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视觉叙事重构当代艺术语言范式出现的新视角，使镜头后艺术家的眼睛与观众行为情绪的解读更加具有关联性。图像大爆炸时代下言语描述与形象塑造转向观念维度，从艺术中获得什么远比在艺术中描述什么要有实质现实性意义。伴随新媒体视觉艺术的兴起，当代艺术作品文本视野投向公共领域，成为一种社会舆论，特殊个人指涉因素进入具体语境与以自我解剖批判立场彰显当代艺术视觉文化观念转向的真实存在感和创新合理性。
当代艺术内在视觉换位思考其拒绝停留在形式语言的外壳进入所谓的当代性，离开诗学乌托邦及个人情感宣泄的宏大叙事模式，艺术观念转向社会问题情境。介入与批判的艺术思想源头清理现成品或符号学的“无聊艺术”，借助特定语境及艺术现场，不再是对纯然之物单纯的模仿再现，而是介入生活的批判性艺术，是对人们各种行为学的思考。犹如“中国符号艺术”回归到“中国问题情境”，需要介入中国现场，语言功能介入社会功能，用本土社会的丰富性打破中国当代艺术单一性的符号解读，其解释生活的力量就越加明显和深刻并具有强烈的社会舆论批判，缩小观众与艺术家的陌生化。我曾有幸读到约翰·凯奇的钢琴曲《四分三十三秒》：“演奏家走上舞台，打开琴谱，端坐好，四分三十三秒内手指没有触碰一下琴键，一直静静地坐着，头十秒钟大家在等待，有可能这个钢琴师他在酝酿情感，慢慢地有了一些躁动，有人打哈欠了，有各种各样的声音，到四分三十三秒，钢琴师起来收好琴谱，盖上琴盖说‘我的演出完了’，走了。全场莫名其妙，但安静下来后，所有观众体会到，虽然那一刻什么声音也没有，但他们听到琴键以外的声音，自己的心跳、呼吸、小声议论、些许的烦躁，所有的这一切都变成四分三十三秒音乐的组成部分”。使“不会说话的语言”成为一种尺度，用以衡量理性的自由在交流方式中力求在一种完整的自然中确认自己，使人处于自己的自然状态。
新兴图像摄影技术及网络文化雷同占据了艺术原创空间领域的思路，复制、模仿等机械化的艺术作品问题产生精神性价值的落差，缺少学术批判和理论建构，挪用、移植的山寨文化与当代多元自创实践背道而驰。如傅中望的《收·藏·洗·晒》疑似芬兰艺术家Kaarina Kaikkonen的作品《晒衣服》，邓乐的大型雕塑《天行健》疑似日本“物派”艺术家关根伸夫的作品《风景的台座》。但在全球文化交流语境之下艺术门类趋于综合性，艺术家敢于跨越各种边界，将前人的方法、概念自主有机的汲取、更新为独有的视觉样式，独善其身的原创激情成为新兴当代艺术精神。日本“后物派”代表人物宫岛达男的创作以光为介质，探讨生命、时间、历史等抽象题材，其中出现的所有问题并不都能获得解答，就如我们感受思考艺术家的创作，得出每个不同的结局，将自身对生命及宇宙的探索感悟灌入创作中，超越自身年龄段的物质欲望。
在现实中定格一种问题，以一种提前的声音对具体问题提出具体批评，若对现实社会没有一种“心痛”，那创作出来的作品一定是勉强的，艺术家关注视觉转向使艺术成为对生命的记录，一种内在征服。正像阿布拉莫维奇某次所说的：“世上有各种各样的力量，而我一样都不喜欢，因为它们都暗示着一个人对另一个人的控制。”因而，寻求身心极限状态下的自我解放和某种自由度一度成为阿布拉莫维奇行为艺术创作的内在线索之一。其将行为艺术影像作品发展为实验性电影，其艺术作品跨女性艺术再也找不到在艺术家身上的女红身份，试图表述自己对欢乐与痛苦的价值判断，事实上我们需要思考的不光是她的那些行为艺术作品本身，是将目光转向她的生活经验和人生历程与其所献身的行为艺术这一独特的艺术形式之间的关系。观众鲜明流动的视角解读，从而引发超越想象力和不可预测的指涉内容，听到的不再是陌生的噪音，而是熟悉的会心一笑。苏轼所作《江城子》语句平实，七十个字说尽对王弗无穷思念亦浓郁哀伤的托出其凄婉而美丽的形象，“十年生死两茫茫”此字样谁能从记忆中删除。
视觉传承本身也给当代艺术带来负向发展，艺术、金钱相关问题映射出艺术品作为贸易的衍生品，拍卖行成为典型。对今天的世界艺术没有丝毫思想、观念、方法论和技术贡献，追涨不追跌，这体现出艺术家及观众在于艺术对话中低劣的道德，浮夸的价额无法深入思索艺术与心理、人类行为与社会的关系，更加谈不上去碰触艺术最本质的东西——走心。共同语言的根本不存在性教说我们只能通过接触图像、碎片抓住现实，它组成了我们每天的生活，这是一种无声的机制，一种不加说明的行动。在交流的情境中，我们总是假装无所不知，只有通过想象图景的行为记忆的引渡手法才能诚实地讲故事，所以我们融入其中，这些构造的概念给听者、观者扩大了一种可能性，让他们得以从中选取和自己经历相关的语境联系起来，成为一面镜子，它不反映任何现实，提供自以为是的梦幻。实际上这种局部的看见连续事件只是我们自身的一厢情愿，它打破了不同时间和空间的在场性看见事件不同的差异及连续事件的真实性。事物本身越来越多的属性、标志和隐喻，以致于最终丧失自身的形式，意义不再能被直接的知觉所解读，形象不再表明自身，在现实与意想关系的忧虑下，也许是对想象力的创造与谵妄的迷乱之间以假当真的交流。觀众视觉自虐摧毁艺术赏析差异性的平横，越是读不懂的作品越加广受市场好评，实验性与可能性让位于摸不到、看不清的抽象，艺术成为一种修身养性的工具，没有了哲学姿态。欣赏一副抽象作品比去直接感受它会比试图理解它更合适，因为它们首先会给观众带来一种视觉引发的心理感受。罗斯科的作品就是一个很好的例子。他本人曾经说过：“我只对如何表现人类最基本的情感感兴趣，悲剧的、狂喜的、毁灭的等等。一些人在我的画前大哭，说明我的确表达出了这种感情”。视觉转向精神性基本的表达应是艺术的核心，通俗说法，接地气，艺术家走出绘画全身心地投入灵魂深处，并极力的使观众看到潜藏在画布下的实质。那么装置艺术的“恋物癖”与架上绘画的“次货”及当代艺术思维的“犬儒主义”将会退出历史的目光。
艺术创作视觉重新考虑艺术新起点，自身担当与节义塑造绘画镜头后的公共意见 ，从即有的中国古代自商至唐宋绘画的恢宏质朴到新水墨的实验性，公共视觉的解读兴趣繁衍、进化，对观众与艺术者之间看与被看的固有关系正在发生学解构性上重建视觉文化观念。
【参考文献】
[1][法]米歇尔·福柯.这不是一只烟斗[M].漓江：漓江出版社，2012.
[2][美]阿瑟·丹托.寻常物的嬗变— 一种关于艺术的哲学[M].陈岸瑛译. 南京：江苏人民出版社，2012.
[3]王南溟.批评性艺术的兴起[M].唐凌洁译.北京：古桥出版社，2011.
当代艺术内在视觉换位思考其拒绝停留在形式语言的外壳进入所谓的当代性，离开诗学乌托邦及个人情感宣泄的宏大叙事模式，艺术观念转向社会问题情境。介入与批判的艺术思想源头清理现成品或符号学的“无聊艺术”，借助特定语境及艺术现场，不再是对纯然之物单纯的模仿再现，而是介入生活的批判性艺术，是对人们各种行为学的思考。犹如“中国符号艺术”回归到“中国问题情境”，需要介入中国现场，语言功能介入社会功能，用本土社会的丰富性打破中国当代艺术单一性的符号解读，其解释生活的力量就越加明显和深刻并具有强烈的社会舆论批判，缩小观众与艺术家的陌生化。我曾有幸读到约翰·凯奇的钢琴曲《四分三十三秒》：“演奏家走上舞台，打开琴谱，端坐好，四分三十三秒内手指没有触碰一下琴键，一直静静地坐着，头十秒钟大家在等待，有可能这个钢琴师他在酝酿情感，慢慢地有了一些躁动，有人打哈欠了，有各种各样的声音，到四分三十三秒，钢琴师起来收好琴谱，盖上琴盖说‘我的演出完了’，走了。全场莫名其妙，但安静下来后，所有观众体会到，虽然那一刻什么声音也没有，但他们听到琴键以外的声音，自己的心跳、呼吸、小声议论、些许的烦躁，所有的这一切都变成四分三十三秒音乐的组成部分”。使“不会说话的语言”成为一种尺度，用以衡量理性的自由在交流方式中力求在一种完整的自然中确认自己，使人处于自己的自然状态。
新兴图像摄影技术及网络文化雷同占据了艺术原创空间领域的思路，复制、模仿等机械化的艺术作品问题产生精神性价值的落差，缺少学术批判和理论建构，挪用、移植的山寨文化与当代多元自创实践背道而驰。如傅中望的《收·藏·洗·晒》疑似芬兰艺术家Kaarina Kaikkonen的作品《晒衣服》，邓乐的大型雕塑《天行健》疑似日本“物派”艺术家关根伸夫的作品《风景的台座》。但在全球文化交流语境之下艺术门类趋于综合性，艺术家敢于跨越各种边界，将前人的方法、概念自主有机的汲取、更新为独有的视觉样式，独善其身的原创激情成为新兴当代艺术精神。日本“后物派”代表人物宫岛达男的创作以光为介质，探讨生命、时间、历史等抽象题材，其中出现的所有问题并不都能获得解答，就如我们感受思考艺术家的创作，得出每个不同的结局，将自身对生命及宇宙的探索感悟灌入创作中，超越自身年龄段的物质欲望。
在现实中定格一种问题，以一种提前的声音对具体问题提出具体批评，若对现实社会没有一种“心痛”，那创作出来的作品一定是勉强的，艺术家关注视觉转向使艺术成为对生命的记录，一种内在征服。正像阿布拉莫维奇某次所说的：“世上有各种各样的力量，而我一样都不喜欢，因为它们都暗示着一个人对另一个人的控制。”因而，寻求身心极限状态下的自我解放和某种自由度一度成为阿布拉莫维奇行为艺术创作的内在线索之一。其将行为艺术影像作品发展为实验性电影，其艺术作品跨女性艺术再也找不到在艺术家身上的女红身份，试图表述自己对欢乐与痛苦的价值判断，事实上我们需要思考的不光是她的那些行为艺术作品本身，是将目光转向她的生活经验和人生历程与其所献身的行为艺术这一独特的艺术形式之间的关系。观众鲜明流动的视角解读，从而引发超越想象力和不可预测的指涉内容，听到的不再是陌生的噪音，而是熟悉的会心一笑。苏轼所作《江城子》语句平实，七十个字说尽对王弗无穷思念亦浓郁哀伤的托出其凄婉而美丽的形象，“十年生死两茫茫”此字样谁能从记忆中删除。
视觉传承本身也给当代艺术带来负向发展，艺术、金钱相关问题映射出艺术品作为贸易的衍生品，拍卖行成为典型。对今天的世界艺术没有丝毫思想、观念、方法论和技术贡献，追涨不追跌，这体现出艺术家及观众在于艺术对话中低劣的道德，浮夸的价额无法深入思索艺术与心理、人类行为与社会的关系，更加谈不上去碰触艺术最本质的东西——走心。共同语言的根本不存在性教说我们只能通过接触图像、碎片抓住现实，它组成了我们每天的生活，这是一种无声的机制，一种不加说明的行动。在交流的情境中，我们总是假装无所不知，只有通过想象图景的行为记忆的引渡手法才能诚实地讲故事，所以我们融入其中，这些构造的概念给听者、观者扩大了一种可能性，让他们得以从中选取和自己经历相关的语境联系起来，成为一面镜子，它不反映任何现实，提供自以为是的梦幻。实际上这种局部的看见连续事件只是我们自身的一厢情愿，它打破了不同时间和空间的在场性看见事件不同的差异及连续事件的真实性。事物本身越来越多的属性、标志和隐喻，以致于最终丧失自身的形式，意义不再能被直接的知觉所解读，形象不再表明自身，在现实与意想关系的忧虑下，也许是对想象力的创造与谵妄的迷乱之间以假当真的交流。觀众视觉自虐摧毁艺术赏析差异性的平横，越是读不懂的作品越加广受市场好评，实验性与可能性让位于摸不到、看不清的抽象，艺术成为一种修身养性的工具，没有了哲学姿态。欣赏一副抽象作品比去直接感受它会比试图理解它更合适，因为它们首先会给观众带来一种视觉引发的心理感受。罗斯科的作品就是一个很好的例子。他本人曾经说过：“我只对如何表现人类最基本的情感感兴趣，悲剧的、狂喜的、毁灭的等等。一些人在我的画前大哭，说明我的确表达出了这种感情”。视觉转向精神性基本的表达应是艺术的核心，通俗说法，接地气，艺术家走出绘画全身心地投入灵魂深处，并极力的使观众看到潜藏在画布下的实质。那么装置艺术的“恋物癖”与架上绘画的“次货”及当代艺术思维的“犬儒主义”将会退出历史的目光。
艺术创作视觉重新考虑艺术新起点，自身担当与节义塑造绘画镜头后的公共意见 ，从即有的中国古代自商至唐宋绘画的恢宏质朴到新水墨的实验性，公共视觉的解读兴趣繁衍、进化，对观众与艺术者之间看与被看的固有关系正在发生学解构性上重建视觉文化观念。
【参考文献】
[1][法]米歇尔·福柯.这不是一只烟斗[M].漓江：漓江出版社，2012.
[2][美]阿瑟·丹托.寻常物的嬗变— 一种关于艺术的哲学[M].陈岸瑛译. 南京：江苏人民出版社，2012.
[3]王南溟.批评性艺术的兴起[M].唐凌洁译.北京：古桥出版社，2011.