近些年来，北京本土艺术家刘韡经常是一些大型个展的主角。一系列展览和介绍使其成为中国当今最有趣的艺术家之一。并且，在中国当代艺术家中，作品能够跨越国界而不会遭遇任何文化鸿沟者甚少，他便是其中之一。
　　一直以来，刘韡个展上的作品大多规模宏大，风格大胆甚至狂放不羁，它们经由艺术家的内在思索自然连接。每一次展览都以各自的方式构筑着他眼中的“艺术”，从具有争议性的构思到形式再到结构，不断加以修改、拓展和改进，以视觉上赏心悦目、具有挑衅性甚至令人费解的方式呈现。费解是因为，和他那些颜色纯正的Pantonc色卡般的画作不同，他的雕塑将极具反差感的物品重组再构，并臣服于同一个创作动机，探索着艺术的边界与功能。从作品中可以看出，他的动机比简单地回避清晰的表达要复杂得多。
　　观众直观看到的只是由不同材料组成的艺术品，比如帆布、用作窗棂和门框的回收木料、老式电视机和用长钢条做的攀爬架，但其实各种材料的搭配组合最考验人。接下来还有材料与作品的黏合，如何以简单的几何形态精准地表达结构和环境，兼顾艺术的复杂性和观赏性。有形的作品中更孕育着无形的艺术气息，它们包裹在每个作品周围，好似前现代艺术时期：神圣超然，生活之外，艺术之中。
　　刘韡凭借与生俱来的直觉，对形态、空间和材质的超常敏感和对颜色的非常感知，不断实验，不断创新。他这次在尤伦斯的个展便是最好的说明。“颜色”在个展中并不是一眼可见。我们首先进入一片高耸的《迷中迷》作品区，看似不经意的陈设上搭满了各种形状的布料，或伸展，或折叠，或低垂，样式繁多。这片区域模拟城市布局，体现了都市令人窒息的拥挤和鳞次栉比的建筑，就像城市井喷式发展带来的杂乱无章。这一区包括各个模拟建筑都黯淡无色，布料的色彩和材质都是很好的体现。
　　穿过迷宫式的都市区便进入了主展区，包括中间过道旁两片宽阔的区域。要布置好这些展品可没那么容易，得充分利用好每一寸空间。两个展区外围均设有围墙，隔绝出一块神圣的空间。右侧是名字很有幽默感的《看！书》，主要是灰色展品，看起来很敦实。与名字正相反，这里安静、经典，甚至有一丝肃穆；神圣，却好似在诉说一种牺牲。刘韡到底想向观者展示什么书？你多久才注意到混凝土色的几何图案其实是由一堆堆书堆砌而成？为了这件艺术作品有多少书“死于非命”？你有没有停下来想一想会不会将来所有的书都将遭此命运？还是说，刘斡想给我们提个醒，当那么多错误充斥于知识、观念以及我们的现实存在，沉迷于粗俗小说是多么没有意义？
　　左侧区域是作品《迷局》，由起伏的波状结构设计和有机的不规则碎片组成，表面全是反光玻璃，让人眼花缭乱、头晕目眩。这里似乎是一片世俗的世界，诉说着一切从功能性出发的新技术，对乌托邦残存的向住伴随着科技的进步而摇摇欲坠。这一区域仿佛旨在煽情，有意让人觉得不适，让我们体会被排挤、被孤立的无助，是人为的限制妨碍了我们对艺术的感悟。刘韡制造一个空间，让我们思考闪光的表象底下致命的诱惑。
　　墙上的画作和平面作品，比如《受难》有不锈钢边框和底框，赏心悦目的装饰中和了坚硬的感觉。覆盖一整面墙壁的是电子影像作品《转变》，点亮了周围，好似未来的太阳——只不过是方形的，而且完全人工——红色、深红、粉色、紫色、蓝色、白色，光线照到的每一处都沾染了它的余晖。我们被震撼了，却感受不到温暖。颜色暗示了未来受科技束缚的人类的状态，几乎像是受控于乔治·奥威尔式的迷茫。刘韡的艺术充分挖掘出了这些隐藏的情感，揭示了迷失的世界和近乎失控的状态。这不是沉迷于过去，也不是单纯追求乌托邦，而是用清晰却现实的独特视角看待世界，看待现代生活中的空虚与无助。