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编者按：3月18日，上海歌剧院新版《茶花女》在上海大剧院首演。这个上海版在上演之前即受到热烈的关注。首演当日，在场所有观众跟随“白色茶花号”，完成了一次时空穿越。
在威尔第四大名作中，《茶花女》独具一格，从问世以来其上演频率居高不下。“因长久保存对文学原著的敬意，歌剧音乐和人物情节早已烂熟于心。”这是本人现场聆赏次数最多的经典之一，所以多听一场少看一遍无所谓。
再次被《茶花女》撩拨得心思萌动，既是经典魅力本身使然，更多动力则来自“上海歌剧院新版，将巴黎社交沙龙的故事，搬上了一艘豪华邮轮”！如此宣传用语，怎不让人顿生好奇？全剧三幕四场，置景更迭时空转换，在邮轮上如何表现？所以，再飞一趟上海势在必行。
2016年3月18日至20日，上海歌剧院在上海大剧院公演威尔第歌剧《茶花女》上海版。张国勇指挥上海歌剧院交响乐团、上海歌剧院合唱团；上海歌剧院舞剧团、上海杂技团有限公司参演。主创人员如下。导演：易立明；舞美服装设计：夏洛特·莱思；视频设计：王之纲；灯光设计：邓文；编舞：彭雯妮；薇奥莱塔：徐晓英/马倩；阿尔弗雷多：韩蓬/于浩磊；热尔蒙：孙砾/陶阔；芙洛拉：赵庆/李娜；卡斯托内：陈朝斌/李再耀；安妮娜：贾文璇/王潇希；杜福尔男爵：余杨/王苏明；欧比尼侯爵：谢楠/赵卓；格林维尔医生：吴轶群。
在我现场观看的所有西方歌剧经典中，威尔第《茶花女》上海版的视觉审美新鲜而奇特，超过以往任何一版。重点是易导坚守原则底线，原作之音乐唱段与文本结构，绝不随意改动。因此，无论时空如何变幻，服饰场景如何翻新，全剧演出仍保持着经典应有的神韵与品相。但，“她”绝对超凡脱俗与众不同，带给观众耳目一新回味无穷的综合艺术审美体验。
破冰之旅的惊艳
一阵掌声，表达了全场观众对上海版《茶花女》的期待与鼓励。两声汽笛，预示着“白色茶花号”邮轮即将开启航程。
音乐响起，环形天幕呈现出大片画面的移动镜头，蓝天白云倒映着波光粼粼的海面，两侧雪白的浮冰山漂移闪回，犹如身临其境般的晕眩。对，就是这造成晕船的奇妙感觉，令人惊讶愕然。视觉审美怡情悦目，听觉审美先声夺人。开演没几分钟，我们就不由自主被这一切的摄魂掠魄牵引到《茶花女》的新世界中，神往心驰跟着音乐上了这艘远航之“船”，恍兮惚兮情不自禁入了戏。
新版将故事发生设定于1920年前后，上海开往巴黎的邮轮“白色茶花号”上，而非原剧标注的1700年前后或1800年前后。按原剧文本的描述：一幕，薇奥莱塔的客厅一巴黎上流社会的社交场所；二幕一场，薇奥莱塔的爱巢-巴黎城郊一隅的乡村寓所；二幕二场，芙洛拉的客厅-巴黎上流社会的社交场所；三幕，薇奥莱塔的卧室-巴黎狂欢人群遗忘的角落。这时空的跨越和更迭如何能在一艘邮轮上实现？自从听说上海版是个“邮轮上的《茶花女》”，我就一直好奇，好奇，特别好奇，在音乐与文本都原封原样的基础上，导演究竟要如何处理，方能不会游移间离圆得过去？
这种疑虑，在一幕基本不会出问题。曾看过远方的凤凰歌剧院，本土的中央歌剧院、国家大剧院等N版《茶花女》，薇奥莱塔的客厅，只有一间。在舞台处理上无非进进出出。上海新版《茶花女》，“客厅”里的戏移到了“甲板”上，将内景换成外景，这堂景，从始至终固定不变，全靠环形幕布上的视频镜头变化更迭，春夏秋冬的季节交替，沿海城市的景色变化，所有动态概莫能外，同相对静态的“甲板”形成反差对照。这种处理，需要智慧机巧也需要自信胆魄。
易立明有这种智慧机巧，有这份自信胆魄。二幕一场，他让邮轮停泊靠岸，女仆才能下船出去兑换首饰传递书信，老父亲才能上船进来警示红颜劝诫浪子。二幕二场同一幕，只是换了女主人，宾客还是那些宾客。看上去颇出新意的是吉普赛女郎的合唱段落，一曲“美人鱼之舞”，从服装扮相到舞蹈语汇，全都标新立异与众不同。舞女身着鱼尾形裙裾，在节奏鲜明的吉普赛女郎合唱中穿游摇荡风情万种。
在人们熟悉的音乐与歌声中，易立明自然是不会添加一个音符一段字句，但他想方设法不让观众的眼睛闲着，甲板上竖立起高高的直竿，一群男孩身穿蓝白相间的海魂衫，在高高的直竿上翻跃腾挪灵活矫健。西洋歌剧中掺入中国杂技，应该会比较接地气招人气，这种经典的本土化处理，上海版《茶花女》不是第一个，但效果却很出奇。许多观众看得入神也很开心，忍不住拍手称快，引动阵阵掌声喝彩。而有些歌剧爱好者也许会感觉，这段处理有些出戏，只顾着看精彩的杂技，可能会干扰静静聆听美妙的音乐与歌声。
第三幕可能也会有人产生点点疑虑。仍旧是在甲板上演戏，已病入膏肓生命垂危的茶花女，竟然跑到甲板上，头上是雪花，脚下是雪地。医生看病，爱人重逢，父亲忏悔，等等，全部都在这里。好像不合常规有悖情理。重点是，“天亮了吗？”你都跑到甲板上，还看不见吗？“请拉开窗帘吧！”你都跑到甲板上，哪有窗帘呢？但是这堂景，大约在冬季，漫天飞雪雪绒铺地，实在有一种无法抵挡的美。人生的凄凉，人世的薄凉，何须多言全在这里，看在眼中悲由心生，悲剧的力量，强大而神奇。如果最终已被这场戏彻底征服，谁还会纠结这些无伤大碍的词句？那些微不足道的时空交错，谁还会在意？
爱情挽歌的抒怀
最近一次听徐晓英是2015年12月，她在国家大剧院原创歌剧《这里的黎明静悄悄》里饰演女一号丽达。从严肃冷峻的苏俄女兵到优雅风情的驻唱歌女，徐晓英不是第一次挂头牌，但却是在上海大剧院舞台上第一次主演A组薇奥莱塔。面对一次全新的挑战，她实现了角色转型与人物塑造的自我超越。
这个形神兼备唱演俱佳的“茶花女”，拥有值得许多中外女高音歌唱家艳羡的高挑身材加姣好容貌。重点是她嗓音条件优越，专业技术过硬，而且，舞台经验丰富，现场发挥自如。只是她与角色原初的声音类型并非原装标配，全剧三幕四场，薇奥莱塔的演唱在方式与表情上，还是应当有所区别。
一幕的薇奥莱塔带着驻唱歌女的“面具”，笑容可掬逢场作戏。开始感觉徐晓英绷得略紧，表演状态不够松弛活络，举手投足端庄有余风情不足，有点像个大家闺秀而非天涯歌女。 薇奥莱塔回归正常表现是在“圆舞曲和二重唱”《饮酒歌》。徐晓英好像一下放开了，女主的心态与状态一下对位入戏了，歌声尽显其纵情与欢情，堪称尽善尽美。可惜下面这段二重唱，她的神态与情态又略显不自然了。在劝告阿尔弗雷多“死了这条心”时，何必要摆出一副大义凛然拒人千里的表情？她毕竟只是个四海漂泊的驻唱歌女而已。
著名的薇奥莱塔咏叹调“啊！那就是他吗？”这个篇幅长分量重且情绪变化层次丰富的经典唱段，徐晓英全情投入格外努力。有些段落很有质量，弱音的掌控与处理多有讲究，突出戏剧性的乐句也富有张力。但某些高音区的演唱，在弹性与灵敏度上还不尽如人意。f小调小行板“我的心在跳动……”，表现薇奥莱塔爱的梦想与欢悦，精妙度还不够理想；A大调华丽的快板“我的生活是在寻欢作乐的小径上徘徊”。表现女主心神飘忽摇荡不安的复杂矛盾心理，层次感还不够清晰。
徐晓英属于那种“热嗓子”吗？本来有些担心，她一幕唱得略紧，往后还能打开吗？可喜的是，她越唱状态越好，自身的带入感与优势越来越突出。二幕一场与热尔蒙的对手戏，她演得自然流畅楚楚动人，大小唱段完成的质量也有所提升。三幕是薇奥莱塔最有光彩最富魅力的重头戏，那段a小调稍快的行板“往日美好欢乐的梦境啊，再见了！”徐晓英一咏三叹扣人心弦，演员与角色自觉贴近融为一体，薇奥莱塔终于成功地让我们信服，这就是她的生命绝唱。
曾经在北京见识过韩蓬在《燕子之歌》《阿蒂拉》《骆驼祥子》《永·乐》等中外歌剧中主演男一号，阿尔弗雷多的声音造型应该更适合他。一幕“饮酒歌”完美演绎先声夺人，接下来他台前幕后的爱情告白光彩夺目。二幕泳装的男主一出场喜感十足，听他演唱“她那温柔的爱的微笑，温暖了我年轻火热的心”，非常松弛愉悦，既有夏日阳光投射的温度，又有热恋中大男孩的劲头，深情款款，激情似火。如果说这之前感觉男高音演唱胜于演戏，那么，从阿尔弗雷多发现爱人的“背弃”后，他的惊诧不已、难以置信，他的悲痛欲绝、愤恨恼怒，多情男儿的愚痴矫情与率真任性，真实自然尽收眼底。
二幕二场，阿尔弗雷多憋着满腔怨恨上场，感觉就是那种愣头青刺儿头寻衅挑事儿来了。这场戏，韩蓬完全进入了角色化的表演。一连串宣叙调式的闲言碎语对白插话，他的语感语调既讲究音乐性又注重生活化。接得住、跳得开，进得去、出得来，让我们听觉心理熨帖舒服。他的报复、爆发富于强大的能量，失恋者内心压抑的千重不甘万般委屈，孩子式的倔强执拗，一个乡绅之子的性格特征，准确入位神气活现。最后一场生离死别，韩蓬全情入戏，他对爱人的温存安抚，他对爱情的憧憬向往，歌声里的表情丰富而细腻。
在歌剧新生代男中音歌唱家里，孙砾可能是主演中外歌剧角色最多的代表之一。他可以将正面人物如《赵氏孤儿》的古代义士程婴刻画得栩栩如生，也可以将反面角色如《托斯卡》的斯卡皮亚演绎得入木三分。第一次听他的热尔蒙，感觉似曾相识又有些陌生。可能因中央歌剧院王海涛的热尔蒙给我留下的印象太深，而孙砾走的完全是另一条路子。同一部歌剧同一个角色，原来可以因不同的演员呈现出完全不同的形貌。
开始孙砾一上场，有点恶狠狠凶巴巴，看他对薇奥莱塔指手画脚步步紧逼，有点不太适应喘不过气。他是有意识地要这个效果吗？王海涛突然跳进我的脑海，他的古板刻板固化表情，目不斜视声色不动，基本保持挺直的腰身，更符合我对老乡绅热尔蒙的全部想象。现在这个热尔蒙，脸上紧绷身形松垮，一边比划一边溜达。似乎与我想象中的老乡绅存有一定距离。这种角色游离感一直伴随着热尔蒙和薇奥莱塔的对手戏结束，父与子的“二人台”开始。“普罗旺斯的天空和海洋”这首著名的热尔蒙咏叹调，孙砾唱得真好！语气的收放，强弱的对比，节奏的伸缩，全在高堂慈爱情怀之间。有一段弱声处理匠心独运，好像父亲对儿子附耳私语，这是我现场听过的对比最强幅度最宽的热尔蒙咏叹调。二幕二场至三幕，热尔蒙已无相对完整独立的唱段，孙砾在表演上优势突出，这个角色变得丰满而立体了。
感心动耳的华彩
从北京飞上海，最初肯定是出于对“邮轮”的好奇。实际上还有重要一层，那就是对张国勇指挥《茶花女》充满期待也满怀信心。这位在国内舞台指挥歌剧最多的指挥家，演绎中外经典与原创新作轻车熟路自成一派。现场听他的《茶花女》，第一次。神奇小棍的无言咏叹，绝对是感心动耳的华彩。
最初的如瀑掌声渐渐平息，只见乐池中的张国勇高抬双臂，引出前奏曲f小调-E大调柔板，只听小提琴用极弱音演奏出哀婉凄凉的旋律亲切而熟悉。如此的极弱（ppp）起，必须竖起耳朵屏住呼吸。这是薇奥莱塔气若游丝的哀婉叹息，听者的思绪随着音流，飘向第三幕开始的悲剧主题，似闻茶花凋零萎谢时的哀泣。音乐的情绪与性格，从悲凉忧伤开始延伸。在舒缓的圆舞曲中，两条旋律线穿游交织变化更迭，短暂的前奏曲，布局合理层次清明，奠定了全剧的基调与底色。
引子挑动华丽而活泼的A大调快板，管弦乐激烈升腾的音型烘托出以薇奥莱塔为中心聚会的欢乐气氛。音乐高潮的推进与节奏的松紧，全在指挥家严密掌控之下。张国勇激情稳健相辅相成，大结构、小细节十分讲究，放得开、收得住，尺寸合宜。器乐与声乐和谐默契，无论合唱、重唱，还是咏叹调、宣叙调，演员进得来出得去，感觉舒服自如。许多纯器乐段落在歌唱性、抒情性、戏剧性上精到而独特的艺术处理，音乐的“补白”出神入化妙不可言。三幕开始，薇奥莱塔从底舱走上甲板，那段音乐，深藏着凄切与忧伤，蕴蓄着苦痛与悲凉，那般内敛含蓄隐忍不发，丰盈着悲天悯人的情怀，感人肺腑催人泪下。
在谢幕时，全场观众向指挥家欢呼喝彩，张国勇收获了最高的荣誉。音乐是邮轮的驱动力，如果没有他正确无误的导航，神秘的“白色茶花号”，如何驶向希望之光照耀的彼岸？
上海版《茶花女》，表达了中国歌剧人对西方经典的敬意与诚意。她已然超越了经典的复制再现常规模式，可谓西洋歌剧中国化的成功范例。一艘神奇的“邮轮”，承载着许多曾经无缘歌剧的普通人，顺利驶向歌剧的艺术圣殿，更容易地亲近舞台上的《茶花女》。即便是曾经欣赏过很多次的老观众，从中也获得了从未有过的新感受和新体验。
从始至终，好像我们观众都是人在船上、情在戏中，一边看她和他互生爱意，一边听他和她黯然神伤；一边为美好爱情而感慨，一边为悲剧人生而哭泣……越是入戏渐深越感无力自拔。坦白说，从听完第一幕，我就开始暗自后悔，何以行色匆匆？上海方面这次为《茶花女》倾力投入、精良制作，新版无论如何也该听两遍。何况错过B组演员，有失公平也心有不甘。只能遗憾了，下次吧。
愿“白色茶花号”再度起航，乘风破浪开往更多的码头，停泊更多的港湾，在更多城市让更多国人见证，经典重新焕发生机，奇异芬芳香飘万里。
在威尔第四大名作中，《茶花女》独具一格，从问世以来其上演频率居高不下。“因长久保存对文学原著的敬意，歌剧音乐和人物情节早已烂熟于心。”这是本人现场聆赏次数最多的经典之一，所以多听一场少看一遍无所谓。
再次被《茶花女》撩拨得心思萌动，既是经典魅力本身使然，更多动力则来自“上海歌剧院新版，将巴黎社交沙龙的故事，搬上了一艘豪华邮轮”！如此宣传用语，怎不让人顿生好奇？全剧三幕四场，置景更迭时空转换，在邮轮上如何表现？所以，再飞一趟上海势在必行。
2016年3月18日至20日，上海歌剧院在上海大剧院公演威尔第歌剧《茶花女》上海版。张国勇指挥上海歌剧院交响乐团、上海歌剧院合唱团；上海歌剧院舞剧团、上海杂技团有限公司参演。主创人员如下。导演：易立明；舞美服装设计：夏洛特·莱思；视频设计：王之纲；灯光设计：邓文；编舞：彭雯妮；薇奥莱塔：徐晓英/马倩；阿尔弗雷多：韩蓬/于浩磊；热尔蒙：孙砾/陶阔；芙洛拉：赵庆/李娜；卡斯托内：陈朝斌/李再耀；安妮娜：贾文璇/王潇希；杜福尔男爵：余杨/王苏明；欧比尼侯爵：谢楠/赵卓；格林维尔医生：吴轶群。
在我现场观看的所有西方歌剧经典中，威尔第《茶花女》上海版的视觉审美新鲜而奇特，超过以往任何一版。重点是易导坚守原则底线，原作之音乐唱段与文本结构，绝不随意改动。因此，无论时空如何变幻，服饰场景如何翻新，全剧演出仍保持着经典应有的神韵与品相。但，“她”绝对超凡脱俗与众不同，带给观众耳目一新回味无穷的综合艺术审美体验。
破冰之旅的惊艳
一阵掌声，表达了全场观众对上海版《茶花女》的期待与鼓励。两声汽笛，预示着“白色茶花号”邮轮即将开启航程。
音乐响起，环形天幕呈现出大片画面的移动镜头，蓝天白云倒映着波光粼粼的海面，两侧雪白的浮冰山漂移闪回，犹如身临其境般的晕眩。对，就是这造成晕船的奇妙感觉，令人惊讶愕然。视觉审美怡情悦目，听觉审美先声夺人。开演没几分钟，我们就不由自主被这一切的摄魂掠魄牵引到《茶花女》的新世界中，神往心驰跟着音乐上了这艘远航之“船”，恍兮惚兮情不自禁入了戏。
新版将故事发生设定于1920年前后，上海开往巴黎的邮轮“白色茶花号”上，而非原剧标注的1700年前后或1800年前后。按原剧文本的描述：一幕，薇奥莱塔的客厅一巴黎上流社会的社交场所；二幕一场，薇奥莱塔的爱巢-巴黎城郊一隅的乡村寓所；二幕二场，芙洛拉的客厅-巴黎上流社会的社交场所；三幕，薇奥莱塔的卧室-巴黎狂欢人群遗忘的角落。这时空的跨越和更迭如何能在一艘邮轮上实现？自从听说上海版是个“邮轮上的《茶花女》”，我就一直好奇，好奇，特别好奇，在音乐与文本都原封原样的基础上，导演究竟要如何处理，方能不会游移间离圆得过去？
这种疑虑，在一幕基本不会出问题。曾看过远方的凤凰歌剧院，本土的中央歌剧院、国家大剧院等N版《茶花女》，薇奥莱塔的客厅，只有一间。在舞台处理上无非进进出出。上海新版《茶花女》，“客厅”里的戏移到了“甲板”上，将内景换成外景，这堂景，从始至终固定不变，全靠环形幕布上的视频镜头变化更迭，春夏秋冬的季节交替，沿海城市的景色变化，所有动态概莫能外，同相对静态的“甲板”形成反差对照。这种处理，需要智慧机巧也需要自信胆魄。
易立明有这种智慧机巧，有这份自信胆魄。二幕一场，他让邮轮停泊靠岸，女仆才能下船出去兑换首饰传递书信，老父亲才能上船进来警示红颜劝诫浪子。二幕二场同一幕，只是换了女主人，宾客还是那些宾客。看上去颇出新意的是吉普赛女郎的合唱段落，一曲“美人鱼之舞”，从服装扮相到舞蹈语汇，全都标新立异与众不同。舞女身着鱼尾形裙裾，在节奏鲜明的吉普赛女郎合唱中穿游摇荡风情万种。
在人们熟悉的音乐与歌声中，易立明自然是不会添加一个音符一段字句，但他想方设法不让观众的眼睛闲着，甲板上竖立起高高的直竿，一群男孩身穿蓝白相间的海魂衫，在高高的直竿上翻跃腾挪灵活矫健。西洋歌剧中掺入中国杂技，应该会比较接地气招人气，这种经典的本土化处理，上海版《茶花女》不是第一个，但效果却很出奇。许多观众看得入神也很开心，忍不住拍手称快，引动阵阵掌声喝彩。而有些歌剧爱好者也许会感觉，这段处理有些出戏，只顾着看精彩的杂技，可能会干扰静静聆听美妙的音乐与歌声。
第三幕可能也会有人产生点点疑虑。仍旧是在甲板上演戏，已病入膏肓生命垂危的茶花女，竟然跑到甲板上，头上是雪花，脚下是雪地。医生看病，爱人重逢，父亲忏悔，等等，全部都在这里。好像不合常规有悖情理。重点是，“天亮了吗？”你都跑到甲板上，还看不见吗？“请拉开窗帘吧！”你都跑到甲板上，哪有窗帘呢？但是这堂景，大约在冬季，漫天飞雪雪绒铺地，实在有一种无法抵挡的美。人生的凄凉，人世的薄凉，何须多言全在这里，看在眼中悲由心生，悲剧的力量，强大而神奇。如果最终已被这场戏彻底征服，谁还会纠结这些无伤大碍的词句？那些微不足道的时空交错，谁还会在意？
爱情挽歌的抒怀
最近一次听徐晓英是2015年12月，她在国家大剧院原创歌剧《这里的黎明静悄悄》里饰演女一号丽达。从严肃冷峻的苏俄女兵到优雅风情的驻唱歌女，徐晓英不是第一次挂头牌，但却是在上海大剧院舞台上第一次主演A组薇奥莱塔。面对一次全新的挑战，她实现了角色转型与人物塑造的自我超越。
这个形神兼备唱演俱佳的“茶花女”，拥有值得许多中外女高音歌唱家艳羡的高挑身材加姣好容貌。重点是她嗓音条件优越，专业技术过硬，而且，舞台经验丰富，现场发挥自如。只是她与角色原初的声音类型并非原装标配，全剧三幕四场，薇奥莱塔的演唱在方式与表情上，还是应当有所区别。
一幕的薇奥莱塔带着驻唱歌女的“面具”，笑容可掬逢场作戏。开始感觉徐晓英绷得略紧，表演状态不够松弛活络，举手投足端庄有余风情不足，有点像个大家闺秀而非天涯歌女。 薇奥莱塔回归正常表现是在“圆舞曲和二重唱”《饮酒歌》。徐晓英好像一下放开了，女主的心态与状态一下对位入戏了，歌声尽显其纵情与欢情，堪称尽善尽美。可惜下面这段二重唱，她的神态与情态又略显不自然了。在劝告阿尔弗雷多“死了这条心”时，何必要摆出一副大义凛然拒人千里的表情？她毕竟只是个四海漂泊的驻唱歌女而已。
著名的薇奥莱塔咏叹调“啊！那就是他吗？”这个篇幅长分量重且情绪变化层次丰富的经典唱段，徐晓英全情投入格外努力。有些段落很有质量，弱音的掌控与处理多有讲究，突出戏剧性的乐句也富有张力。但某些高音区的演唱，在弹性与灵敏度上还不尽如人意。f小调小行板“我的心在跳动……”，表现薇奥莱塔爱的梦想与欢悦，精妙度还不够理想；A大调华丽的快板“我的生活是在寻欢作乐的小径上徘徊”。表现女主心神飘忽摇荡不安的复杂矛盾心理，层次感还不够清晰。
徐晓英属于那种“热嗓子”吗？本来有些担心，她一幕唱得略紧，往后还能打开吗？可喜的是，她越唱状态越好，自身的带入感与优势越来越突出。二幕一场与热尔蒙的对手戏，她演得自然流畅楚楚动人，大小唱段完成的质量也有所提升。三幕是薇奥莱塔最有光彩最富魅力的重头戏，那段a小调稍快的行板“往日美好欢乐的梦境啊，再见了！”徐晓英一咏三叹扣人心弦，演员与角色自觉贴近融为一体，薇奥莱塔终于成功地让我们信服，这就是她的生命绝唱。
曾经在北京见识过韩蓬在《燕子之歌》《阿蒂拉》《骆驼祥子》《永·乐》等中外歌剧中主演男一号，阿尔弗雷多的声音造型应该更适合他。一幕“饮酒歌”完美演绎先声夺人，接下来他台前幕后的爱情告白光彩夺目。二幕泳装的男主一出场喜感十足，听他演唱“她那温柔的爱的微笑，温暖了我年轻火热的心”，非常松弛愉悦，既有夏日阳光投射的温度，又有热恋中大男孩的劲头，深情款款，激情似火。如果说这之前感觉男高音演唱胜于演戏，那么，从阿尔弗雷多发现爱人的“背弃”后，他的惊诧不已、难以置信，他的悲痛欲绝、愤恨恼怒，多情男儿的愚痴矫情与率真任性，真实自然尽收眼底。
二幕二场，阿尔弗雷多憋着满腔怨恨上场，感觉就是那种愣头青刺儿头寻衅挑事儿来了。这场戏，韩蓬完全进入了角色化的表演。一连串宣叙调式的闲言碎语对白插话，他的语感语调既讲究音乐性又注重生活化。接得住、跳得开，进得去、出得来，让我们听觉心理熨帖舒服。他的报复、爆发富于强大的能量，失恋者内心压抑的千重不甘万般委屈，孩子式的倔强执拗，一个乡绅之子的性格特征，准确入位神气活现。最后一场生离死别，韩蓬全情入戏，他对爱人的温存安抚，他对爱情的憧憬向往，歌声里的表情丰富而细腻。
在歌剧新生代男中音歌唱家里，孙砾可能是主演中外歌剧角色最多的代表之一。他可以将正面人物如《赵氏孤儿》的古代义士程婴刻画得栩栩如生，也可以将反面角色如《托斯卡》的斯卡皮亚演绎得入木三分。第一次听他的热尔蒙，感觉似曾相识又有些陌生。可能因中央歌剧院王海涛的热尔蒙给我留下的印象太深，而孙砾走的完全是另一条路子。同一部歌剧同一个角色，原来可以因不同的演员呈现出完全不同的形貌。
开始孙砾一上场，有点恶狠狠凶巴巴，看他对薇奥莱塔指手画脚步步紧逼，有点不太适应喘不过气。他是有意识地要这个效果吗？王海涛突然跳进我的脑海，他的古板刻板固化表情，目不斜视声色不动，基本保持挺直的腰身，更符合我对老乡绅热尔蒙的全部想象。现在这个热尔蒙，脸上紧绷身形松垮，一边比划一边溜达。似乎与我想象中的老乡绅存有一定距离。这种角色游离感一直伴随着热尔蒙和薇奥莱塔的对手戏结束，父与子的“二人台”开始。“普罗旺斯的天空和海洋”这首著名的热尔蒙咏叹调，孙砾唱得真好！语气的收放，强弱的对比，节奏的伸缩，全在高堂慈爱情怀之间。有一段弱声处理匠心独运，好像父亲对儿子附耳私语，这是我现场听过的对比最强幅度最宽的热尔蒙咏叹调。二幕二场至三幕，热尔蒙已无相对完整独立的唱段，孙砾在表演上优势突出，这个角色变得丰满而立体了。
感心动耳的华彩
从北京飞上海，最初肯定是出于对“邮轮”的好奇。实际上还有重要一层，那就是对张国勇指挥《茶花女》充满期待也满怀信心。这位在国内舞台指挥歌剧最多的指挥家，演绎中外经典与原创新作轻车熟路自成一派。现场听他的《茶花女》，第一次。神奇小棍的无言咏叹，绝对是感心动耳的华彩。
最初的如瀑掌声渐渐平息，只见乐池中的张国勇高抬双臂，引出前奏曲f小调-E大调柔板，只听小提琴用极弱音演奏出哀婉凄凉的旋律亲切而熟悉。如此的极弱（ppp）起，必须竖起耳朵屏住呼吸。这是薇奥莱塔气若游丝的哀婉叹息，听者的思绪随着音流，飘向第三幕开始的悲剧主题，似闻茶花凋零萎谢时的哀泣。音乐的情绪与性格，从悲凉忧伤开始延伸。在舒缓的圆舞曲中，两条旋律线穿游交织变化更迭，短暂的前奏曲，布局合理层次清明，奠定了全剧的基调与底色。
引子挑动华丽而活泼的A大调快板，管弦乐激烈升腾的音型烘托出以薇奥莱塔为中心聚会的欢乐气氛。音乐高潮的推进与节奏的松紧，全在指挥家严密掌控之下。张国勇激情稳健相辅相成，大结构、小细节十分讲究，放得开、收得住，尺寸合宜。器乐与声乐和谐默契，无论合唱、重唱，还是咏叹调、宣叙调，演员进得来出得去，感觉舒服自如。许多纯器乐段落在歌唱性、抒情性、戏剧性上精到而独特的艺术处理，音乐的“补白”出神入化妙不可言。三幕开始，薇奥莱塔从底舱走上甲板，那段音乐，深藏着凄切与忧伤，蕴蓄着苦痛与悲凉，那般内敛含蓄隐忍不发，丰盈着悲天悯人的情怀，感人肺腑催人泪下。
在谢幕时，全场观众向指挥家欢呼喝彩，张国勇收获了最高的荣誉。音乐是邮轮的驱动力，如果没有他正确无误的导航，神秘的“白色茶花号”，如何驶向希望之光照耀的彼岸？
上海版《茶花女》，表达了中国歌剧人对西方经典的敬意与诚意。她已然超越了经典的复制再现常规模式，可谓西洋歌剧中国化的成功范例。一艘神奇的“邮轮”，承载着许多曾经无缘歌剧的普通人，顺利驶向歌剧的艺术圣殿，更容易地亲近舞台上的《茶花女》。即便是曾经欣赏过很多次的老观众，从中也获得了从未有过的新感受和新体验。
从始至终，好像我们观众都是人在船上、情在戏中，一边看她和他互生爱意，一边听他和她黯然神伤；一边为美好爱情而感慨，一边为悲剧人生而哭泣……越是入戏渐深越感无力自拔。坦白说，从听完第一幕，我就开始暗自后悔，何以行色匆匆？上海方面这次为《茶花女》倾力投入、精良制作，新版无论如何也该听两遍。何况错过B组演员，有失公平也心有不甘。只能遗憾了，下次吧。
愿“白色茶花号”再度起航，乘风破浪开往更多的码头，停泊更多的港湾，在更多城市让更多国人见证，经典重新焕发生机，奇异芬芳香飘万里。