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舞台上，他的身份好像先是画家，再是舞者。又或者，肢体本身化作画笔，描摹出律动的篇章。他说，舞者的意义是时时自持，千辛万苦十几载，只为在舞台上转瞬那一刻。
沈伟 著名美籍华人舞蹈家、视觉艺术家与导演，“沈伟舞蹈艺术”舞蹈团艺术总监。曾获有舞蹈界“奥斯卡”之称的“尼金斯基奖”（2004年）和美国创造性人才最高奖“麦克阿瑟天才奖”（2007年）。2008年受邀为北京奥运会开幕式担任创意策划和《画卷》篇编导，《华盛顿时报》称赞他为“我们时代最伟大的艺术家之一”。
沈伟坐在沙发上，座垫只坐一半，腰杆挺得笔直。不松懈的不止是眼神、时刻保持微笑的嘴角，还包括从头顶到脚尖所维持的一种仪式感。他说，“时时自持”，是舞者独具的姿态。和2008年北京奥运会开幕式蜚声国际的表演《画卷》篇不同，这一次，沈伟没有伴舞，只身一人带着他的独舞中国首秀，来到2013年奥迪艺术与设计大奖现场。
身体是笔，舞是外衣
舞台是一张干干净净的“画布”，周遭漆黑一片。在聚光灯的凝视下，画布微微泛出青冷色的光。一袭黑色紧身衣的沈伟孤身一人从舞台左侧迈入，脚上穿着一双藏有“玄机”的袜子。音乐响起，观众交谈声戛然而止，沈伟的双脚滑动舞步，仿佛踩在水面上，触及之处，留下一串串浓淡相宜的红色弧形墨迹。
“好像《画卷》。”观众席里有人窃窃私语，这样的舞步似曾相识，曾经出现在2008年北京奥运会开幕式直播当中，几乎每个中国人都记得那些“用身体绘画”的场景，沈伟是那场演出的编舞者和演员之一。悠扬的配乐下，他的身体是画笔，却比画笔多了舞动的功能。旋转、倾翻、舒展、聚拢，红色部分已创作完成。此时，沈伟的身上多了一只手套，蘸了一点黑色的颜料后，一个侧翻，给红色的线条拓上黑色的点缀。
他退居舞台的右侧，“砰”的一声，盛满蓝色、绿色的油彩罐被打翻。沈伟踏上未干的印记，舞步生花，在画卷上调绘出幼黄的色泽。倏尔，节奏加快，绿色、紫色、黄色泼在身上，随着旋律旋转，像蝴蝶，像竖琴，色彩斑斓，金蛇狂舞。伴奏的尾声，宣泄归于平静，沈伟的双臂张开，仿如一支蓄势待发的箭。脚下，则是这段舞蹈的微缩：每一次表演都截然不同的画卷。
“这个作品是2009年，摩纳哥公主专门请我做的。”沈伟说。《画卷》的演出，配乐为古筝，道具是墨汁，讲的是中式复古；这次的演出，配乐是小提琴，道具是油彩，讲的是中与西的合璧。“我为什么把这段舞蹈表演带来？是因为我觉得它既有很浓的东方文化，但是看上去又完全是21世纪该出现的形态。它不完全像我们过去的表演，而是能够让人们认识到原来舞蹈跟视觉、音乐、行为艺术、装置艺术、设计等很多方面都是有联系的。”
2008年时，沈伟是唯一一位北京奥运会开幕式演出的美国籍演员，但一开口，他还是当初那个为梦想赴美闯荡的“湖南伢子”。
打破藩篱
1995年，沈伟获得“尼克莱·路易斯舞蹈实验室”奖学金赴美留学。2004年，他获得“尼金斯基奖”，在国际舞蹈界初露锋芒。2007年，他不敢相信自己入围并最终获得“麦克阿瑟天才奖”，那一年，意味着他全面获得美国主流舞蹈界认可，他是唯一一个获此殊荣的华人舞蹈家。
和那个年代每一位在异国打拼的舞蹈演员一样，沈伟说，初到美国，他受到的震撼，最多的不是来自于“术”—辛苦操练多年的技术；而是来源于“道”—你脑中的东西，你的“构思”，你的“创造力”。而从登上美国国土的那一刻起，沈伟也总是面临着“在地性”的问题。在美国，他是黄皮肤黑眼睛的中国人。而现在，回到中国，他又代表着学成归来、会被简单地归类为看似玩转东西的“典型”。
“你了解当地文化和本土性的东西，如果这个东西你无论如何都没有感觉的话，你逼自己去模仿，就不会自然。你要了解自己，那么首先就要了解别人，才能在此基础上对自己有完整的感受，知道自己是谁。”沈伟说，这不是一句空话，因为“你不知道白色是什么感觉的话，就不会明白什么是黑”。要了解别人，才能知道自己的独特点在哪儿。于是，从小学习国画、油画、戏剧的沈伟，才能在例如《春之季》里，国画、京剧、云手、油画的艺术元素将装置、影像、剧场等现代名词结合在一起，“因为你的不同是来自自己的地域、成长背景、所接收到的文化，当时这不是一味的关联。你自己是不是有这个心做它，是不是真的觉得艺术在感染你，才是创作的关键。”
记者问沈伟，在现代舞表演中融合了静态展示及装置艺术元素，是否担心这样的做法会削弱舞蹈的展现形式。沈伟认为，元素本身不是关键。“最重要是看艺术家怎样去做，如果艺术家缺乏把控力，就会出现很多问题。”而现代舞表演，本身就带着很多随机和不确定性。“比如说，有的人喜欢在表演时候加入大量投影，有时候，投影反而会带来负面的效果，因为投影会盖过舞者本身的表演重点，或者带来不应该存在的阴影。”
“因此，艺术家要从一个综合的方向来考虑。在创作的时候，要在不同的媒体或艺术门类之间达到非常好的平衡，相辅相成，才能把表演做到更完美。”沈伟说，“只要不是传统的，都可以统称为现代舞。但优秀的现代舞还是要真诚，而不是拼凑。最糟糕的是，你没有这种兴趣，却逼着自己去追逐流行、时髦、成功，投机的状态绝对做不好的。”
一生只为这一刻
沈伟的心得是，经验很重要，同时对各个艺术门类的清晰认识也很重要，因为它使用的“度”非常关键。
沈伟举了一个例子，比如，你要做一个表演艺术，当你需要表现身体语言时，应该从服装、布景设计、身体运动方向等方面来补充它，而不是削弱它的表现力。最重要的是，导演、创作者、艺术家怎么把所有东西融合到一体，把“界”变成没有界、把“界”变成与自己创作方向一致的存在。这样做的难度，客观上说是越来越大的。
“多年以来，艺术界和学术界是分开的。然而发展到一定阶段以后，人们发现，这样的独立发展是有限的，没法把握到整体的东西。正如我常说的那样，一个健全的人，出生后会具有视觉、听觉、嗅觉、感觉，所以我们不能仅仅只表现看得到和听得见的东西。这是人的自然规律，我们需要全面地认识一个事情，而不是从一个感官、一个方向认识事情。局限性的东西会影响到我们对整体真正的了解。”沈伟强调，音乐和舞蹈等所有元素不是娱乐性的东西，它们的作用，恰恰是能打开感官知觉的东西，让人变得更敏感。而说到感兴趣的东西，沈伟的双目会自然地闪烁生辉。
在舞团里，沈伟常常坐在观众席上，从不同角度审视演员跳得如何，效果能否达到完美的统一。2011年首次在北京国家大剧院演出的时候，第一天出问题的地方，他当即就给出反馈修改，结束时已到后半夜。然而，说到观众，沈伟又回复了坚持的态度，认为创作需要百分之百的自我：“艺术的目的是给观众启发，而不是迎合观众，我从来不为观众的喜好去制约自己的表达。”
沈伟自幼学戏、习画，在他看来，这极其必要。“为什么我们中国真正的文人是懂得琴棋书画的？因为一个人是多方面的，我们有不同的感官，必须触类旁通，才能变成具有很高品质的人。”去年，沈伟回国抽时间做了三个演讲，还让自己的演员们去不同的地方讲课。“我非常想告诉中国的年轻人，生命是可以因为自己的努力而走出一条意想不到的路的，就像我从来不知道我的今天会发展出这样的路。”
回到舞者的身份，沈伟坦言舞蹈是一种痛苦。“美和理想都需要经过长时间的磨练，当一个舞蹈演员，往往苦练一辈子只为舞台上踮起足尖站立几秒，为观众奉上转瞬即逝的美。”
沈伟 著名美籍华人舞蹈家、视觉艺术家与导演，“沈伟舞蹈艺术”舞蹈团艺术总监。曾获有舞蹈界“奥斯卡”之称的“尼金斯基奖”（2004年）和美国创造性人才最高奖“麦克阿瑟天才奖”（2007年）。2008年受邀为北京奥运会开幕式担任创意策划和《画卷》篇编导，《华盛顿时报》称赞他为“我们时代最伟大的艺术家之一”。
沈伟坐在沙发上，座垫只坐一半，腰杆挺得笔直。不松懈的不止是眼神、时刻保持微笑的嘴角，还包括从头顶到脚尖所维持的一种仪式感。他说，“时时自持”，是舞者独具的姿态。和2008年北京奥运会开幕式蜚声国际的表演《画卷》篇不同，这一次，沈伟没有伴舞，只身一人带着他的独舞中国首秀，来到2013年奥迪艺术与设计大奖现场。
身体是笔，舞是外衣
舞台是一张干干净净的“画布”，周遭漆黑一片。在聚光灯的凝视下，画布微微泛出青冷色的光。一袭黑色紧身衣的沈伟孤身一人从舞台左侧迈入，脚上穿着一双藏有“玄机”的袜子。音乐响起，观众交谈声戛然而止，沈伟的双脚滑动舞步，仿佛踩在水面上，触及之处，留下一串串浓淡相宜的红色弧形墨迹。
“好像《画卷》。”观众席里有人窃窃私语，这样的舞步似曾相识，曾经出现在2008年北京奥运会开幕式直播当中，几乎每个中国人都记得那些“用身体绘画”的场景，沈伟是那场演出的编舞者和演员之一。悠扬的配乐下，他的身体是画笔，却比画笔多了舞动的功能。旋转、倾翻、舒展、聚拢，红色部分已创作完成。此时，沈伟的身上多了一只手套，蘸了一点黑色的颜料后，一个侧翻，给红色的线条拓上黑色的点缀。
他退居舞台的右侧，“砰”的一声，盛满蓝色、绿色的油彩罐被打翻。沈伟踏上未干的印记，舞步生花，在画卷上调绘出幼黄的色泽。倏尔，节奏加快，绿色、紫色、黄色泼在身上，随着旋律旋转，像蝴蝶，像竖琴，色彩斑斓，金蛇狂舞。伴奏的尾声，宣泄归于平静，沈伟的双臂张开，仿如一支蓄势待发的箭。脚下，则是这段舞蹈的微缩：每一次表演都截然不同的画卷。
“这个作品是2009年，摩纳哥公主专门请我做的。”沈伟说。《画卷》的演出，配乐为古筝，道具是墨汁，讲的是中式复古；这次的演出，配乐是小提琴，道具是油彩，讲的是中与西的合璧。“我为什么把这段舞蹈表演带来？是因为我觉得它既有很浓的东方文化，但是看上去又完全是21世纪该出现的形态。它不完全像我们过去的表演，而是能够让人们认识到原来舞蹈跟视觉、音乐、行为艺术、装置艺术、设计等很多方面都是有联系的。”
2008年时，沈伟是唯一一位北京奥运会开幕式演出的美国籍演员，但一开口，他还是当初那个为梦想赴美闯荡的“湖南伢子”。
打破藩篱
1995年，沈伟获得“尼克莱·路易斯舞蹈实验室”奖学金赴美留学。2004年，他获得“尼金斯基奖”，在国际舞蹈界初露锋芒。2007年，他不敢相信自己入围并最终获得“麦克阿瑟天才奖”，那一年，意味着他全面获得美国主流舞蹈界认可，他是唯一一个获此殊荣的华人舞蹈家。
和那个年代每一位在异国打拼的舞蹈演员一样，沈伟说，初到美国，他受到的震撼，最多的不是来自于“术”—辛苦操练多年的技术；而是来源于“道”—你脑中的东西，你的“构思”，你的“创造力”。而从登上美国国土的那一刻起，沈伟也总是面临着“在地性”的问题。在美国，他是黄皮肤黑眼睛的中国人。而现在，回到中国，他又代表着学成归来、会被简单地归类为看似玩转东西的“典型”。
“你了解当地文化和本土性的东西，如果这个东西你无论如何都没有感觉的话，你逼自己去模仿，就不会自然。你要了解自己，那么首先就要了解别人，才能在此基础上对自己有完整的感受，知道自己是谁。”沈伟说，这不是一句空话，因为“你不知道白色是什么感觉的话，就不会明白什么是黑”。要了解别人，才能知道自己的独特点在哪儿。于是，从小学习国画、油画、戏剧的沈伟，才能在例如《春之季》里，国画、京剧、云手、油画的艺术元素将装置、影像、剧场等现代名词结合在一起，“因为你的不同是来自自己的地域、成长背景、所接收到的文化，当时这不是一味的关联。你自己是不是有这个心做它，是不是真的觉得艺术在感染你，才是创作的关键。”
记者问沈伟，在现代舞表演中融合了静态展示及装置艺术元素，是否担心这样的做法会削弱舞蹈的展现形式。沈伟认为，元素本身不是关键。“最重要是看艺术家怎样去做，如果艺术家缺乏把控力，就会出现很多问题。”而现代舞表演，本身就带着很多随机和不确定性。“比如说，有的人喜欢在表演时候加入大量投影，有时候，投影反而会带来负面的效果，因为投影会盖过舞者本身的表演重点，或者带来不应该存在的阴影。”
“因此，艺术家要从一个综合的方向来考虑。在创作的时候，要在不同的媒体或艺术门类之间达到非常好的平衡，相辅相成，才能把表演做到更完美。”沈伟说，“只要不是传统的，都可以统称为现代舞。但优秀的现代舞还是要真诚，而不是拼凑。最糟糕的是，你没有这种兴趣，却逼着自己去追逐流行、时髦、成功，投机的状态绝对做不好的。”
一生只为这一刻
沈伟的心得是，经验很重要，同时对各个艺术门类的清晰认识也很重要，因为它使用的“度”非常关键。
沈伟举了一个例子，比如，你要做一个表演艺术，当你需要表现身体语言时，应该从服装、布景设计、身体运动方向等方面来补充它，而不是削弱它的表现力。最重要的是，导演、创作者、艺术家怎么把所有东西融合到一体，把“界”变成没有界、把“界”变成与自己创作方向一致的存在。这样做的难度，客观上说是越来越大的。
“多年以来，艺术界和学术界是分开的。然而发展到一定阶段以后，人们发现，这样的独立发展是有限的，没法把握到整体的东西。正如我常说的那样，一个健全的人，出生后会具有视觉、听觉、嗅觉、感觉，所以我们不能仅仅只表现看得到和听得见的东西。这是人的自然规律，我们需要全面地认识一个事情，而不是从一个感官、一个方向认识事情。局限性的东西会影响到我们对整体真正的了解。”沈伟强调，音乐和舞蹈等所有元素不是娱乐性的东西，它们的作用，恰恰是能打开感官知觉的东西，让人变得更敏感。而说到感兴趣的东西，沈伟的双目会自然地闪烁生辉。
在舞团里，沈伟常常坐在观众席上，从不同角度审视演员跳得如何，效果能否达到完美的统一。2011年首次在北京国家大剧院演出的时候，第一天出问题的地方，他当即就给出反馈修改，结束时已到后半夜。然而，说到观众，沈伟又回复了坚持的态度，认为创作需要百分之百的自我：“艺术的目的是给观众启发，而不是迎合观众，我从来不为观众的喜好去制约自己的表达。”
沈伟自幼学戏、习画，在他看来，这极其必要。“为什么我们中国真正的文人是懂得琴棋书画的？因为一个人是多方面的，我们有不同的感官，必须触类旁通，才能变成具有很高品质的人。”去年，沈伟回国抽时间做了三个演讲，还让自己的演员们去不同的地方讲课。“我非常想告诉中国的年轻人，生命是可以因为自己的努力而走出一条意想不到的路的，就像我从来不知道我的今天会发展出这样的路。”
回到舞者的身份，沈伟坦言舞蹈是一种痛苦。“美和理想都需要经过长时间的磨练，当一个舞蹈演员，往往苦练一辈子只为舞台上踮起足尖站立几秒，为观众奉上转瞬即逝的美。”