松烟墨，天下名墨，采集松木，烧出烟灰作原料，故名。薛松，来自黄山边之青松，创作自焚烧纸张始，灰飞烟灭化为墨，取代古人墨，自创松烟墨。其面貌，有古画新解，中西合璧;其形式，乃浴火而重生，解构再建构。此一艺术实践，可谓今之“松烟墨”。
　　中国人爱松成痴，松树的挺拔苍郁、千姿百态，自古以来就是骚人墨客歌咏的缪斯，更是画家描绘的灵感泉源，对于松树的寓意和审美也形成一套独特的标准。黄山松闻名天下，尤其是矗立在黄山文殊洞上、倚青狮石破石而生的“迎客松”，不但是安徽省的风景名片，更是历代画家创作的重要题材。
　　薛松童年的遭遇犹如严寒的大雪，而母亲的早逝，则是他一生难以抹灭的伤痛，所幸薛松的个性一如父亲所期许的“挺且直”，他还有一项严肃的父亲未预料的一一乐观开朗。薛松不但从小就“挺且直”，而且倔强、固执。在有意无意中，薛松的作品中出现各种松树：或许因为松树是国画常见的题材，因此很难回避;又或许是他潜意识里的松树情结，1996年他创作《迎客松》，时隔二十年，又创作《黄山松》，两件作品都是以盘据在黄山峰顶上的松树为主题，都是一反国画惯例地把主体放置在画面正中，加上强烈的鲜红色，2006年的《黄山松》还把代表远山的青绿高山放置在画面下方，很有一种石破天惊的气势。
　　烟之于薛松，有不解之缘。他终日几乎香烟不离手。他创作的最大特点是使用焚烧过的残纸碎片，再拼贴在画布上，因此经常燃烧大量的图片纸张，工作室里烟雾缭绕已是常态。
　　在艺术家的创作历程中，经常有戏剧性的转捩点，有些还伴随传奇事迹，而愈刺激、离奇、悲壮，就愈被人们争相传诵。薛松遭遇两次大火，一次是1990年年底，半年后，叉发生一次，甚为惨烈，尤其第二次火灾，把他自前次火灾发生以来试验的作品全部烧毁。所幸，薛松从那些被烧毁的物品中，发现了新大陆。他发现，被焚烧过的残片与未烧过的去拼贴，视觉效果不一样，意义也不同。对于薛松来说，火灾是偶然，也是必然。在火灾之前，如果没有长期的探索与实验，不可能找到一个突破点，如果没有长期的准备和反叛意识，再发生十次火灾，对于他的创作也是无济于事。1992年之后，薛松开始进行无数次的燃烧实验，最早的时候还是一种混沌状态，渐渐地从无意识变成有意识的选择与燃烧，醇松形容自己的创作是先画靶再射箭，靶子就是他的目标，目标一旦确立就有了针对性，然后对收集来的印刷品进行破坏、焚烧、分配、组合。
　　人类对于火始终有一种既爱叉怕的情结，火的发明是人类文明的起点，火也是权势的象征。希腊神话中，普罗米修斯盗取火种给人类，触怒天神宙斯，宙斯将他锁在高加索山的悬崖边上，惩罚他日日被恶鹰啄食肝脏;秦始皇焚书，意在维护集权统治，统一思想，反对古是今非。大火是极大的破坏，也带来新生，薛松使用烧烤过的碎片进行拼贴，就有了死亡与再生、解构与建构的意义。醇松坦言，“焚烧纸片时，特别有一种快感、刺激感。”这或许让潜藏在他灵魂深处的反叛精神得以解放吧！
　　薛松画面上的墨，不是一般的油画、墨汁，而是他自行研发一一焚烧纸片，化为烟灰，和以丙烯颜料形成，可谓今之“松烟墨”。
　　薛松就读上海戏剧学院时，国画老师张培础认为他速写功底较深，线条画得流畅，常给他一些宣纸，让他试画水墨，薛松从此有了水墨情结。当时薛松迷恋西方及现代主义，骨子里对守旧、古板的东西甚为反感，奇怪的是，却始终持续地画水墨;更奇怪的是，年纪渐长之后，对传统文化、艺术更有兴趣。对于这种转变，薛松一开始也想不太清楚，后来感觉到这是从自己的文化血脉中流淌出来的。
　　比起同世代的中国当代艺术家，薛松对传统文化的情结比较深，也表现得比较早。1992年他开始使用焚烧过的残片拼贴时，就大量使用书法碑帖，如《蜕》、《心连心》等，新颖的图像与古老文字交织，强化了作品的深厚度。1996年他创作第一幅山水画《山水》，前景小山、远景天空就是拼贴焚烧的书法碎片，中景高山则是古画碎片，画面两边的红色长条宛如书法条幅，形式上就是国画的中堂，左右再搭配对联。
　　薛松受邀在今年香港举行的第三届水墨艺术博览会举办个展，有几幅山水画就特别依据画中意境搭配对联，较诸十年前的《山水》，其形式、风格与传统书画更加紧密，又因为对联另行独立创作，就可以进行多样变化，包括字体、色彩，及至拼贴的内容，都有更大的挥洒空间。他最新的作品《山水》、《水墨》更是别出心裁，表现国画讲究虚虚实实，画外气趣的特点，他利用在台北故宫博物院购买的文征明复制画上挖出“山、水、水、墨”字样，另行贴在上方，而被挖空的部分，则在其底下拼贴书法碎片。在画面中贴上“薛松制造”的钤印。薛松从国画的装裱、配置及至构图形式汲取灵感，玩出新的焚烧、拼贴花样，创造了古画新用的新手法，如同他在一幅2016年的作品《溪山泛舟图》的上方配上“除旧布新”的书法，更强化了传统国画的形式感，也更具有文入的雅趣。
　　薛松对于书法碑帖一直情有独钟，不但大量做碎片拼贴，而且另辟《意象书法》系列。在中国美术馆、西安美术馆的大型展览中，他以六十公分见方的单幅意象书法做有机组合，最大的达到四十八件作品，造成强大的视觉震撼，展览时特别吸人眼球，中国美术馆并因此收藏其四十件《意象书法》。《意象书法》表达了薛松对书法线条美感的掌握，直弧、长短、粗细、方圆、枯润、虚实、相背、提顿、聚散连绕、飞白、抑扬顿挫……，他顺手拈来，千变万化;而他只截取字的局部，并不在意字义，更突显书法的抽象之美。特别有意思的是，他的书法字体大都不是以黑墨呈现，反而是五颜六色，背景的色彩也同样多采多姿，与文字线条的色彩或互补、或对比，变化多端。这种形象是传统的，但颜色却是缤纷的，非常具有渡普主义风格，也造成视觉上的冲击，真是古为今用、中西合鐾的经典范例。
　　2005年薛松创作的三连作《有符号的山水》，除了打叉的符号之外，更加上醒目的红色箭头，其所要探讨的问题就更多了，箭头所指的是山水画的布置或所谓构图关系，也是水墨画现代化所追寻的方向。
　　薛松的作品也追求一种广告的效果，即以晟简单、直接的方式引人注目，他常以拼图、大色块作为作品的基础，黑色在其间就更有分量，黑色可以勾勒图式线条，也常用以平涂色块，妙用无穷。
　　2013年我邀请薛松来台湾创作《台湾八景》，这是他首次以实地风景创作的当代山水画，他运用发展完备的个人语汇，将台湾原住民、新住民，以及象征汉文化的传统书画文字、代表现代建设的摩天大楼，巧妙拼贴，熔于一炉，既是台湾三百年历史发展的缩影，也呈现了台湾的多民族、多元文化的特色。
　　《台湾八景》的成功，催生了《澳门八景》，而有了前者的基础，他画澳门八景就更得心应手，在取景、构图及拼贴内容上很快就有灵感。澳门有不少天主教堂，薛松在澳门采风之后，叉远赴意大利米兰参加联展，沿途收集很多欧洲著名的古典、宗教名画画册，正好在澳门八景中派上用场;他所绘制的新美高梅酒店，以各国纸币拼贴，更是一绝，金碧輝煌的赌场型酒店就是用金钱堆砌起来的，这让人看了，不禁会心一笑。
　　拼贴需要使用大量图片、纸张，这让薛松养成了收集图书、文物的习惯。他从1994年起收集新中国美术作品，包括版画及原作，如今竟已累积五百多件，而七、八年前开始收集日本浮世绘，如今也有五百多件。他的收藏瘾头愈来愈重，光是每年购买书刊就花费十多萬，而收藏美术品的经费則更难以估量。收藏癖好向来是中国文人特有的情怀，从一个前卫的波普艺术家，到如今的好古敏求，或许也是源自于“松烟墨”因缘吧！