论文部分内容阅读
2013年末举办的“我爱上海”群展，其参展艺术家有的是土生土长的上海人，有的是“新上海人”，有人曾经在上海生活过，有人则是上海的过客。他们用各自独特的视角探索、观察与理解这个日新月异的城市，借由作品向观众呈现他们对上海的复杂心绪和情感。
Art Labor画廊位于上海市中心一个小小的院落里，周边是老式洋房和安静小院。洋房多是历史保护建筑，又身兼低调奢华的高级餐厅，小院不掩破落，还住着年迈的居民，晒着周末的太阳，用沪语聊天。如果不是这一切带有上海风格的事物存在，这座城市与中国乃至世界的其他城市将别无二致。此次在该画廊展出的“我爱上海”群展，艺术家用各自的艺术触角捕捉到的对这座城市的体验，也带有些许的模糊性。在这次展览中呈现的作品，也或多或少暗示了这一点。
Emma Fordham，在巨幅画布上，用拼贴加丙烯颜料的手法，将一座城市建造过程中必然经历的图像过程展现出来，绿色防护纱网，高耸的铁塔，作为城市扩张的象征性符号，在这位女艺术家的画面上，却如午夜酒吧里的灯红酒绿，奏响了一曲狂欢。
与狂欢不能脱离关系的必然是美艳肉体，但是电子艺术团体六岛却用模糊的手法隐晦地表现肉体。犹如公交车站或商场里不锈钢制的广告牌，只不过展示的不是被消费的对象，而是消费的主动者——人，而六岛又用裸体肉身，更加直观地展现了这种从物欲到肉欲的转化。局促狭小的空间，又让不停转动的人体陷入无法逃离的困境。另外一件名为《上海阿姨》的LED灯箱作品里，拿着鸡毛掸子、打扮成女仆的女子，以千娇百媚的姿势打扫卫生。像她那样打扫显然不会让居室更整洁明亮，那么她是谁，她又是被谁雇佣、为谁“服务”？我们可以想象很多背后的故事，但对于作品本身，姑且观赏悦人眼目的美人吧。
季瑞（Greg Girard）的摄影作品，则在物欲横流的冷漠城市中，捕捉到一点生活中的温馨。夜幕下的老式住宅里，透出日光灯的清冷光线，将晾晒在竹竿上的年轻人的衣物，照出温暖的粉红和嫩黄。曾经年轻的人和年轻人，他们的拼搏成就了今天和未来的上海，即便城市生活昂贵又充满竞争，他们的漂泊不定终将得到包容和宁静。
埃里克·乐洛（Eric Leleu）是一位长期居住于上海的摄影师，他用镜头和摄影作品记录中国城市的发展进程、表达自己的看法，《摄影景点》就是这样一件观念性的作品。写有“摄影景点”四字的红色宣传横幅，刺眼地横放在上海著名的陆家嘴景点前，在遮挡景色的同时还一本正经地以文字形式告知观众，这里是“摄影景点”。横幅上用标语式文字描绘出的理想状态与真实景象相互排斥，让观众在对字义产生美好联想的同时，又被横幅遮挡而看不到江对岸的景致本身。这样的灵感正是源自现实生活——中国无处不在的官僚式标语横幅与周边的恶劣环境所产生的强烈讽刺效果，让摄影师在反感的同时产生了篡改横幅的想法。
约翰·雅各布斯梅耶（John Jacobsmeyer）的版画，从标题到内容都有出处。作品标题“未来时间中的过去和现在”引自美国诗人托马斯·艾略特晚期代表作《四个四重奏》中的《烧毁的诺顿》。《四个四重奏》四首诗分别思考了现在、过去、未来及时间整体的救赎，《燃毁的诺顿》则集中于“时间现在”。艺术家用温暖的木版版画刻画出冰冷的地下铁场景，其原型是人民广场附近的上海地铁站。每天在城市地下呼啸而过的地铁，在日复一日的往复运动中，犹如穿行在过去、现在和未来中，如同诗中所写：“现在的时间和过去的时间/也许都存在于未来的时间/而未来的时间又包容于过去的时间”。
李立宏的陶瓷镀钛作品，将“我爱上海”四个字转化为银色水泡泡的形状，让观众在仔细辨识时，将四个字不断组合成“爱我上海”“上海爱我”等短句。李力宏认为 “上海”这两字和“SHANGHAI”这两个字的读音，最能代表上海在世界的唯一性。“当看见这两字和听到这两个读音，每个人脑海里都有自己印象中的上海。”银色的镜面效果加上凹凸不平的表面，反射出被扭曲了的周围环境，正如身处上海这座大都市的人心中生出的，对它的不同感受、体验与解读。
不同于六岛用点状的LED屏所做的灯光作品，陆新建的《城市之光》把大上海时代广场的地图，抽象为彩色的直线、曲线和圆形，灯光从中心向四周一块一块地逐渐亮起来，再现了城市扩张的典型进程，也将商业文化的扩散过程具象化，而灯光不断循环地熄灭与点亮，又暗示着城市在历史的进程中轮回往复。
自称为星际忍者和视觉功夫操练者的Zxerokool，善于运用多种媒介来创造融合了流行文化、科幻、漫画的充满想象力的作品。在这幅《上海建筑》中，Zxerokool就用美式漫画风格和绘制手法，把上海的经典建筑组合成一个巨大的变形金刚，它手持东方明珠塔变形成的长剑，双腿是金色的震旦大厦，双脚则用出租车提供动力，气势汹汹地向观众炫耀它的力量。
谢伊·库恩（Shay Kun）的《偶遇》描绘的是记忆中城市雨夜。画作上方，类似击打在玻璃窗上的雨滴清晰无比，像记忆中贴着汽车后窗望去的雨夜景象，逆向驶去的汽车背影已经在夜色中变得模糊。相较于在夜色中晕开的灯光，画面下方的马路真实得近乎照片，水流的痕迹呼应了画面上半部的雨滴，恍若流动的记忆在逐渐沉淀出真实的场景。这幅画吸引着观者不断变换对画面的关注点，让观者感受视角忽远忽近、不停变换的同时，仍保持了本身的和谐一致感。
王青的《愚人船》的标题和构图很容易让人联想到尼德兰画家博斯的同名画作，但它当然不像后者是否为三联画中的一部分而充满争议。在一艘大游轮上，穿着泳装的男女有的坐着休息，有的向船外跳去。甲板中央的舞台上，西方拳击和中国京剧同台演出。旁边还有穿得像中世纪骑士的人，骑着披了铠甲的马。远方的乌云里投下的探照灯般的光束，照亮了在海中游泳的人。各种现实又虚幻的景象强硬地拼在一起，让人难以琢磨。
但展览中最令人难以捉摸的还是婴野赋的作品《最后的晚餐》。虽然运用的是传统的工笔画法，但不论是充满了粉红色圆点的构图，还是令人无法理喻的画面，都呈现出强烈的当代艺术气息。且不论艺术家如何精心地用粉底圆点和红底白点区分出背景和人物服装，又是如何精心处理让前景产生透视感，这两个光头小胖娃，一前一后、一冷静一惊奇地用断箭当筷子包饺子，就足以让观众迷惑不解。在中国人看来喜庆的红色，具有过年气氛的包饺子，让人想起“草船借箭”的插在画面中的乱箭，再加上标题“最后的晚餐”所暗示的西方宗教题材，都让人更加无所适从。
或许，从整体来看这个展览，才能把艺术家为我们带来的熟悉感、模糊感、惊异感、不适感等，最终再现为上海这座城市带给我们的整体感受。但这种感受究竟偏颇于哪一种，究竟“爱不爱上海”，应该断句为“爱不？爱上海”，还是“爱？不爱上海”，就只有自己明了了。
Art Labor画廊位于上海市中心一个小小的院落里，周边是老式洋房和安静小院。洋房多是历史保护建筑，又身兼低调奢华的高级餐厅，小院不掩破落，还住着年迈的居民，晒着周末的太阳，用沪语聊天。如果不是这一切带有上海风格的事物存在，这座城市与中国乃至世界的其他城市将别无二致。此次在该画廊展出的“我爱上海”群展，艺术家用各自的艺术触角捕捉到的对这座城市的体验，也带有些许的模糊性。在这次展览中呈现的作品，也或多或少暗示了这一点。
Emma Fordham，在巨幅画布上，用拼贴加丙烯颜料的手法，将一座城市建造过程中必然经历的图像过程展现出来，绿色防护纱网，高耸的铁塔，作为城市扩张的象征性符号，在这位女艺术家的画面上，却如午夜酒吧里的灯红酒绿，奏响了一曲狂欢。
与狂欢不能脱离关系的必然是美艳肉体，但是电子艺术团体六岛却用模糊的手法隐晦地表现肉体。犹如公交车站或商场里不锈钢制的广告牌，只不过展示的不是被消费的对象，而是消费的主动者——人，而六岛又用裸体肉身，更加直观地展现了这种从物欲到肉欲的转化。局促狭小的空间，又让不停转动的人体陷入无法逃离的困境。另外一件名为《上海阿姨》的LED灯箱作品里，拿着鸡毛掸子、打扮成女仆的女子，以千娇百媚的姿势打扫卫生。像她那样打扫显然不会让居室更整洁明亮，那么她是谁，她又是被谁雇佣、为谁“服务”？我们可以想象很多背后的故事，但对于作品本身，姑且观赏悦人眼目的美人吧。
季瑞（Greg Girard）的摄影作品，则在物欲横流的冷漠城市中，捕捉到一点生活中的温馨。夜幕下的老式住宅里，透出日光灯的清冷光线，将晾晒在竹竿上的年轻人的衣物，照出温暖的粉红和嫩黄。曾经年轻的人和年轻人，他们的拼搏成就了今天和未来的上海，即便城市生活昂贵又充满竞争，他们的漂泊不定终将得到包容和宁静。
埃里克·乐洛（Eric Leleu）是一位长期居住于上海的摄影师，他用镜头和摄影作品记录中国城市的发展进程、表达自己的看法，《摄影景点》就是这样一件观念性的作品。写有“摄影景点”四字的红色宣传横幅，刺眼地横放在上海著名的陆家嘴景点前，在遮挡景色的同时还一本正经地以文字形式告知观众，这里是“摄影景点”。横幅上用标语式文字描绘出的理想状态与真实景象相互排斥，让观众在对字义产生美好联想的同时，又被横幅遮挡而看不到江对岸的景致本身。这样的灵感正是源自现实生活——中国无处不在的官僚式标语横幅与周边的恶劣环境所产生的强烈讽刺效果，让摄影师在反感的同时产生了篡改横幅的想法。
约翰·雅各布斯梅耶（John Jacobsmeyer）的版画，从标题到内容都有出处。作品标题“未来时间中的过去和现在”引自美国诗人托马斯·艾略特晚期代表作《四个四重奏》中的《烧毁的诺顿》。《四个四重奏》四首诗分别思考了现在、过去、未来及时间整体的救赎，《燃毁的诺顿》则集中于“时间现在”。艺术家用温暖的木版版画刻画出冰冷的地下铁场景，其原型是人民广场附近的上海地铁站。每天在城市地下呼啸而过的地铁，在日复一日的往复运动中，犹如穿行在过去、现在和未来中，如同诗中所写：“现在的时间和过去的时间/也许都存在于未来的时间/而未来的时间又包容于过去的时间”。
李立宏的陶瓷镀钛作品，将“我爱上海”四个字转化为银色水泡泡的形状，让观众在仔细辨识时，将四个字不断组合成“爱我上海”“上海爱我”等短句。李力宏认为 “上海”这两字和“SHANGHAI”这两个字的读音，最能代表上海在世界的唯一性。“当看见这两字和听到这两个读音，每个人脑海里都有自己印象中的上海。”银色的镜面效果加上凹凸不平的表面，反射出被扭曲了的周围环境，正如身处上海这座大都市的人心中生出的，对它的不同感受、体验与解读。
不同于六岛用点状的LED屏所做的灯光作品，陆新建的《城市之光》把大上海时代广场的地图，抽象为彩色的直线、曲线和圆形，灯光从中心向四周一块一块地逐渐亮起来，再现了城市扩张的典型进程，也将商业文化的扩散过程具象化，而灯光不断循环地熄灭与点亮，又暗示着城市在历史的进程中轮回往复。
自称为星际忍者和视觉功夫操练者的Zxerokool，善于运用多种媒介来创造融合了流行文化、科幻、漫画的充满想象力的作品。在这幅《上海建筑》中，Zxerokool就用美式漫画风格和绘制手法，把上海的经典建筑组合成一个巨大的变形金刚，它手持东方明珠塔变形成的长剑，双腿是金色的震旦大厦，双脚则用出租车提供动力，气势汹汹地向观众炫耀它的力量。
谢伊·库恩（Shay Kun）的《偶遇》描绘的是记忆中城市雨夜。画作上方，类似击打在玻璃窗上的雨滴清晰无比，像记忆中贴着汽车后窗望去的雨夜景象，逆向驶去的汽车背影已经在夜色中变得模糊。相较于在夜色中晕开的灯光，画面下方的马路真实得近乎照片，水流的痕迹呼应了画面上半部的雨滴，恍若流动的记忆在逐渐沉淀出真实的场景。这幅画吸引着观者不断变换对画面的关注点，让观者感受视角忽远忽近、不停变换的同时，仍保持了本身的和谐一致感。
王青的《愚人船》的标题和构图很容易让人联想到尼德兰画家博斯的同名画作，但它当然不像后者是否为三联画中的一部分而充满争议。在一艘大游轮上，穿着泳装的男女有的坐着休息，有的向船外跳去。甲板中央的舞台上，西方拳击和中国京剧同台演出。旁边还有穿得像中世纪骑士的人，骑着披了铠甲的马。远方的乌云里投下的探照灯般的光束，照亮了在海中游泳的人。各种现实又虚幻的景象强硬地拼在一起，让人难以琢磨。
但展览中最令人难以捉摸的还是婴野赋的作品《最后的晚餐》。虽然运用的是传统的工笔画法，但不论是充满了粉红色圆点的构图，还是令人无法理喻的画面，都呈现出强烈的当代艺术气息。且不论艺术家如何精心地用粉底圆点和红底白点区分出背景和人物服装，又是如何精心处理让前景产生透视感，这两个光头小胖娃，一前一后、一冷静一惊奇地用断箭当筷子包饺子，就足以让观众迷惑不解。在中国人看来喜庆的红色，具有过年气氛的包饺子，让人想起“草船借箭”的插在画面中的乱箭，再加上标题“最后的晚餐”所暗示的西方宗教题材，都让人更加无所适从。
或许，从整体来看这个展览，才能把艺术家为我们带来的熟悉感、模糊感、惊异感、不适感等，最终再现为上海这座城市带给我们的整体感受。但这种感受究竟偏颇于哪一种，究竟“爱不爱上海”，应该断句为“爱不？爱上海”，还是“爱？不爱上海”，就只有自己明了了。