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《醒·狮》在上海东方艺术中心上演，参加第十二届中国艺术节展演，并作为唯一代表广东省出征的剧目竞逐第十六届文华奖。在两个小时的演出中，该剧取得了震撼的效果，上海观众反映热烈，从剧中深深感受到精神的力量和艺术的魅力。舞剧用出色的艺术手法和表演技巧，倾倒了全场观众。
觉醒的灵魂
舞剧《醒·狮》以一百多年前的鸦片战争为故事背景，以三元里抗英起义为高潮，以今日的醒狮人回望先辈的历程为引子，对百年前的历史轨迹进行回忆。叙事主线按照阿醒母子与阿龙兄妹相遇、争霸，最后经历战乱携手反抗外敌的顺序推进。在序幕和尾声加入现代情景，从而揭示出醒狮文化生生不息，文化传统代代相传，民族精神发扬光大的历史与前景。
《醒·狮》的编剧罗丽说得好：“所有的沉睡，都只是为了那一朝的觉醒。”该剧以“醒”为神，以“狮”为形，以民族觉醒为主旨，讲述两位舞狮少年面对爱恨情仇、家国大义时的人生选择与自我觉醒的过程。舞剧围绕着“觉醒”进行叙事题材的铺排，表现穷孩子阿醒与富少爷阿龙在争霸中，阿醒从母亲的诉说中了解到家族的前世，解读醒狮武术的真传，从而完成了第一重“觉醒”——对尚武真谛的领悟。故事继续展开，外敌铁蹄践踏中国河山，阿醒站出来面对外敌的侵略，英勇抗争，无所畏惧。阿龙从妹妹凤儿和阿醒之父的牺牲中醒悟过来，懂得只有抗争才能维护民族尊严，于是延续凤儿和阿醒之父的道路，带领民众起义。舞剧至此完成了第二重“觉醒”——在外敌入侵中不屈不挠、奋勇反击。《醒·狮》通过两位男主角和一位女主角的觉醒与蜕变，反映了南粤儿女大无畏的抗争精神，展现了中华民族从觉醒和反抗中获得尊严和力量。我们也可以说，一朝的觉醒，正是为了驱走千年的沉睡。
舞剧《醒·狮》是一个关于广州的故事，但也不仅仅是一个关于广州的故事，因为故事彰显的不仅仅是广州精神，而是中华民族的精神，是一个觉醒民族的灵魂。剧目通过醒狮精神的传递，不仅能让本土观众感受到岭南文化的力量，而且能让全国观众感受到民族精神的伟力。拿破仑说过，中国是一头沉睡的狮子，当这头睡狮醒来时，世界都会为之发抖。中国这头东方之狮早已苏醒了，这头苏醒的狮子，对朋友来说，是一头和蔼可亲的、文明有礼的狮子;对于入侵者来说，则是一头令人畏惧的、无法战胜的狮神。
岭南本色
舞剧《醒·狮》以狮为题材编排情节，但这些狮子绝不仅仅是作为民间民俗艺术和竞技武术而出现。广州歌舞剧院院长、《醒·狮》的总导演史前进说过：“舞剧《醒·狮》是以舞蹈特有的肢体语汇糅合醒狮的技巧精髓而进行创作，以期对南粤传统文化进行一次创造性转化和创新性传承。面对作为本土非遗代表之作的醒狮、南拳、木鱼说唱、粤曲，主创人员怀着敬畏之心，带着传承发展之意，以舞蹈语汇将传统文化进行现代演绎，为广大观众提供一部名副其实的艺术精品。”
的确如此，舞剧《醒·狮》以南狮为神，兼取南拳、木鱼说唱等诸多南粤非遗项目作为创作元素，取其形、塑其神，充分体现本土优秀传统文化的再创造。剧中最大的亮点和创意就是舞蹈与武术的结合，这种舞蹈与武术融为一体的艺术，对演员提出了很高的要求，演员既要舞动几斤重的狮头，又要做各种跳跃和技巧动作，还要展示自己的舞姿，难度很大，但演员们凭着忍耐、坚持、毅力，逐一把困难克服。为了使剧中的岭南符号达到艺术化的境地，剧组专门在剧情中安排了一段长凳舞，把象征武术的符号长凳和舞蹈有机地结合起来，演员在长凳上旋转起舞，长凳时而在演员的脚下，时而在演员的手中，一条长凳就是演员身上的一种道具、一种寄托。值得称道的是，在長凳舞的男群舞中，演员们整齐划一的动作，伸展自如的手势，强劲有力的招式，尽显男子汉的刚阳之气。而特别吸引观众眼球的是，在长凳舞的双人舞中，饰演阿醒的高德瑞和饰演凤儿的胡图兰，既表现出高超的舞蹈技巧，又显露出丰富的感情世界，他们的内心世界通过舞蹈语汇表达得淋漓尽致。俩人在长凳上展现的舞姿，简直如行云流水，魅力非凡。
剧组在舞蹈技巧的创新方面，尝试将民族舞蹈与传统舞狮两种不同的艺术形式相融合，将南拳马步以及南派醒狮特有的腾、挪、闪、扑、回旋、飞跃等难度技巧有机汇入舞蹈语言，使整台舞剧充满力与美的张力。剧中，舞狮演员的动作多以南拳马步为主，为了使演员熟习南拳，剧组请来了全国武术冠军马小斌担任武术指导，一招一式都按武术的要求来训练舞蹈演员。舞剧中呈现的咏春拳、洪拳、蔡李佛拳等南派拳法，都是演员们经过刻苦学习逐步掌握的。对于舞狮技能的练习也是如此，剧组特意请来了广州工人醒狮协会会长、南狮王之子赵伟斌担任指导老师，对演员进行全方位的培训，使演员对舞狮的每一个动作都十分熟练，表现时既有舞狮的特征，又有高超的舞蹈技巧，令观众大饱眼福。观众看到，阿醒的饰演者高德瑞和龙少的饰演者依力凡，其熟练的南拳马步和舞狮本领，完全可以跟正宗的武林弟子媲美。可以说，这部舞剧在艺术风格上，既体现了浓郁的岭南本色和广州特点，又强烈地展示了醒狮文化的精神内涵。
工匠精神
舞剧《醒·狮》的创作过程也是工匠精神的一次展现。所谓工匠精神，就是一丝不苟的精神，就是致力于弘扬传统艺术的精神。比如狮头的制作，就需要匠心独运，如果随便找几只普普通通的狮头，或者找几只压模的狮头，那就无法彰显岭南工艺的特色。剧组了解到，25年前拍摄的电影《黄飞鸿之三：狮王争霸》，影片中黄飞鸿手中舞动的狮头就是来自佛山黎氏传人。黎氏创制的黎家狮起源于清代道光年间，历史达180多年，是广东的金字招牌，广东各地订购狮头时都认准黎家狮。舞剧《醒·狮》中用到的所有狮头，均由剧组委托佛山黎家狮第五代传承人量身制作，这种狮头造型饱满，形象温和，纯手工编扎，特别是舞台上出现的“白金狮头”，是全剧的核心道具，制作工艺精致复杂，需要经过大大小小1000多道工序才能完成。
制作狮头的工匠需要有一丝不苟的精神，饰演角色的演员也要有细致入微的工匠精神。演员在台上的每一个动作，都要让观众有“真”的感觉，而不是“假”的造作。比如演员闫一研，在《醒·狮》中饰演阿醒的母亲，她要把扎制狮头的技巧呈现给观众。为此，她专门到佛山去体验生活，一头扎到工场中，详细观察扎制狮头的过程，从一个骨架的编扎，到有了五官，然后上色、糊纸，都亲身体验一次。当然，艺术源于生活又高于生活，将生活中的东西搬上舞台需要加工提炼，但这种提炼需要有生活的基础，一个演员的表演做到既生活化又艺术化，才是成功的创造。 舞台上，一个狮头从无到有，从骨架到成形，观众既看到工艺美，又看到艺术美，执着的工匠精神变成剧情的催化剂，既推动了剧情的发展，又满足了观众的审美需求。
多元艺术荟萃
在舞剧《醒·狮》中，观众看到了不一样的岭南文化诠释方式。众所周知，岭南文化由多种元素组成，其开放性、包容性、创新性是它的主要特征，而它在文化艺术上的多样性，又极大地丰富了传统与现代文化的表现方式。
《醒·狮》提炼出来的舞蹈语汇与醒狮文化是密切相关的，而醒狮文化又与南拳紧密相连，演员在舞台上不能把南拳原封不动地展现出来，那样就成了武术表演而不是舞蹈表演。主创人员想方设法把南拳中的典型素材进行加工提炼，舍其“形”而取其“神”，不追求形似而追求神似，创造出醒狮文化中一种独特的舞蹈语汇，这种语汇代表着一种精神、一种激情、一种灵感的昭示。
在舞美的设计方面，主创人员对舞剧时空的营造具有简约的当代意识，他们用与众不同的视觉元素营造舞台氛围，使之既能驾驭宏大的叙事，也能掌控细节的精雕细刻。剧组选择用素色狮头龙骨解构重组的方式来构建富有象征意义的舞台场景，在舞剧的最后时刻，醒狮完美组合睁开眼睛的瞬间，令观众眼前一亮，起到了不同寻常的舞台效果。这种简约、朴实的舞美设计，起到虚实结合、简洁大方、情景交融的作用。当然，在简约的设计中也不能太抽象，有些场景展现需要具象的方式，比如在制作材料和制作方式的设计上，剧组就刻意打造一种纯手工制作的程式，表现出工艺精良的特质和大众的审美需求。
在舞剧《醒·狮》中，服饰设计也是舞美的一个重要内容，纵观全剧，主创人员沿用简洁的设计方式，令所有服饰均朴实无华，全剧看不到色彩艳丽的装束。当然，不讲究色彩斑斓并不意味着服饰没有特点，相反的，主创人员非常重视服装的时代感，尽量使每个角色穿着的每套服装都具有特定历史时期的特点。他们为了区别穿着相同衣服的不同人物，特意在各自人物的腰带上采用不同的颜色配置，通过腰带颜色的不同彰显出不同人物的个性。
该剧在音乐风格的定位上，基于两个方面的思考：一是全剧音乐一定要具有浓郁的岭南地方特色，注重广东音乐典型器乐的使用;二是把“鼓”作为狮舞中的主要乐器，加上锣、钹，形成锣鼓喧天、排山倒海之势。剧目先以浓郁的岭南地方音乐开始展现剧情，然后随着剧情的发展而添加新的音乐元素，形成一种以岭南音乐为主，其他音乐密切配合的多元音乐，这种音乐既是岭南的，又是国际化的。主创人员十分擅长把生活小景和自然景物所散播的岭南曲风与狮鼓呈现巧妙地结合起来，构成这部舞剧的鲜明音乐特色。为了突出“鼓”的作用，剧中还设计了一段“狮”与“鼓”的互动，由男演员舞动狮头，女演员击鼓助威，给观众一种力与美的综合感。舞台上的鼓点，打得简直有点出神入化，鼓点中加上适量舞蹈动作，给观众带来听觉和视觉上的享受。而男演员在鼓声中舞动的狮头，更是给人一种气势磅礴的感觉，那不是一段平常的舞狮，而是一段触动灵魂的狮舞。
灯光设计在《醒·狮》一剧中也起到重要作用，它丰富了整个舞台的艺术呈现。剧中，灯光设计师打破表面化的装饰效果，尽量做到用色单纯，突出单一美感，不去渲染光色对比而注重光色调本身色阶的强弱变化。在配合单人舞、双人舞、四人舞的表演时，灯光的处理尤为注重简洁单一，去除任何多余的光色干扰。为了充分展示剧中人物的命运，突出每一个个体在光造型中的形态，灯光做到紧紧依附在人物身上，从动态的布光结构中揭示人物的内心矛盾與情感世界。可以说，本剧在灯光的运用上是别出心裁的，它在显示环境、渲染气氛、突出中心人物、创造舞台空间感和时间感方面起到举足轻重的作用。
我们可以说，舞剧《醒·狮》是一部既有民族精神内涵，又有地方风情，还具有艺术创新风格的优秀作品，可喜可贺。
觉醒的灵魂
舞剧《醒·狮》以一百多年前的鸦片战争为故事背景，以三元里抗英起义为高潮，以今日的醒狮人回望先辈的历程为引子，对百年前的历史轨迹进行回忆。叙事主线按照阿醒母子与阿龙兄妹相遇、争霸，最后经历战乱携手反抗外敌的顺序推进。在序幕和尾声加入现代情景，从而揭示出醒狮文化生生不息，文化传统代代相传，民族精神发扬光大的历史与前景。
《醒·狮》的编剧罗丽说得好：“所有的沉睡，都只是为了那一朝的觉醒。”该剧以“醒”为神，以“狮”为形，以民族觉醒为主旨，讲述两位舞狮少年面对爱恨情仇、家国大义时的人生选择与自我觉醒的过程。舞剧围绕着“觉醒”进行叙事题材的铺排，表现穷孩子阿醒与富少爷阿龙在争霸中，阿醒从母亲的诉说中了解到家族的前世，解读醒狮武术的真传，从而完成了第一重“觉醒”——对尚武真谛的领悟。故事继续展开，外敌铁蹄践踏中国河山，阿醒站出来面对外敌的侵略，英勇抗争，无所畏惧。阿龙从妹妹凤儿和阿醒之父的牺牲中醒悟过来，懂得只有抗争才能维护民族尊严，于是延续凤儿和阿醒之父的道路，带领民众起义。舞剧至此完成了第二重“觉醒”——在外敌入侵中不屈不挠、奋勇反击。《醒·狮》通过两位男主角和一位女主角的觉醒与蜕变，反映了南粤儿女大无畏的抗争精神，展现了中华民族从觉醒和反抗中获得尊严和力量。我们也可以说，一朝的觉醒，正是为了驱走千年的沉睡。
舞剧《醒·狮》是一个关于广州的故事，但也不仅仅是一个关于广州的故事，因为故事彰显的不仅仅是广州精神，而是中华民族的精神，是一个觉醒民族的灵魂。剧目通过醒狮精神的传递，不仅能让本土观众感受到岭南文化的力量，而且能让全国观众感受到民族精神的伟力。拿破仑说过，中国是一头沉睡的狮子，当这头睡狮醒来时，世界都会为之发抖。中国这头东方之狮早已苏醒了，这头苏醒的狮子，对朋友来说，是一头和蔼可亲的、文明有礼的狮子;对于入侵者来说，则是一头令人畏惧的、无法战胜的狮神。
岭南本色
舞剧《醒·狮》以狮为题材编排情节，但这些狮子绝不仅仅是作为民间民俗艺术和竞技武术而出现。广州歌舞剧院院长、《醒·狮》的总导演史前进说过：“舞剧《醒·狮》是以舞蹈特有的肢体语汇糅合醒狮的技巧精髓而进行创作，以期对南粤传统文化进行一次创造性转化和创新性传承。面对作为本土非遗代表之作的醒狮、南拳、木鱼说唱、粤曲，主创人员怀着敬畏之心，带着传承发展之意，以舞蹈语汇将传统文化进行现代演绎，为广大观众提供一部名副其实的艺术精品。”
的确如此，舞剧《醒·狮》以南狮为神，兼取南拳、木鱼说唱等诸多南粤非遗项目作为创作元素，取其形、塑其神，充分体现本土优秀传统文化的再创造。剧中最大的亮点和创意就是舞蹈与武术的结合，这种舞蹈与武术融为一体的艺术，对演员提出了很高的要求，演员既要舞动几斤重的狮头，又要做各种跳跃和技巧动作，还要展示自己的舞姿，难度很大，但演员们凭着忍耐、坚持、毅力，逐一把困难克服。为了使剧中的岭南符号达到艺术化的境地，剧组专门在剧情中安排了一段长凳舞，把象征武术的符号长凳和舞蹈有机地结合起来，演员在长凳上旋转起舞，长凳时而在演员的脚下，时而在演员的手中，一条长凳就是演员身上的一种道具、一种寄托。值得称道的是，在長凳舞的男群舞中，演员们整齐划一的动作，伸展自如的手势，强劲有力的招式，尽显男子汉的刚阳之气。而特别吸引观众眼球的是，在长凳舞的双人舞中，饰演阿醒的高德瑞和饰演凤儿的胡图兰，既表现出高超的舞蹈技巧，又显露出丰富的感情世界，他们的内心世界通过舞蹈语汇表达得淋漓尽致。俩人在长凳上展现的舞姿，简直如行云流水，魅力非凡。
剧组在舞蹈技巧的创新方面，尝试将民族舞蹈与传统舞狮两种不同的艺术形式相融合，将南拳马步以及南派醒狮特有的腾、挪、闪、扑、回旋、飞跃等难度技巧有机汇入舞蹈语言，使整台舞剧充满力与美的张力。剧中，舞狮演员的动作多以南拳马步为主，为了使演员熟习南拳，剧组请来了全国武术冠军马小斌担任武术指导，一招一式都按武术的要求来训练舞蹈演员。舞剧中呈现的咏春拳、洪拳、蔡李佛拳等南派拳法，都是演员们经过刻苦学习逐步掌握的。对于舞狮技能的练习也是如此，剧组特意请来了广州工人醒狮协会会长、南狮王之子赵伟斌担任指导老师，对演员进行全方位的培训，使演员对舞狮的每一个动作都十分熟练，表现时既有舞狮的特征，又有高超的舞蹈技巧，令观众大饱眼福。观众看到，阿醒的饰演者高德瑞和龙少的饰演者依力凡，其熟练的南拳马步和舞狮本领，完全可以跟正宗的武林弟子媲美。可以说，这部舞剧在艺术风格上，既体现了浓郁的岭南本色和广州特点，又强烈地展示了醒狮文化的精神内涵。
工匠精神
舞剧《醒·狮》的创作过程也是工匠精神的一次展现。所谓工匠精神，就是一丝不苟的精神，就是致力于弘扬传统艺术的精神。比如狮头的制作，就需要匠心独运，如果随便找几只普普通通的狮头，或者找几只压模的狮头，那就无法彰显岭南工艺的特色。剧组了解到，25年前拍摄的电影《黄飞鸿之三：狮王争霸》，影片中黄飞鸿手中舞动的狮头就是来自佛山黎氏传人。黎氏创制的黎家狮起源于清代道光年间，历史达180多年，是广东的金字招牌，广东各地订购狮头时都认准黎家狮。舞剧《醒·狮》中用到的所有狮头，均由剧组委托佛山黎家狮第五代传承人量身制作，这种狮头造型饱满，形象温和，纯手工编扎，特别是舞台上出现的“白金狮头”，是全剧的核心道具，制作工艺精致复杂，需要经过大大小小1000多道工序才能完成。
制作狮头的工匠需要有一丝不苟的精神，饰演角色的演员也要有细致入微的工匠精神。演员在台上的每一个动作，都要让观众有“真”的感觉，而不是“假”的造作。比如演员闫一研，在《醒·狮》中饰演阿醒的母亲，她要把扎制狮头的技巧呈现给观众。为此，她专门到佛山去体验生活，一头扎到工场中，详细观察扎制狮头的过程，从一个骨架的编扎，到有了五官，然后上色、糊纸，都亲身体验一次。当然，艺术源于生活又高于生活，将生活中的东西搬上舞台需要加工提炼，但这种提炼需要有生活的基础，一个演员的表演做到既生活化又艺术化，才是成功的创造。 舞台上，一个狮头从无到有，从骨架到成形，观众既看到工艺美，又看到艺术美，执着的工匠精神变成剧情的催化剂，既推动了剧情的发展，又满足了观众的审美需求。
多元艺术荟萃
在舞剧《醒·狮》中，观众看到了不一样的岭南文化诠释方式。众所周知，岭南文化由多种元素组成，其开放性、包容性、创新性是它的主要特征，而它在文化艺术上的多样性，又极大地丰富了传统与现代文化的表现方式。
《醒·狮》提炼出来的舞蹈语汇与醒狮文化是密切相关的，而醒狮文化又与南拳紧密相连，演员在舞台上不能把南拳原封不动地展现出来，那样就成了武术表演而不是舞蹈表演。主创人员想方设法把南拳中的典型素材进行加工提炼，舍其“形”而取其“神”，不追求形似而追求神似，创造出醒狮文化中一种独特的舞蹈语汇，这种语汇代表着一种精神、一种激情、一种灵感的昭示。
在舞美的设计方面，主创人员对舞剧时空的营造具有简约的当代意识，他们用与众不同的视觉元素营造舞台氛围，使之既能驾驭宏大的叙事，也能掌控细节的精雕细刻。剧组选择用素色狮头龙骨解构重组的方式来构建富有象征意义的舞台场景，在舞剧的最后时刻，醒狮完美组合睁开眼睛的瞬间，令观众眼前一亮，起到了不同寻常的舞台效果。这种简约、朴实的舞美设计，起到虚实结合、简洁大方、情景交融的作用。当然，在简约的设计中也不能太抽象，有些场景展现需要具象的方式，比如在制作材料和制作方式的设计上，剧组就刻意打造一种纯手工制作的程式，表现出工艺精良的特质和大众的审美需求。
在舞剧《醒·狮》中，服饰设计也是舞美的一个重要内容，纵观全剧，主创人员沿用简洁的设计方式，令所有服饰均朴实无华，全剧看不到色彩艳丽的装束。当然，不讲究色彩斑斓并不意味着服饰没有特点，相反的，主创人员非常重视服装的时代感，尽量使每个角色穿着的每套服装都具有特定历史时期的特点。他们为了区别穿着相同衣服的不同人物，特意在各自人物的腰带上采用不同的颜色配置，通过腰带颜色的不同彰显出不同人物的个性。
该剧在音乐风格的定位上，基于两个方面的思考：一是全剧音乐一定要具有浓郁的岭南地方特色，注重广东音乐典型器乐的使用;二是把“鼓”作为狮舞中的主要乐器，加上锣、钹，形成锣鼓喧天、排山倒海之势。剧目先以浓郁的岭南地方音乐开始展现剧情，然后随着剧情的发展而添加新的音乐元素，形成一种以岭南音乐为主，其他音乐密切配合的多元音乐，这种音乐既是岭南的，又是国际化的。主创人员十分擅长把生活小景和自然景物所散播的岭南曲风与狮鼓呈现巧妙地结合起来，构成这部舞剧的鲜明音乐特色。为了突出“鼓”的作用，剧中还设计了一段“狮”与“鼓”的互动，由男演员舞动狮头，女演员击鼓助威，给观众一种力与美的综合感。舞台上的鼓点，打得简直有点出神入化，鼓点中加上适量舞蹈动作，给观众带来听觉和视觉上的享受。而男演员在鼓声中舞动的狮头，更是给人一种气势磅礴的感觉，那不是一段平常的舞狮，而是一段触动灵魂的狮舞。
灯光设计在《醒·狮》一剧中也起到重要作用，它丰富了整个舞台的艺术呈现。剧中，灯光设计师打破表面化的装饰效果，尽量做到用色单纯，突出单一美感，不去渲染光色对比而注重光色调本身色阶的强弱变化。在配合单人舞、双人舞、四人舞的表演时，灯光的处理尤为注重简洁单一，去除任何多余的光色干扰。为了充分展示剧中人物的命运，突出每一个个体在光造型中的形态，灯光做到紧紧依附在人物身上，从动态的布光结构中揭示人物的内心矛盾與情感世界。可以说，本剧在灯光的运用上是别出心裁的，它在显示环境、渲染气氛、突出中心人物、创造舞台空间感和时间感方面起到举足轻重的作用。
我们可以说，舞剧《醒·狮》是一部既有民族精神内涵，又有地方风情，还具有艺术创新风格的优秀作品，可喜可贺。