论文部分内容阅读
兰爻
自由撰稿人。以持观望与敬畏之心为荣的阅读者。
专栏简介：
日本现代派先锋音乐，内容涵盖前卫电声、噪音实验、自由即兴、新迷幻等多重领域，以其风格之诡异、形式之丰富、奇人异士之多，已经在现代音乐世界里形成一派神秘而独立的景观。本专栏文章意图并不在于对形式概念和流派类别进行划分介绍，因为许多界线本来就是模糊不清的，尤其在先锋音乐领域，分类常常是一件吃力不讨好的事情。在每一位音乐家本人的音乐探索之中，往往凝聚着更多关于形式的真理。
菊与刀的狂热信仰
日本器乐摇滚团体Mono，是由Takaakira Goto（以下简称TaKa）于1999年一手操办起来的乐队，TaKa担任乐队的吉他手，其余成员分别为吉他手Yoda、钢琴及贝斯手Tamaki和鼓手Yasunori Takada。在后摇的世界里，无论在东方还是西方，Mono都是一个不能被略过的名字，它也被认为是日系后摇中最神圣的典范。
Mono的形式特征是明显的。一方面，它被认为具有实验摇滚和自赏派音乐的显著特征，采用极简化的编曲方法，主音吉他和节奏吉他都大量运用混响、失真和延迟效果，长时间低沉单调的和弦反复、扭曲爆裂的声波和层出不穷的噪音音墙。旋律先是慢慢被确认、被烘托，随后一点点被消耗、被淹没，最终趋向于无形。另一方面，它受到古典主义音乐的强烈影响，集中表现为摇滚乐器与交响乐器的结合，许多人因此将Mono定义为后摇滚中的交响乐。
在Mono身上，无比清晰地体现着日本传统文化中“一手持菊，一手执刀”的暴力美学思想。在对Mono进行描述的时候，有几个词语总是一次又一次地出现，例如“爆发”，例如“气势恢宏”，例如“戏剧性”，例如“黑暗”，例如“毁灭”，例如“希望”。聆听Mono的过程，类似于一种跋涉，你会感觉自己置身于幽暗深长的隧道里，在无边无尽的恐惧中，只能朝着远方的微弱光亮不断前行；也类似于一种追逐，一场艰辛的、但是徒劳的搏斗。激烈的、密集的鼓点和镲片，在接近高潮时混乱得近乎疯狂。即便明知道最终会是失败，一切已无可挽回，却依然不能说服自己放弃。这旅程残酷而华丽，它与我们生活中的若干现实是多么相似：一个破釜沉舟的抉择，一次不计后果的奋斗，一番饮鸩止渴的挣扎，一场毫无希望的爱情。因此，投入在Mono的音乐里，总有人会流下眼泪。在他们的生命之中，必定也进行着某种执拗并且绝望的坚持。
面对庸俗的美好、毫无悬念的抒情、没有经历过黑暗的喜乐，Mono表现出彻底的冷漠。这冷漠，你也可以说它铁石心肠。一个个细腻、敏感的音符，如同一朵朵精致盛开的樱花，它们总是在乐曲的开端之处毫无知觉地绽放，为一场注定以悲剧告终的宿命埋下伏笔。
不能被遗忘的现场
对于一个乐队来说，当然有两条旅途。一条是向内的，自我关照的，探索和反省式的旅途；另一条是向外的，自我折射的，开放且充满表现力的旅途。
自乐队成立以来，Mono音乐生涯中的大部分时光，都是在巡演中渡过的。2000年，Mono发行了他们的第一张专辑，包含四首作品的EP《Hey， You》，随即开始了在美国、瑞典等地区的巡演。此后，伴随着每一张新唱片的产出和乐队的发展，Mono的足迹遍布世界，各大音乐节上都出现过他们的身影。正是这一条光辉的旅途，给Mono带来了不朽的荣誉和成就。
2001年，在日本本土巡回演出期间，Mono进行了第二张专辑《Under the Pipal Tree》的录制工作。这张专辑由被称为“美国现代音乐中的后现代主义者”的音乐人约翰·佐恩（John Zorn）设立的前卫唱片公司“Tzadik”发行，它赢得了众多好评。专辑中的大部分曲目，都是在一天之内现场录制完成的。这种在录音室里模拟现场演出录制唱片的方法，后来成为Mono的惯例。无论是简单纯粹的四人组，还是加入交响乐团的合奏，Mono的专辑录音过程，都更像是一个小型的室内现场。从2004年的《Walking Cloud and Deep Red Sky， Flag Fluttered and the Sun Shined》到2009年的《Hymn to the Immortal Wind》，Mono与音乐制作人Steve Albini进行了长期的合作，因为他们认为，这位芝加哥录音工程师可以准确地捕捉到一个现场乐队的原始情感。
现场，对于Mono是重要的。唯有在现场，音乐的情绪和爆发力才能得到最充分的体现。为了制造出不能被遗忘的现场，Mono对舞台的布局和乐手的表现力进行了诸多探索。乐曲被融入到强烈的视觉体验之中，舞台氛围被营造得非常丰富，四个乐手的肢体饱含情绪地晃动，犹如徜徉在另一世界。更不要说，在他们身后，常常有一个对于摇滚现场来说略显庞大的交响乐团，正襟危坐，蓄势待发。这样的舞台，注定是吞没性的。Mono的现场演出，因此给许许多多观众留下了不可磨灭的印象。
弦乐，交响的色彩
“我从没学习过乐理知识，但是我想要充分理解古典音乐或者交响乐所表达的内容。”这是Mono的主音吉他手Taka在一次采访中所说的话。
在乐队的第一张EP里，Mono呈现出最纯粹的摇滚器乐组合，然而，从2001年的第二张专辑《Under the Pipal Tree》开始，这个四件器乐摇滚乐队便把弦乐纳入了创作之中。随后，2002年的专辑《One Step More and You Die》以及2004年的《Walking Cloud and Deep Red Sky， Flag Fluttered and the Sun Shined》，Mono使用了弦乐四重奏；2006年，在专辑《You Are There》中使用了弦乐五重奏；在2009年发行的专辑《Hymn to the Immortal Wind》，弦乐的作用被发挥到了极致，并与电声进行了堪称完美的结合。电吉他的精细旋律，加上瑰丽壮阔的弦乐铺底，一如既往的悲壮直达心底。这一次与Mono合作的，是一个包含28件乐器的室内管弦乐团。 弦乐往往是古典交响的象征，而Mono似乎深谙用弦乐表达更为充沛的情感之道。在后摇创作中加入弦乐，Mono不是第一个，但对于弦乐的恰如其分的使用，却使得Mono的风格更加成熟。他们抹除了弦乐在交响作品中复杂的旋律和多重的变奏，取而代之的，是一个个具有强劲推动力的长音符，似乎为乐曲铺垫了一层故事性的基底，而那些摄人心魄的齐奏，更是能够将音乐的氛围不断推向高潮。
从黎明到最后的黎明，以及黑暗的射线
Mono的第一张EP《Hey， You》，在很大程度上受到80年代美国摇滚乐队音速青年（Sonic Youth）的影响，在电吉他制造出的巨大、吵闹的噪音之下，蔓延出一种模糊的空间感，把声音变成一种永无止境的旅行。随着乐队音乐品味的扩展，Mono从历史上吸收了更多优秀的音乐基因，例如德国古典作曲家贝多芬，意大利电影配乐师Ennio Morricone，以及波兰极简主义作曲家Henryk Górecki等等。在一次采访中，Taka曾提起丹麦导演拉斯·冯提尔对于自己的影响，尤其是他所拍摄的电影《破浪》，这使Mono更加专注于思考音乐在表达情感方面所能到达的高度与深度。
在《Hymn to the Immortal Wind》以后，Mono的音乐似乎变得更加感性，更加细致。如果说，在那之前的作品都如同在冰冷的黑暗的整体中泅渡，那么在那之后，一切都破裂成了碎片，他们开始凝视人生中更加微观、琐碎的情感和体验，回归内在，回到自我的根基之中，搜寻生命中的奇迹、往事，关注自我的成长。
《For My Parents》便是这样一张专辑。这是一张献给父母的专辑。在这张专辑里，Mono延续了一直以来流畅、简约的乐曲结构。同样是扣人心弦的吉他旋律作为开端，却比以往多了些温情，少了些不安；同样是层层推进、跌宕起伏的音墙，却比以往多了些思念和眷恋，少了些残酷。
每一个乐队在发展到巅峰时，都要面临一个问题：如何去超越自己。有些乐队在到达这一点时，便停下了脚步，不愿摧毁自己一手搭建起来的城堡。在这城堡里，一切想象力和感受力，都在高墙和陈旧的空气中消失殆尽。然而，Mono却尚未停止变换和探索。专辑《The Last Dawn》和《Rays of Darkness》就这样诞生了。这是Mono在2014年10月几乎同时发行的两张专辑，分别命名为“最后一个黎明”和“黑暗的射线”（或者“黑暗光束）。值得一提的是，在《Rays of Darkness》中，Mono彻底抛弃了十五年来引以为豪的弦乐，回归到最初的摇滚四大件，继续对于电声的探索。
这两张最新的专辑，如同一个故事的两面，也如同绝唱，揭示着两种截然不同的创作理念。两张专辑的封面，便是最好的阐释：在最后的黎明里，所有的鸟儿和人都飞向了天空，但这绝非重生，而更像是最后的赞美；在随后到来的黑暗里，我们看见鸟群的尸体，人的身躯毫无生命感地向下坠落。难道，这就是Mono在音乐中所探寻到的生命的终局吗？倘若黎明将不再到来，那么Mono十五年来所不懈追逐的那束光亮，是否也将从此消失？
推荐专辑
《You Are There》
2006年
这是Mono自成立以来，发行的第四张专辑。这张专辑，被Mono的许多热爱者奉为珍宝。它延续了Mono一直以来的风格，恢弘、大气、悲壮，一气呵成，充满戏剧性和画面感。这张专辑所收录的乐曲，可以让人领略Mono式的平静与爆发。完整听下来，头脑中便已翻江倒海。一曲十五分钟半的《Yearning》，前半段的和弦与旋律编织得丝丝入扣，在第七分半的时候突然爆发，把人吓得心惊胆寒，不失为奇异的倾听体验。
推荐曲目：
《Yearning》
《Are you there？》
《Hymn to the Immortal Wind》
2009年
在这张专辑里，你可以听到弦乐和电声最完美的结合，这也是Mono在风格转变之前最为成熟的专辑。无论是乐曲的结构还是吉他的表现力，都处理得十分贴切、饱满，没有任何缝隙让人再去关注其它。从《Ashes In The Snow》两条相互交织的旋律开始，在细碎小声的颤音中，弦乐无比慵懒地铺展开这趟旅程—向不朽的风致敬。你可以闭上眼睛，沉醉于壮丽忧伤的抒情里，也可以想象风吹起的树叶和细小的灰尘里所预示的一切生命。
推荐曲目：
《Ashes In The Snow》
《Follow The Map》
《Rays of Darkness》
2014年
这是 Mono最新的专辑，也是他们十五年来首张放弃任何管弦乐器编配的专辑。我们可以说它是跨越，也可以说它是回归。总之，对于Mono来说，这无疑是一个重大的转变。这张专辑，也被认为是Mono有史以来最黑暗的一张。它犹如一曲挽歌，充满了焦灼的、末世般的情绪。从第一首《Recoil， Ignite》开始，后退，燃烧。一条旋律不断重复，步步紧逼，终于，在吉他的快速交替拨弦里，巨大的、毁灭性的音墙压倒一切。希望与绝望，爱与恨，极乐与极悲。在这里甚至出现了人声，这对于Mono也算是绝无仅有，但那充满粗糙金属感的声音，无疑只是加重了这片黑暗的深度。
推荐曲目：
《Recoil， Ignite》
《The Hand That Holds the Truth》
自由撰稿人。以持观望与敬畏之心为荣的阅读者。
专栏简介：
日本现代派先锋音乐，内容涵盖前卫电声、噪音实验、自由即兴、新迷幻等多重领域，以其风格之诡异、形式之丰富、奇人异士之多，已经在现代音乐世界里形成一派神秘而独立的景观。本专栏文章意图并不在于对形式概念和流派类别进行划分介绍，因为许多界线本来就是模糊不清的，尤其在先锋音乐领域，分类常常是一件吃力不讨好的事情。在每一位音乐家本人的音乐探索之中，往往凝聚着更多关于形式的真理。
菊与刀的狂热信仰
日本器乐摇滚团体Mono，是由Takaakira Goto（以下简称TaKa）于1999年一手操办起来的乐队，TaKa担任乐队的吉他手，其余成员分别为吉他手Yoda、钢琴及贝斯手Tamaki和鼓手Yasunori Takada。在后摇的世界里，无论在东方还是西方，Mono都是一个不能被略过的名字，它也被认为是日系后摇中最神圣的典范。
Mono的形式特征是明显的。一方面，它被认为具有实验摇滚和自赏派音乐的显著特征，采用极简化的编曲方法，主音吉他和节奏吉他都大量运用混响、失真和延迟效果，长时间低沉单调的和弦反复、扭曲爆裂的声波和层出不穷的噪音音墙。旋律先是慢慢被确认、被烘托，随后一点点被消耗、被淹没，最终趋向于无形。另一方面，它受到古典主义音乐的强烈影响，集中表现为摇滚乐器与交响乐器的结合，许多人因此将Mono定义为后摇滚中的交响乐。
在Mono身上，无比清晰地体现着日本传统文化中“一手持菊，一手执刀”的暴力美学思想。在对Mono进行描述的时候，有几个词语总是一次又一次地出现，例如“爆发”，例如“气势恢宏”，例如“戏剧性”，例如“黑暗”，例如“毁灭”，例如“希望”。聆听Mono的过程，类似于一种跋涉，你会感觉自己置身于幽暗深长的隧道里，在无边无尽的恐惧中，只能朝着远方的微弱光亮不断前行；也类似于一种追逐，一场艰辛的、但是徒劳的搏斗。激烈的、密集的鼓点和镲片，在接近高潮时混乱得近乎疯狂。即便明知道最终会是失败，一切已无可挽回，却依然不能说服自己放弃。这旅程残酷而华丽，它与我们生活中的若干现实是多么相似：一个破釜沉舟的抉择，一次不计后果的奋斗，一番饮鸩止渴的挣扎，一场毫无希望的爱情。因此，投入在Mono的音乐里，总有人会流下眼泪。在他们的生命之中，必定也进行着某种执拗并且绝望的坚持。
面对庸俗的美好、毫无悬念的抒情、没有经历过黑暗的喜乐，Mono表现出彻底的冷漠。这冷漠，你也可以说它铁石心肠。一个个细腻、敏感的音符，如同一朵朵精致盛开的樱花，它们总是在乐曲的开端之处毫无知觉地绽放，为一场注定以悲剧告终的宿命埋下伏笔。
不能被遗忘的现场
对于一个乐队来说，当然有两条旅途。一条是向内的，自我关照的，探索和反省式的旅途；另一条是向外的，自我折射的，开放且充满表现力的旅途。
自乐队成立以来，Mono音乐生涯中的大部分时光，都是在巡演中渡过的。2000年，Mono发行了他们的第一张专辑，包含四首作品的EP《Hey， You》，随即开始了在美国、瑞典等地区的巡演。此后，伴随着每一张新唱片的产出和乐队的发展，Mono的足迹遍布世界，各大音乐节上都出现过他们的身影。正是这一条光辉的旅途，给Mono带来了不朽的荣誉和成就。
2001年，在日本本土巡回演出期间，Mono进行了第二张专辑《Under the Pipal Tree》的录制工作。这张专辑由被称为“美国现代音乐中的后现代主义者”的音乐人约翰·佐恩（John Zorn）设立的前卫唱片公司“Tzadik”发行，它赢得了众多好评。专辑中的大部分曲目，都是在一天之内现场录制完成的。这种在录音室里模拟现场演出录制唱片的方法，后来成为Mono的惯例。无论是简单纯粹的四人组，还是加入交响乐团的合奏，Mono的专辑录音过程，都更像是一个小型的室内现场。从2004年的《Walking Cloud and Deep Red Sky， Flag Fluttered and the Sun Shined》到2009年的《Hymn to the Immortal Wind》，Mono与音乐制作人Steve Albini进行了长期的合作，因为他们认为，这位芝加哥录音工程师可以准确地捕捉到一个现场乐队的原始情感。
现场，对于Mono是重要的。唯有在现场，音乐的情绪和爆发力才能得到最充分的体现。为了制造出不能被遗忘的现场，Mono对舞台的布局和乐手的表现力进行了诸多探索。乐曲被融入到强烈的视觉体验之中，舞台氛围被营造得非常丰富，四个乐手的肢体饱含情绪地晃动，犹如徜徉在另一世界。更不要说，在他们身后，常常有一个对于摇滚现场来说略显庞大的交响乐团，正襟危坐，蓄势待发。这样的舞台，注定是吞没性的。Mono的现场演出，因此给许许多多观众留下了不可磨灭的印象。
弦乐，交响的色彩
“我从没学习过乐理知识，但是我想要充分理解古典音乐或者交响乐所表达的内容。”这是Mono的主音吉他手Taka在一次采访中所说的话。
在乐队的第一张EP里，Mono呈现出最纯粹的摇滚器乐组合，然而，从2001年的第二张专辑《Under the Pipal Tree》开始，这个四件器乐摇滚乐队便把弦乐纳入了创作之中。随后，2002年的专辑《One Step More and You Die》以及2004年的《Walking Cloud and Deep Red Sky， Flag Fluttered and the Sun Shined》，Mono使用了弦乐四重奏；2006年，在专辑《You Are There》中使用了弦乐五重奏；在2009年发行的专辑《Hymn to the Immortal Wind》，弦乐的作用被发挥到了极致，并与电声进行了堪称完美的结合。电吉他的精细旋律，加上瑰丽壮阔的弦乐铺底，一如既往的悲壮直达心底。这一次与Mono合作的，是一个包含28件乐器的室内管弦乐团。 弦乐往往是古典交响的象征，而Mono似乎深谙用弦乐表达更为充沛的情感之道。在后摇创作中加入弦乐，Mono不是第一个，但对于弦乐的恰如其分的使用，却使得Mono的风格更加成熟。他们抹除了弦乐在交响作品中复杂的旋律和多重的变奏，取而代之的，是一个个具有强劲推动力的长音符，似乎为乐曲铺垫了一层故事性的基底，而那些摄人心魄的齐奏，更是能够将音乐的氛围不断推向高潮。
从黎明到最后的黎明，以及黑暗的射线
Mono的第一张EP《Hey， You》，在很大程度上受到80年代美国摇滚乐队音速青年（Sonic Youth）的影响，在电吉他制造出的巨大、吵闹的噪音之下，蔓延出一种模糊的空间感，把声音变成一种永无止境的旅行。随着乐队音乐品味的扩展，Mono从历史上吸收了更多优秀的音乐基因，例如德国古典作曲家贝多芬，意大利电影配乐师Ennio Morricone，以及波兰极简主义作曲家Henryk Górecki等等。在一次采访中，Taka曾提起丹麦导演拉斯·冯提尔对于自己的影响，尤其是他所拍摄的电影《破浪》，这使Mono更加专注于思考音乐在表达情感方面所能到达的高度与深度。
在《Hymn to the Immortal Wind》以后，Mono的音乐似乎变得更加感性，更加细致。如果说，在那之前的作品都如同在冰冷的黑暗的整体中泅渡，那么在那之后，一切都破裂成了碎片，他们开始凝视人生中更加微观、琐碎的情感和体验，回归内在，回到自我的根基之中，搜寻生命中的奇迹、往事，关注自我的成长。
《For My Parents》便是这样一张专辑。这是一张献给父母的专辑。在这张专辑里，Mono延续了一直以来流畅、简约的乐曲结构。同样是扣人心弦的吉他旋律作为开端，却比以往多了些温情，少了些不安；同样是层层推进、跌宕起伏的音墙，却比以往多了些思念和眷恋，少了些残酷。
每一个乐队在发展到巅峰时，都要面临一个问题：如何去超越自己。有些乐队在到达这一点时，便停下了脚步，不愿摧毁自己一手搭建起来的城堡。在这城堡里，一切想象力和感受力，都在高墙和陈旧的空气中消失殆尽。然而，Mono却尚未停止变换和探索。专辑《The Last Dawn》和《Rays of Darkness》就这样诞生了。这是Mono在2014年10月几乎同时发行的两张专辑，分别命名为“最后一个黎明”和“黑暗的射线”（或者“黑暗光束）。值得一提的是，在《Rays of Darkness》中，Mono彻底抛弃了十五年来引以为豪的弦乐，回归到最初的摇滚四大件，继续对于电声的探索。
这两张最新的专辑，如同一个故事的两面，也如同绝唱，揭示着两种截然不同的创作理念。两张专辑的封面，便是最好的阐释：在最后的黎明里，所有的鸟儿和人都飞向了天空，但这绝非重生，而更像是最后的赞美；在随后到来的黑暗里，我们看见鸟群的尸体，人的身躯毫无生命感地向下坠落。难道，这就是Mono在音乐中所探寻到的生命的终局吗？倘若黎明将不再到来，那么Mono十五年来所不懈追逐的那束光亮，是否也将从此消失？
推荐专辑
《You Are There》
2006年
这是Mono自成立以来，发行的第四张专辑。这张专辑，被Mono的许多热爱者奉为珍宝。它延续了Mono一直以来的风格，恢弘、大气、悲壮，一气呵成，充满戏剧性和画面感。这张专辑所收录的乐曲，可以让人领略Mono式的平静与爆发。完整听下来，头脑中便已翻江倒海。一曲十五分钟半的《Yearning》，前半段的和弦与旋律编织得丝丝入扣，在第七分半的时候突然爆发，把人吓得心惊胆寒，不失为奇异的倾听体验。
推荐曲目：
《Yearning》
《Are you there？》
《Hymn to the Immortal Wind》
2009年
在这张专辑里，你可以听到弦乐和电声最完美的结合，这也是Mono在风格转变之前最为成熟的专辑。无论是乐曲的结构还是吉他的表现力，都处理得十分贴切、饱满，没有任何缝隙让人再去关注其它。从《Ashes In The Snow》两条相互交织的旋律开始，在细碎小声的颤音中，弦乐无比慵懒地铺展开这趟旅程—向不朽的风致敬。你可以闭上眼睛，沉醉于壮丽忧伤的抒情里，也可以想象风吹起的树叶和细小的灰尘里所预示的一切生命。
推荐曲目：
《Ashes In The Snow》
《Follow The Map》
《Rays of Darkness》
2014年
这是 Mono最新的专辑，也是他们十五年来首张放弃任何管弦乐器编配的专辑。我们可以说它是跨越，也可以说它是回归。总之，对于Mono来说，这无疑是一个重大的转变。这张专辑，也被认为是Mono有史以来最黑暗的一张。它犹如一曲挽歌，充满了焦灼的、末世般的情绪。从第一首《Recoil， Ignite》开始，后退，燃烧。一条旋律不断重复，步步紧逼，终于，在吉他的快速交替拨弦里，巨大的、毁灭性的音墙压倒一切。希望与绝望，爱与恨，极乐与极悲。在这里甚至出现了人声，这对于Mono也算是绝无仅有，但那充满粗糙金属感的声音，无疑只是加重了这片黑暗的深度。
推荐曲目：
《Recoil， Ignite》
《The Hand That Holds the Truth》