。
（四）、“点”和“染”的“教”：就是在畫面中起着画龙点睛的作用，“点”以碎求整、用笔干脆、横竖尖圆、虚实变化。“染”分用墨和用色两种染法，待墨干了再染，由浅到深增加色彩感。
二、用墨的“教”与“画”
中国画自古笔墨不分家，笔法与墨法相得益彰，相互依存。清代包世臣在《艺舟双楫》中讲到“书法字法，本与笔，成与墨，则墨法尤书艺一大关键也”。墨又分五色，焦、浓、重、淡、清，与水搭档，成不同比例，每一种都有惊喜。在一幅中国画中，墨色的变化也是很讲究。中国画对于一个初学者来说无师自通还是少数。
用墨的“教”：在学习中国画的过程中，老师强调除了用笔的讲究还要注重用墨的变化，笔与墨的结合犹如一场绝妙的舞蹈中少不了音乐的伴奏。画国画用墨时，少不了水，墨色的焦、浓、重、淡、清也是与水作用，并与笔产生的墨色在纸上效果也不同：笔上含墨水多一些，效果苍劲润泽称“渴笔”；笔上含水少一些，效果苍劲老辣，称“枯笔”。怎样把墨与水发挥极致是我绘画作品中一个欠缺的问题，《画谭》里说过“墨法在于用水，以墨为形，水为气，气行，形乃活矣”。
三、构图的“教”与“画”
宋代郭熙在，《林泉高致》中提过：山有三远，自山下而仰山巅，谓之高远、自山前而窥山后，谓之深远、自近山而望远山，谓之平远。中国画构图注重意境美，善于留白，打破透视和空间的规律。中国画的构图一直是国画大师所关注的，内容更是博大精深。由于中国画的构图形式博大玄虚，在学习中国画的时候专门开设了“构图学”這一课，老师给我们重点讲解了国画构图的黄金比例分割，构图主要从“大起大落”“起承转合”“S型”“W型”四种形式来讲，让我们欣赏相对应的画家作品并交上五张相对应构图作品。
（一）、黄金比例分割的“教”：主要讲了“井”字的画法和画面的视觉中心。学习国画构图的第一节课就是按照老师讲的，把纸张以“三七”分的方式把画面分成一个“井”字，并标出交叉的四个点。由四个点形成的“口”字区域就是画面的视觉中心，强调视觉中心有时候并不是一点，可以有多点组成一个中心，在这里还讲到画面要达到平衡，结合了国画大师的作品加以分析。并出了一张作业，以一个啤酒或红酒瓶和两个苹果构成一张作品。
（二）、“大起大落”的“教”：总分、分总的形式，亦上开下合或下开上合。示例大量国画大师作品，其中包括吴昌硕的《牡丹水仙》，画面聚散有序，犹如射线般的视觉感，所画物体富有生命力。
（三）、“起承转合”的“教”：总分总的形式。老师在讲解的时候，主要强调一个“连”字，作品中物与物之间连成一种脉络和气韵，前后呼应。运用到画面实践中似乎没有那么简单，关于这个“连”字。
“起承转合”的“画”：我在处理画面的时候用老师的话就是“散”。就算使画面连在了一起但有好像忽略了“气韵”两字的意境，可谓“道可道，非常道”，其中味道，还是要自己慢慢品味。
（四）、“S”型和“W”型的“教”：和“起承转合”的哲理相似，讲究一个“连”字，拉开空间感，类似中国的太极，阴阳顿挫，两种构图形式细细观赏，会发现画面的平衡感和空间感很强，在画面达到平衡的基础上再分析构图为“S”或“W”型。
“S”型和“W”型的“画”：按照老师讲解的再实践到画面中去，开始注重的只是怎么摆放达到造型形式，从画面上看确实是“W”“S”型，再去欣赏作品，没有可以欣赏品味的地方，发现连基本的用笔和用墨都忘记的一干二净，仅仅也只是有个造型罢了。
四、绘画内涵的“教”与“画”
任何一种画种都有其独特的绘画内涵，内涵是一种“气质”画家自身或绘画内容所表现出来，只可意会不可言传，是自身日积月累对艺术的感悟和思想境界。国画艺术在我国已经有了上千年的历史，由古至今也涌现出了一批又一批的优秀画家，评断优秀画家的标准也是国画艺术所表现出的绘画内涵。每一幅作品都是有生命的，国画讲究意境美，而国画大师善于托物言志，融情于景，一幅优秀的国画作品也是画家内心情感的抒发和展现。
五、结束语
中国画博大精深，学习中国画无师自通毕竟只占少数，少不了老师的指导，但是老师也仅仅起着指导的作用，永远也代替不了学生自己的感悟。在学习中国画的过程中，老师的“教”与学生实践的“画”有出入，一个是有着相对丰富经验的老师，一个是刚踏入起点的初学者，但是另一方面又是相辅相成的过程。我们在实践画的过程中不能总仅仅依靠老师的“教”，中国画的内涵是一种感觉，只可意会不可言传，在老师的指导之下自己不断用心去感受，反复揣摩，量的积累才有质的飞越。
参考文献：
[1]朱振庚.浅谈中国画的用笔[J].美术研究，1981（3）.
[2]李可染.漫谈山水画[M].上海：上海文艺出版社，1985.
[3]郭熙.林泉高致[M].天津：天津科学技术出版社，1981.
[4]宗白华.美学散步[M].上海人民出版社，1981.
[5]王国维.中国美学史资料选编[M].北京：中华书局，1986.
[6]宗炳.画山水序[M].北京：人民美术出版社，1985.
【关键词】：中国画；教；实践；心得
前言
在中国画的学习过程中，让我感受最深的就是老师所讲到的知识，和自身应用到实践中时，是有一定差距的，所以“教”与“画”的过程是两种不同的体验，同时也是相辅相成、缺一不可的过程。中国画的绘画工具是笔、墨、纸、砚，每一种绘画工具细细分来，不仅有使用价值，也是融汇书法、绘画、雕刻和装饰等各种艺术为一体的艺术品，而且具有较高的收藏价值，中国画讲究“气韵生动”“经营位置”“外师造化，中得心源”如何灵活应用并挥洒自如，是老师“教”与学生“画”之间共同努力的目标。
一、用笔的“教”与“画”
在学习中国画的时候，老师把用笔分为“勾、皴、擦、点、染”，并逐一讲解示范。老师在讲授的时候很仔细也很轻松，总觉得老师拿在手中的毛笔都是最好用，可是到了自己画的时候，毛笔便变成了木棍，就会出现以下种种状况。
（一）、“勾”的“教”：指用毛笔在生宣纸上勾勒出所画物体的轮廓，简单勾勒外形，握笔灵活。看着挺容易，好随意。
（二）、“皴”的“教”：指在勾好的外轮廓里以点、线、面的形式画出物体的纹理和走向，老师示范了山的皴法，要一遍一遍由淡到重皴，画的时候顺着山的走向画，好比素描里面五官结构的刻画。
（三）、“擦”的“教”：就是在“勾”和“皴”的基础上用稍微干一点的笔侧锋补充没有皴的画面，类似素描里的五官细节，让画面显更加完善。道理很明确，用笔步骤也很清晰。
（四）、“点”和“染”的“教”：就是在畫面中起着画龙点睛的作用，“点”以碎求整、用笔干脆、横竖尖圆、虚实变化。“染”分用墨和用色两种染法，待墨干了再染，由浅到深增加色彩感。
二、用墨的“教”与“画”
中国画自古笔墨不分家，笔法与墨法相得益彰，相互依存。清代包世臣在《艺舟双楫》中讲到“书法字法，本与笔，成与墨，则墨法尤书艺一大关键也”。墨又分五色，焦、浓、重、淡、清，与水搭档，成不同比例，每一种都有惊喜。在一幅中国画中，墨色的变化也是很讲究。中国画对于一个初学者来说无师自通还是少数。
用墨的“教”：在学习中国画的过程中，老师强调除了用笔的讲究还要注重用墨的变化，笔与墨的结合犹如一场绝妙的舞蹈中少不了音乐的伴奏。画国画用墨时，少不了水，墨色的焦、浓、重、淡、清也是与水作用，并与笔产生的墨色在纸上效果也不同：笔上含墨水多一些，效果苍劲润泽称“渴笔”；笔上含水少一些，效果苍劲老辣，称“枯笔”。怎样把墨与水发挥极致是我绘画作品中一个欠缺的问题，《画谭》里说过“墨法在于用水，以墨为形，水为气，气行，形乃活矣”。
三、构图的“教”与“画”
宋代郭熙在，《林泉高致》中提过：山有三远，自山下而仰山巅，谓之高远、自山前而窥山后，谓之深远、自近山而望远山，谓之平远。中国画构图注重意境美，善于留白，打破透视和空间的规律。中国画的构图一直是国画大师所关注的，内容更是博大精深。由于中国画的构图形式博大玄虚，在学习中国画的时候专门开设了“构图学”這一课，老师给我们重点讲解了国画构图的黄金比例分割，构图主要从“大起大落”“起承转合”“S型”“W型”四种形式来讲，让我们欣赏相对应的画家作品并交上五张相对应构图作品。
（一）、黄金比例分割的“教”：主要讲了“井”字的画法和画面的视觉中心。学习国画构图的第一节课就是按照老师讲的，把纸张以“三七”分的方式把画面分成一个“井”字，并标出交叉的四个点。由四个点形成的“口”字区域就是画面的视觉中心，强调视觉中心有时候并不是一点，可以有多点组成一个中心，在这里还讲到画面要达到平衡，结合了国画大师的作品加以分析。并出了一张作业，以一个啤酒或红酒瓶和两个苹果构成一张作品。
（二）、“大起大落”的“教”：总分、分总的形式，亦上开下合或下开上合。示例大量国画大师作品，其中包括吴昌硕的《牡丹水仙》，画面聚散有序，犹如射线般的视觉感，所画物体富有生命力。
（三）、“起承转合”的“教”：总分总的形式。老师在讲解的时候，主要强调一个“连”字，作品中物与物之间连成一种脉络和气韵，前后呼应。运用到画面实践中似乎没有那么简单，关于这个“连”字。
“起承转合”的“画”：我在处理画面的时候用老师的话就是“散”。就算使画面连在了一起但有好像忽略了“气韵”两字的意境，可谓“道可道，非常道”，其中味道，还是要自己慢慢品味。
（四）、“S”型和“W”型的“教”：和“起承转合”的哲理相似，讲究一个“连”字，拉开空间感，类似中国的太极，阴阳顿挫，两种构图形式细细观赏，会发现画面的平衡感和空间感很强，在画面达到平衡的基础上再分析构图为“S”或“W”型。
“S”型和“W”型的“画”：按照老师讲解的再实践到画面中去，开始注重的只是怎么摆放达到造型形式，从画面上看确实是“W”“S”型，再去欣赏作品，没有可以欣赏品味的地方，发现连基本的用笔和用墨都忘记的一干二净，仅仅也只是有个造型罢了。
四、绘画内涵的“教”与“画”
任何一种画种都有其独特的绘画内涵，内涵是一种“气质”画家自身或绘画内容所表现出来，只可意会不可言传，是自身日积月累对艺术的感悟和思想境界。国画艺术在我国已经有了上千年的历史，由古至今也涌现出了一批又一批的优秀画家，评断优秀画家的标准也是国画艺术所表现出的绘画内涵。每一幅作品都是有生命的，国画讲究意境美，而国画大师善于托物言志，融情于景，一幅优秀的国画作品也是画家内心情感的抒发和展现。
五、结束语
中国画博大精深，学习中国画无师自通毕竟只占少数，少不了老师的指导，但是老师也仅仅起着指导的作用，永远也代替不了学生自己的感悟。在学习中国画的过程中，老师的“教”与学生实践的“画”有出入，一个是有着相对丰富经验的老师，一个是刚踏入起点的初学者，但是另一方面又是相辅相成的过程。我们在实践画的过程中不能总仅仅依靠老师的“教”，中国画的内涵是一种感觉，只可意会不可言传，在老师的指导之下自己不断用心去感受，反复揣摩，量的积累才有质的飞越。
参考文献：
[1]朱振庚.浅谈中国画的用笔[J].美术研究，1981（3）.
[2]李可染.漫谈山水画[M].上海：上海文艺出版社，1985.
[3]郭熙.林泉高致[M].天津：天津科学技术出版社，1981.
[4]宗白华.美学散步[M].上海人民出版社，1981.
[5]王国维.中国美学史资料选编[M].北京：中华书局，1986.
[6]宗炳.画山水序[M].北京：人民美术出版社，1985.