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中图分类号：G632文献标识码：A 文章编号：1008-925X(2011)09-0105-01
在近几年的高考教学工作中，我和同行深有感触，相对于素描来说，色彩较容易提高，尤其是素描基础好，色彩感觉较好的学生，只需几个月的训练就能见到成效。但真正悟到色彩的真谛并非容易，也就是说得高分并不容易，不仅需要技法，更重要的是增加色彩修养。
众所周知色彩是具备一定的感情因素，大自然的春夏秋冬，人的喜怒哀乐都可以用色彩来表示。古今中外的作品不胜枚举，尤其是一些表现主义的作品更是突出。真正想从是于绘画事业并有所发展的，首先就要有鲜明的艺术个性，要有独特的审美感受，只有这样才能在自己的作品中表达自己的主观感受和强烈的情绪，才能用作品感动人，达到教育的目的。
教学的目的是教给学生一定的方法，培养学生的创造力，而不是绘画的机器，不是简单的模仿和照搬。倘若学生都用同样的方法作画，克隆出近似双胞胎的作品，那就是艺术教育的悲哀，这个问题已引起广泛的关注。在学生的色彩训练阶级，有意识引导学生观察色彩，培养学生自己的感受，并非一朝一夕就能够完成的，除了学生自身不断努力外，教师的正确引导的作用不容忽视。我所带的2004年毕业生就很好的说明了这一点。当时本班共有16名美术专业学生，入学时除两名学生有点静物素描的基础外，其他大部分学生对专业一无所知，甚至连拿笔的姿势都不会。经过三年的学习，专业合格率100%。其中一人获得中央美术学院合格证，一人获天津美院合格证，三名学生获北京服装学院合格证。依据这几年的教学经验，对色彩教学加以概括。
1 借鉴传统的绘画方法，古为今用
中国传统文化，源远流长，有着灿烂辉煌的成就，在长期历史的发展中，留下无数旷世杰作。这些作品可以与西方任何时代的作品相媲美，像一座座高峰，巍然屹立于世界艺术之林，越来越为当今世界所瞩目。没有继承就没有发展，这是一条实践验证出的真理。中国绘画讲究“意境”以情造景，以少胜多，这与我们的西方绘画并不矛盾，①如果说西方绘画是体面和色彩的交响，那么中国画就是点线和水墨的协奏。大多数学习西面的学生普遍对中国传统的绘画不屑一顾，其实早有“艺术是相通”的這句古话，经过几年的教学实际我深刻地认识到这一点。②在南齐谢赫六法中就提到“随类赋彩”是绘画艺术造型的基础，是对汉代以来用色经验的总结。“随类赋彩”是东方艺术用色的一条理论依据。众所周知，每个人的色彩感受是不同，不要把自己的东西强加给学生。东晋顾凯之的“以形写神、形神兼备”的原则，强调形的重要性，在形体、比例、结构关系正确的前提下达到神似以感染人。
2 分析大师的绘画风格，寻找用色规律
学生在使自己“主观色彩”不断完善，表现形式不断完整的过程中，一定要向前辈学习，在向大师学习的过程中不断完善自己，使自己的额色彩之路越走越宽。尤其是学生掌握了一些基本的绘画技法和基本的色彩常识之后，这一过程显得尤其重要。我们往往看到一些学生初期进步很快，但一段时间之后基本没什么进步，这时就需要静下心来好好想一想，踏踏实实地看看大师的作品。印象派是十九世纪后半期诞生于法国的绘画流派，他们继承了法国现实主义前辈画家库尔贝“让艺术面向当代生活”的传统，使自己的创作进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖，艺术家们走出画室，深入原野和乡村街头，把对大自然清新生动的感观放到了首位，认真观察沐浴在光线中的自然景色，寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用，以看似随意实则准确地抓住了对象的迅速手法，把变化不定的光色效果记录在画布上。留下瞬间的永恒的图像，这种取自于外光写生的方式和捕捉到的种种生动印象以及所呈现的种种风格，不能不说是印象派绘画的创举。自到今天，他们的作品仍是我们美术工作者学习和借鉴的因此，通过大量地分析研究大师地作品，可以提高学生的欣赏品味，增强分析理解的能力，使学生了解、体会大师独特的色彩个性，在我们日程写生中如何把握主观色彩和真实静物间的关系，达到自由运用色彩的能力。
3重内在精神的体现，再现和表现的完美统一
美术作品有两种表现形式：再现和表现。再现一般指艺术家对所认识的对象或社会生活的具体描绘，感性的、理解的因素比较显著。在创作手法上偏重于写实和逼真，即追求感性知识的完美和现象的逼真。文艺复兴时期达芬奇说：“绘画是自然界一切可见事物的唯一模仿者”“画家的心应该像一面镜子，经常把反映事物的色彩摄进来，面前摆着多少事物，就摄多少形象。”一般只艺术家运用艺术手段直接表达自己的感情体验和审美理想。理性的、情感的因素比较显著，在创作手法上偏重于理想地表现对象或抛弃具体的物象，追求超感觉的内容和观念。在创作上偏重于表现自我，高度概括，不求形似等特点。正如倪瓒说“所谓画者不过逸笔草草，不求形似”。“聊以写胸中逸气耳”美术创造中的表现手法、特点是理性的观念和强烈的感情起了主导作用，自由创造，不受已有技法的约束，带有较大的随意性。对于在线和表现没有好坏之分，只是两种不同的表现形式而已。但对于我们的教学，由于面对的是即将考学的学子，需要扎实的基本功，我们首先要解决的是形体、比例、结构、其次是情感以及对表现内容的理解，要先再现后表现，防止学生盲目的表现而失去绘画的本质。
4积累色彩知识，提高色彩修养
如何提高学生的色彩能力，除了上面谈到的几点外，还要从色彩知识方面加以训练，适当夸张和强调画面上的主导色彩，加以色彩的鲜明度，使画面具有强烈感和鲜明感，同时消弱次要的色彩，使画面的色彩归于纯粹，这种单纯会强化画面的力量。我们看到学生的作业经常会出现两种问题;一是单纯地强调固有色，把静物画的很漂亮，但怎么看都觉得别扭，总觉得粘不上去的，极不协调，主要是没有和周围的色彩关系联系起来；另一种情况与其相反，将静物的环境色夸张的过分，将静物画的很脏很乱。遇到这种情况我们就需要冷静处理。抓住主导色进行强调训练，仍不失为色彩强化的思维训练。学习的最终目的是掌握色彩规律提高色彩修养，养成良好的学习习惯。在多年的色彩教学中我体会到：学习色彩要紧紧抓住色彩规律个色彩本质，紧扣学习重要环节，有条不紊地进行色彩训练，才能达到事半功倍的效果。
包豪斯在色彩教学中提出“感知的教育”这个课题，强调一切从零开始，用一种新的眼光来观察世界。因此，我们在教学上应围绕审美能力和创新能力的培养，并始终以此为目标与时俱进，与色共舞，将学生领进广阔的色彩领域翱翔。
在近几年的高考教学工作中，我和同行深有感触，相对于素描来说，色彩较容易提高，尤其是素描基础好，色彩感觉较好的学生，只需几个月的训练就能见到成效。但真正悟到色彩的真谛并非容易，也就是说得高分并不容易，不仅需要技法，更重要的是增加色彩修养。
众所周知色彩是具备一定的感情因素，大自然的春夏秋冬，人的喜怒哀乐都可以用色彩来表示。古今中外的作品不胜枚举，尤其是一些表现主义的作品更是突出。真正想从是于绘画事业并有所发展的，首先就要有鲜明的艺术个性，要有独特的审美感受，只有这样才能在自己的作品中表达自己的主观感受和强烈的情绪，才能用作品感动人，达到教育的目的。
教学的目的是教给学生一定的方法，培养学生的创造力，而不是绘画的机器，不是简单的模仿和照搬。倘若学生都用同样的方法作画，克隆出近似双胞胎的作品，那就是艺术教育的悲哀，这个问题已引起广泛的关注。在学生的色彩训练阶级，有意识引导学生观察色彩，培养学生自己的感受，并非一朝一夕就能够完成的，除了学生自身不断努力外，教师的正确引导的作用不容忽视。我所带的2004年毕业生就很好的说明了这一点。当时本班共有16名美术专业学生，入学时除两名学生有点静物素描的基础外，其他大部分学生对专业一无所知，甚至连拿笔的姿势都不会。经过三年的学习，专业合格率100%。其中一人获得中央美术学院合格证，一人获天津美院合格证，三名学生获北京服装学院合格证。依据这几年的教学经验，对色彩教学加以概括。
1 借鉴传统的绘画方法，古为今用
中国传统文化，源远流长，有着灿烂辉煌的成就，在长期历史的发展中，留下无数旷世杰作。这些作品可以与西方任何时代的作品相媲美，像一座座高峰，巍然屹立于世界艺术之林，越来越为当今世界所瞩目。没有继承就没有发展，这是一条实践验证出的真理。中国绘画讲究“意境”以情造景，以少胜多，这与我们的西方绘画并不矛盾，①如果说西方绘画是体面和色彩的交响，那么中国画就是点线和水墨的协奏。大多数学习西面的学生普遍对中国传统的绘画不屑一顾，其实早有“艺术是相通”的這句古话，经过几年的教学实际我深刻地认识到这一点。②在南齐谢赫六法中就提到“随类赋彩”是绘画艺术造型的基础，是对汉代以来用色经验的总结。“随类赋彩”是东方艺术用色的一条理论依据。众所周知，每个人的色彩感受是不同，不要把自己的东西强加给学生。东晋顾凯之的“以形写神、形神兼备”的原则，强调形的重要性，在形体、比例、结构关系正确的前提下达到神似以感染人。
2 分析大师的绘画风格，寻找用色规律
学生在使自己“主观色彩”不断完善，表现形式不断完整的过程中，一定要向前辈学习，在向大师学习的过程中不断完善自己，使自己的额色彩之路越走越宽。尤其是学生掌握了一些基本的绘画技法和基本的色彩常识之后，这一过程显得尤其重要。我们往往看到一些学生初期进步很快，但一段时间之后基本没什么进步，这时就需要静下心来好好想一想，踏踏实实地看看大师的作品。印象派是十九世纪后半期诞生于法国的绘画流派，他们继承了法国现实主义前辈画家库尔贝“让艺术面向当代生活”的传统，使自己的创作进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖，艺术家们走出画室，深入原野和乡村街头，把对大自然清新生动的感观放到了首位，认真观察沐浴在光线中的自然景色，寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用，以看似随意实则准确地抓住了对象的迅速手法，把变化不定的光色效果记录在画布上。留下瞬间的永恒的图像，这种取自于外光写生的方式和捕捉到的种种生动印象以及所呈现的种种风格，不能不说是印象派绘画的创举。自到今天，他们的作品仍是我们美术工作者学习和借鉴的因此，通过大量地分析研究大师地作品，可以提高学生的欣赏品味，增强分析理解的能力，使学生了解、体会大师独特的色彩个性，在我们日程写生中如何把握主观色彩和真实静物间的关系，达到自由运用色彩的能力。
3重内在精神的体现，再现和表现的完美统一
美术作品有两种表现形式：再现和表现。再现一般指艺术家对所认识的对象或社会生活的具体描绘，感性的、理解的因素比较显著。在创作手法上偏重于写实和逼真，即追求感性知识的完美和现象的逼真。文艺复兴时期达芬奇说：“绘画是自然界一切可见事物的唯一模仿者”“画家的心应该像一面镜子，经常把反映事物的色彩摄进来，面前摆着多少事物，就摄多少形象。”一般只艺术家运用艺术手段直接表达自己的感情体验和审美理想。理性的、情感的因素比较显著，在创作手法上偏重于理想地表现对象或抛弃具体的物象，追求超感觉的内容和观念。在创作上偏重于表现自我，高度概括，不求形似等特点。正如倪瓒说“所谓画者不过逸笔草草，不求形似”。“聊以写胸中逸气耳”美术创造中的表现手法、特点是理性的观念和强烈的感情起了主导作用，自由创造，不受已有技法的约束，带有较大的随意性。对于在线和表现没有好坏之分，只是两种不同的表现形式而已。但对于我们的教学，由于面对的是即将考学的学子，需要扎实的基本功，我们首先要解决的是形体、比例、结构、其次是情感以及对表现内容的理解，要先再现后表现，防止学生盲目的表现而失去绘画的本质。
4积累色彩知识，提高色彩修养
如何提高学生的色彩能力，除了上面谈到的几点外，还要从色彩知识方面加以训练，适当夸张和强调画面上的主导色彩，加以色彩的鲜明度，使画面具有强烈感和鲜明感，同时消弱次要的色彩，使画面的色彩归于纯粹，这种单纯会强化画面的力量。我们看到学生的作业经常会出现两种问题;一是单纯地强调固有色，把静物画的很漂亮，但怎么看都觉得别扭，总觉得粘不上去的，极不协调，主要是没有和周围的色彩关系联系起来；另一种情况与其相反，将静物的环境色夸张的过分，将静物画的很脏很乱。遇到这种情况我们就需要冷静处理。抓住主导色进行强调训练，仍不失为色彩强化的思维训练。学习的最终目的是掌握色彩规律提高色彩修养，养成良好的学习习惯。在多年的色彩教学中我体会到：学习色彩要紧紧抓住色彩规律个色彩本质，紧扣学习重要环节，有条不紊地进行色彩训练，才能达到事半功倍的效果。
包豪斯在色彩教学中提出“感知的教育”这个课题，强调一切从零开始，用一种新的眼光来观察世界。因此，我们在教学上应围绕审美能力和创新能力的培养，并始终以此为目标与时俱进，与色共舞，将学生领进广阔的色彩领域翱翔。